Das Filmredigieren ist ein Teil des kreativen Postproduktionsprozesses der Filmherstellung. Es schließt die Auswahl und das Kombinieren von Schüssen in Folgen und schließlich das Schaffen eines beendeten Films ein. Es ist eine Kunst der Erzählkunst. Das Filmredigieren ist die einzige Kunst, die zum Kino einzigartig ist, Filmherstellung von anderen Kunstformen trennend, die ihm (wie Fotografie, Theater, Tanz, das Schreiben und die Richtung) vorangegangen sind, obwohl es nahe Parallelen zum Redigieren-Prozess in anderen Kunstformen wie Dichtung oder das neuartige Schreiben gibt. Das Filmredigieren wird häufig die "unsichtbare Kunst" genannt, weil, wenn es gut geübt ist, sich der Zuschauer so verloben kann, dass er oder sie der Arbeit des Redakteurs nicht sogar bewusst ist.

Auf seinem grundsätzlichsten Niveau ist das Filmredigieren die Kunst, Technik und Praxis von sich versammelnden Schüssen in einen zusammenhängenden Ganzen. Ein Filmredakteur ist eine Person wer das Methoden-Filmredigieren, indem er die Gesamtlänge sammelt. Jedoch ist der Job eines Redakteurs nicht einfach, Stücke eines Films mechanisch zusammenzustellen, Filmschiefer abzuschneiden, oder Dialog-Szenen zu editieren. Ein Filmredakteur muss mit den Schichten von Images, Geschichte, Dialog, Musik, dem Schreiten, sowie den Leistungen der Schauspieler kreativ arbeiten, um sogar den Film "sich" effektiv "wiedervorzustellen" und umzuschreiben, um einen zusammenhaltenden Ganzen zu fertigen. Redakteure spielen gewöhnlich eine dynamische Rolle im Bilden eines Films.

Mit dem Advent des Digitalredigierens sind Filmredakteure und ihre Helfer verantwortlich für viele Gebiete der Filmherstellung geworden, die gepflegt hat, die Verantwortung von anderen zu sein. Zum Beispiel, in letzten Jahren, haben sich Bilderredakteure nur mit gerade dem — Bild befasst. Ton, Musik, und (mehr kürzlich) Seheffekten-Redakteure haben sich mit der Nützlichkeit anderer Aspekte des Redigieren-Prozesses, gewöhnlich unter der Richtung des Bilderredakteurs und Direktors befasst. Jedoch haben Digitalsysteme diese Verantwortungen auf den Bilderredakteur zunehmend gestellt. Es, ist besonders auf niedrigeren preisgünstigen Filmen, für die Helfer-Redakteure oder sogar den Redakteur üblich, um in der Musik, Spott Seheffekten zu schneiden, und Geräuscheffekte oder anderen gesunden Ersatz hinzuzufügen. Diese vorläufigen Elemente werden gewöhnlich durch mehr raffinierte Endelemente durch den Ton, die Musik und die Seheffekten-Mannschaften ersetzt, die angestellt sind, um das Bild zu vollenden.

Das Filmredigieren ist eine Kunst, die auf verschiedene Weisen verwendet werden kann. Es kann sinnlich herausfordernde Montagen schaffen; werden Sie ein Laboratorium für das experimentelle Kino; bringen Sie die emotionale Wahrheit in einer Leistung eines Schauspielers heraus; schaffen Sie einen Gesichtspunkt auf sonst stumpfen Ereignissen; führen Sie das Erzählen und den Schritt einer Geschichte; schaffen Sie ein Trugbild der Gefahr, wo es niemanden gibt; geben Sie Betonung Dingen, die nicht sonst bemerkt worden sein würden; und schaffen Sie sogar eine emotionale unterbewusste Lebensverbindung zum Zuschauer unter vielen anderen Möglichkeiten.

Frühe Experimente

Wie man

allgemein denkt, ist Edwin S. Porter der amerikanische Filmemacher, der zuerst das Filmredigieren gestellt hat, um zu verwenden. Porter hat als ein Elektriker vor dem Verbinden dem Filmlaboratorium von Thomas Alva Edison gegen Ende der 1890er Jahre gearbeitet. Frühe Filme von Thomas Edison (dessen Gesellschaft eine Bewegungskamera und Kinoprojektor erfunden hat) und waren andere kurze Filme, die ein langer, statischer, unten geschlossener Schuss waren. Die Bewegung im Schuss war alles, was notwendig war, um ein Publikum zu amüsieren, so haben die ersten Filme einfach Tätigkeit wie Verkehr gezeigt, der eine Stadtstraße vorwärtstreibt. Es gab keine Geschichte und kein Redigieren. Jeder Film ist gelaufen, so lange es Film in der Kamera gab. Als das Film-Studio von Edison die Länge der kurzen Filme hat vergrößern wollen, ist Edison Porter gekommen. Porter hat den Durchbruch-Film Leben eines amerikanischen Feuerwehrmannes 1903 gemacht. Der Film war unter dem ersten, das einen Anschlag, Handlung und sogar eine Nahaufnahme einer Hand hatte, die eine Feuerwarnung zieht.

Andere Filme sollten folgen. Der bahnbrechende Film von Porter, Der Große Zugraub wird noch in Filmschulen heute als ein Beispiel der frühen Redigieren-Form gezeigt. Es wurde 1903 erzeugt und war eines der ersten Beispiele von dynamischen, dem Handlungsredigieren - piecing zusammen Szene-Schuss zu verschiedenen Zeiten und Plätze und für den emotionalen in einer statischen riskanten Wette nicht verfügbaren Einfluss. Einer des ersten Films zu sein, schreibt (Filmregisseur, Redakteur und Ingenieur) Porter auch erfunden mit Bindestrich und hat einige der allerersten (obgleich primitiv) spezielle Effekten wie doppelte Aussetzungen, Miniaturen und Spalt-Schirme verwertet.

Porter hat wichtige Aspekte der Film-Sprache entdeckt: Dass das Schirm-Image keiner ganzen Person vom Kopf zur Zehe zu zeigen braucht, und dass das Verstärken zusammen zwei Schüsse in der Meinung des Zuschauers eine Kontextbeziehung schafft. Das waren die Schlüsselentdeckungen, die alle haben nichtleben oder Bericht-Filme und Fernsehen möglich nicht von der Videokassette leben lassen — dass Schüsse (in diesem Fall ganze Szenen seit jedem Schuss eine ganze Szene sind), kann an weit verschiedenen Positionen über eine Zeitdauer von der Zeit (Stunden, Tage oder sogar Monate) fotografiert und in einen ganzen Bericht verbunden werden. D. h. Der Große Zugraub enthält Szene-Schuss auf Sätzen einer Telegraf-Station, eines Gleise-Autointerieurs und eines Tanzlokales, mit Außenszenen an einem Gleise-Wasserturm, auf dem Zug selbst, an einem Punkt entlang der Spur, und in den Wäldern. Aber wenn die Räuber das Telegraf-Stationsinterieur (Satz) verlassen und am Wasserturm erscheinen, glaubt das Publikum, dass sie sofort von einem bis den anderen gegangen sind. Oder dass, wenn sie auf dem Zug in einem Schuss klettern und in den Gepäckwagen (ein Satz) im folgenden eingehen, das Publikum glaubt, dass sie auf demselben Zug sind.

Einmal 1918 hat der russische Direktor Lev Kuleshov einen Versuch angestellt, der diesen Punkt beweist. (Sieh Experiment von Kuleshov) Er hat eine alte Filmklammer eines Hauptschusses eines bekannten russischen Schauspielers genommen und hat den Schuss mit einem Schuss einer Schüssel der Suppe dann mit einem Kind zwischengeschnitten, das mit einem Teddy, dann mit einem Schuss eine Seniorin in einem Kästchen spielt. Als er den Film Leuten gezeigt hat, haben sie den Schauspieler stellvertretend — der Hunger in seinem Gesicht gelobt, als er die Suppe, das Entzücken am Kind und den Kummer gesehen hat, als er auf die tote Frau geschaut hat. Natürlich war der Schuss des Schauspielers wenige Jahre, bevor die anderen Schüsse und er nie einige der Sachen "gesehen" haben. Die einfache Tat, die Schüsse in einer Folge nebeneinander zu stellen, hat die Beziehung gemacht.

Geschichte des Films, Technologie editierend

Vor dem weit verbreiteten Gebrauch von nichtlinearen Redigieren-Systemen wurde das anfängliche Redigieren aller Filme mit einer positiven Kopie des negativen Films getan hat einen Film workprint genannt (Kopie im Vereinigten Königreich schneidend), durch den physischen Ausschnitt und das Aufkleben zusammen von Stücken des Films, das Verwenden eines Schweißapparats und das Einfädeln des Films auf einer Maschine mit einem Zuschauer wie Moviola oder "Flachbett"-Maschine wie K.-E.-M. oder Steenbeck. Heute werden die meisten Filme digital (auf Systemen wie Begierige oder Endgültige Kürzung Pro) editiert und umgehen den Film positiver workprint zusammen. In der Vergangenheit hat der Gebrauch eines Films positiv (nicht die ursprüngliche Verneinung) dem Redakteur erlaubt, so viel Experimentieren zu tun, wie er oder sie ohne die Gefahr gewünscht hat, das Original zu beschädigen.

Als der Film workprint zu einem befriedigenden Staat geschnitten worden war, wurde er dann verwendet, um einen Entscheidungsliste editieren (EDL) zu machen. Der negative Schneidende hat sich auf diese Liste bezogen, während er die Verneinung bearbeitet hat, die Schüsse in Rollen spaltend, die dann Kontakt waren, der gedruckt ist, um den Endfilmdruck oder Antwort-Druck zu erzeugen. Heute haben Produktionsgesellschaften die Auswahl, negativen Ausschnitt zusammen zu umgehen. Mit dem Advent des Digitalzwischengliedes ("DI") braucht die physische Verneinung nicht notwendigerweise physisch geschnitten zu werden und heiße gesplissen zusammen; eher wird die Verneinung in den Computer optisch gescannt, und eine Kürzungsliste wird von einem DI Redakteur angepasst.

Postproduktion

Die Kürzung des Redakteurs

Es gibt mehrere Redigieren-Stufen, und die Kürzung des Redakteurs ist erst. Eine Kürzung eines Redakteurs (manchmal gekennzeichnet als der "Zusammenbau editieren" oder "Rohschnitt"), ist normalerweise der erste Pass dessen, was der Endfilm sein wird, wenn es Bilderschloss erreicht. Der Filmredakteur fängt gewöhnlich an zu arbeiten, während Hauptfotografie anfängt. Wahrscheinlich, vor dem Ausschnitt, werden der Redakteur und Direktor gesehen haben und/oder "Tageszeitungen" (roher Gesamtlänge-Schuss jeden Tag) als schießende Fortschritte besprochen haben. Abschirmung von Tageszeitungen gibt dem Redakteur eine Baseballplatz-Idee von den Absichten des Direktors. Weil es der erste Pass ist, könnte die Kürzung des Redakteurs länger sein als der Endfilm. Der Redakteur setzt fort, die Kürzung zu raffinieren, während das Schießen weitergeht, und häufig der komplette Redigieren-Prozess seit vielen Monaten und manchmal mehr als einem Jahr abhängig vom Film weitergeht.

Die Kürzung des Direktors

Wenn das Schießen beendet wird, kann der Direktor dann seine volle Aufmerksamkeit auf das Zusammenarbeiten mit dem Redakteur und die weitere Raffinierung der Kürzung des Films lenken. Das ist die Zeit, die beiseite stellt, wo die erste Kürzung des Redakteurs des Films geformt wird, um die Vision des Direktors zu passen. In den Vereinigten Staaten, laut DGA-Regeln, erhalten Direktoren ein Minimum von zehn Wochen nach der Vollziehung der Hauptfotografie, um ihre erste Kürzung vorzubereiten.

Während

sie daran zusammenarbeiten, was die Kürzung des "Direktors" genannt wird, sehen der Direktor und der Redakteur den kompletten Film mit einem Kamm des feinen Zahns durch; Szenen und Schüsse werden wiederbestellt, entfernt, verkürzt und sonst gezwickt. Häufig wird es entdeckt, dass es Anschlag-Löcher, fehlende Schüsse oder sogar fehlende Segmente gibt, die verlangen könnten, dass neue Szenen gefilmt werden. Wegen dieser Zeit, nah arbeitend und zusammenarbeitend - bildet eine Periode, die normalerweise viel länger, und viel vertrauter beteiligt ist als die komplette Produktion und sich - die meisten Direktoren und Redakteure verfilmen lassend, ein einzigartiges künstlerisches Band.

Endkürzung

Häufig, nachdem der Direktor seine Chance gehabt hat, eine Kürzung zu beaufsichtigen, werden die nachfolgenden Kürzungen von einem oder mehr Erzeugern beaufsichtigt, die die Produktionsgesellschaft und/oder das Filmstudio vertreten. Es hat mehrere Konflikte in der Vergangenheit zwischen dem Direktor und dem Studio gegeben, manchmal zum Gebrauch des Kredits "von Alan Smithee" führend, der wichtig ist, wenn ein Direktor nicht mehr mit der Endausgabe vereinigt werden will.

Kontinuität

Kontinuität ist ein Filmbegriff, der darauf hinweist, dass eine Reihe von Schüssen physisch dauernd sein sollte, als ob die Kamera einfach Winkel im Laufe eines einzelnen Ereignisses geändert hat. Zum Beispiel, wenn in einem Schuss ein Bierglas leer ist, sollte es nicht im folgenden Schuss voll sein. Die Livesendung eines sportlichen Ereignisses würde ein Beispiel der Gesamtlänge sein, die sehr dauernd ist. Da die lebenden Maschinenbediener von einem lebendem Futter bis einen anderen schneiden, passt die physische Handlung der Schüsse sehr nah zusammen. Viele Menschen betrachten Widersprüchlichkeiten in der Kontinuität als Fehler, und häufig wird der Redakteur verantwortlich gemacht. Im Film, jedoch, ist Kontinuität sehr fast auf einer Filmredakteur-Liste von wichtigen Dingen letzt aufrechtzuerhalten.

Technisch ist Kontinuität die Verantwortung des Schrift-Oberaufsehers und Filmregisseurs, die dafür zusammen verantwortlich sind, Kontinuität zu bewahren und Fehler zu hindern, nehmen, um zu nehmen, und Schuss zum Schuss. Der Schrift-Oberaufseher, der neben dem Direktor während des Schießens sitzt, behält die physische Kontinuität des Editierens im Sinn, weil Schüsse aufgestellt werden. Er ist der Wachmann des Redakteurs. Wenn Schüsse aus der Folge genommen werden, wie häufig der Fall ist, wird er auf der Hut sein, um sicherzustellen, dass dieses Bierglas im passenden Staat ist. Der Redakteur verwertet die Schrift-Oberaufseher-Zeichen während der Postproduktion, um zu loggen und die riesengroßen Beträge der Gesamtlänge nachzugehen, und nimmt das ein Direktor könnte schießen.

Methoden der Montage

In der Film-Fachsprache ist eine Montage (von den Franzosen für "das Zusammenstellen" oder "den Zusammenbau") ein Film, Technik editierend.

Es gibt mindestens drei Bedeutungen des Terminus:

1. In der französischen Filmpraxis hat "Montage" sein wörtliches Französisch, das (Zusammenbau, Installation) vorhat, und identifiziert einfach das Redigieren.
2. In der sowjetischen Filmherstellung der 1920er Jahre war "Montage" eine Methode, Schüsse nebeneinander zu stellen, um neue Bedeutung abzuleiten, die in keinem Schuss allein bestanden hat.
3. Im klassischen Kino von Hollywood ist eine "Montage-Folge" ein kurzes Segment in einem Film, in dem Bericht-Information auf eine kondensierte Mode präsentiert wird.

Sowjetische Montage

Lev Kuleshov war unter dem allerersten, um über das relativ junge Medium des Kinos in den 1920er Jahren zu theoretisieren. Für ihn, die einzigartige Essenz des Kinos — editiert das, was in keinem anderen Medium kopiert werden konnte —. Er behauptet, dass das Redigieren eines Films dem Konstruieren eines Gebäudes ähnlich ist. Ziegel-für-Ziegel-(Schuss-für-Schuss) wird das Gebäude (Film) aufgestellt. Sein häufig zitiertes Experiment von Kuleshov hat diese Montage gegründet kann den Zuschauer dazu bringen, zu bestimmten Schlüssen über die Handlung in einem Film zu gelangen. Montage arbeitet, weil Zuschauer auf dem Zusammenhang basierte Bedeutung ableiten.

Obwohl, genau genommen, amerikanischer Filmregisseur D.W. Griffith nicht ein Teil der Montage-Schule war, war er einer der frühen Befürworter der Macht des Redigierens — das Meistern des Querschneidens, um parallele Handlung in verschiedenen Positionen und das Kodifizieren der Filmgrammatik auf andere Weisen ebenso zu zeigen. Die Arbeit von Griffith im Teenageralter war durch Kuleshov und andere sowjetische Filmemacher hoch angesehen und hat außerordentlich ihr Verstehen des Redigierens beeinflusst.

Sergei Eisenstein war kurz ein Student von Kuleshov, aber die zwei geteilten Wege, weil sie verschiedene Ideen von der Montage hatten. Eisenstein hat Montage als ein dialektisches Mittel betrachtet, Bedeutung zu schaffen. Indem er Schüssen ohne Beziehung gegenübergestellt hat, hat er versucht, Vereinigungen im Zuschauer zu provozieren, die durch Stöße veranlasst wurden.

Montage-Folge

Eine Montage-Folge besteht aus einer Reihe von kurzen Schüssen, die in eine Folge editiert werden, um Bericht zu kondensieren. Es wird gewöhnlich verwendet, um die Geschichte als Ganzes (häufig vorzubringen, um den Zeitablauf anzudeuten), anstatt symbolische Bedeutung zu schaffen. In vielen Fällen spielt ein Lied im Vordergrund, um die Stimmung zu erhöhen oder die Nachricht zu verstärken, die wird befördert. Ein berühmtes Beispiel der Montage wurde im 1968-Film gesehen, den Anfang der ersten Entwicklung des Mannes von Menschenaffen Menschen zeichnend.

Das Kontinuitätsredigieren

Was bekannt als populäres 'klassisches Hollywood' Stil des Redigierens geworden ist, wurde von frühen europäischen und amerikanischen Direktoren, in besonderem D.W. Griffith in seinen Filmen wie Die Geburt einer Nation und Intoleranz entwickelt. Der klassische Stil sichert zeitliche und räumliche Kontinuität als eine Weise, Bericht mit solchen Techniken als die 180 Grad-Regel vorzubringen, Schuss und Schuss-Rückschuss Gründend.

Alternativen zum Kontinuitätsredigieren (nicht traditionell oder experimentell)

Frühe russische Filmemacher wie Lev Kuleshov haben weiter erforscht und haben über das Redigieren und seine ideologische Natur theoretisiert. Sergei Eisenstein hat ein System des Redigierens entwickelt, das mit den Regeln des Kontinuitätssystems klassischen Hollywoods unbeteiligt war, dass er Intellektuelle Montage genannt hat.

Alternativen zum traditionellen Redigieren waren auch die Albernheit des frühen Surrealisten und der dada Filmemacher wie Luis Buñuel (Direktor des Un Chien 1929-Andalous) und René Clair (Direktor von Entr'acte von 1924, der berühmte dada Künstler Marcel Duchamp und Man Ray in der Hauptrolle gezeigt hat). Beide Filmemacher, Clair und Buñuel, haben mit dem Redigieren von Techniken lange davor experimentiert, was "das MTV Stil" Redigieren genannt wird.

Die französischen Neuen Welle-Filmemacher wie Jean Luc Godard und François Truffaut und ihre amerikanischen Kollegen wie Andy Warhol und John Cassavetes haben auch die Grenzen gestoßen, Technik während des Endes der 1950er Jahre und im Laufe der 1960er Jahre zu editieren. Französische Neue Welle-Filme und die Nichtbericht-Filme der 1960er Jahre haben einen sorgenfreien Redigieren-Stil verwendet und haben sich der traditionellen Redigieren-Etikette von Filmen von Hollywood nicht angepasst. Wie sein dada und surrealistische Vorgänger hat französische Neue Welle, die häufig editiert, Aufmerksamkeit auf sich durch seinen Mangel an der Kontinuität, seine demystifying selbstreflexive Natur gelenkt (das Erinnern des Publikums, dass sie einen Film beobachteten), und durch den offenen Gebrauch von Sprung-Kürzungen oder die Einfügung des Materials, das nicht häufig mit jedem Bericht verbunden ist.

Das Redigieren von Techniken

Vsevolod Pudovkin hat bemerkt, dass der Redigieren-Prozess eine Phase der Produktion ist, die zu Filmen aufrichtig einzigartig ist. Jeder andere Aspekt des Filmbildens, das in einem verschiedenen Medium hervorgebracht ist als Film (Fotografie, Kunstrichtung, das Schreiben, lässt Aufnahme erklingen), aber das Redigieren ist ein Prozess, der einzigartig ist, um sich verfilmen zu lassen. Kubrick wurde zitiert: "Ich liebe zu editieren. Ich denke, dass ich es mehr mag als jede andere Phase des Filmbildens. Wenn ich habe frivol sein wollen, könnte ich sagen, dass alles, was dem Redigieren vorangeht, bloß eine Weise ist, Film zu erzeugen, um zu editieren."

• Edward Dmytryk setzt sieben "Regeln fest zu schneiden", dem ein guter Redakteur folgen sollte:
• "Regel 1: Machen Sie nie eine Kürzung ohne einen positiven Grund."
• "Regel 2: Wenn unbestimmt, über den genauen Rahmen, um darauf zu schneiden, schneiden Sie lang aber nicht kurz."
• "Regel 3: Wann immer möglich Kürzung 'in der Bewegung'."
• "Regel 4: Das 'frische' ist dem 'alten' vorzuziehend."
• "Regel 5: Alle Szenen sollten beginnen und mit der ständigen Handlung enden."
• "Regel 6: Kürzung für richtige Werte aber nicht richtige 'Matchs'."
• "Regel 7: Substanz zuerst — formt sich dann."
• Gemäß Walter Murch, wenn es zum Filmredigieren kommt, gibt es sechs wichtige, für eine Kürzung zu bewerten oder zu entscheiden, wo man schneidet. Sie sind (in der Größenordnung von der Wichtigkeit, am wichtigsten erst, mit begrifflichen Prozentsatz-Werten.):
• Gefühl (51 %) — widerspiegelt die Kürzung, was der Redakteur glaubt, dass sich das Publikum in diesem Moment fühlen sollte?
• Bringt Geschichte (23 %) — die Kürzung die Geschichte vor?
• Rhythmus (10 %) — kommt die Kürzung "in einem Moment vor der ist rhythmisch interessant und" (Murch, 18) 'richtig'?
• Macht Augenspur (7 %) — die Kürzung Aufwartung "der Position und Bewegung des Fokus von Interesse des Publikums innerhalb des Rahmens" (Murch, 18)?
• Respektiert das zweidimensionale Flugzeug des Schirms (5 %) — die Kürzung die 180 Grad-Regel?

Ist

• der dreidimensionale Raum der Handlung (4 %) — die Kürzung zu den physischen/räumlichen Beziehungen innerhalb des diegesis wahr?

Murch hat die begrifflichen Prozentsatz-Werte jedem der Kriterien zugeteilt. "Gefühl, an der Oberseite von der Liste, ist das Ding, das Sie versuchen sollten, um jeden Preis zu bewahren. Wenn Sie finden, dass Sie sicher in jenen sechs Dingen opfern müssen, eine Kürzung zu machen, Ihren Weg, Artikel durch den Artikel vom Boden zu opfern. "-Murch

Bibliografie

• Dmytryk, Edward (1984). Auf dem Filmredigieren: Eine Einführung in die Kunst des Filmaufbaus. Im Brennpunkt stehende Presse, Boston.
• Eisenstein, Sergei (2010). Zu einer Theorie der Montage. Tauris, London. Internationale Standardbuchnummer 9781848853560
• Ritter, Arthur (1957). Die lebhafteste Kunst. Mentor-Bücher. Neue amerikanische Bibliothek.

Referenzen

Weiterführende Literatur

• Moral, Morante, Luis Fernando (2000). Teoría y Práctica de la Edición en video. Universidad de San Martin de Porres, Lima, Perú
• Murch, Walter (2001). Im Blinzeln eines Auges: eine Perspektive auf dem Filmredigieren. Silman-James Press. Die 2. Umdrehung. internationale Hrsg.-Standardbuchnummer 1-879505-62-2

Siehe auch

• 180 Grad-Regel
• 30 Grad-Regel
• Eine Rolle (Gesamtlänge)
• B rollen
• Filmische Techniken
• Clapperboard
• Compositing, der (Eingibt)
• Kürzung (Übergang), für die Anruf-Kürzung des Direktors!
• Axiale Kürzung
• Querschneiden
• Schnell Ausschnitt
• Sprung hat geschnitten
• Nehmen Sie lange
• Match hat geschnitten
• Langsamer Ausschnitt
• Cut
• Entscheidungsliste editieren (EDL)
• Filmübergang
• Lösen Sie auf
• L Kürzung (Spalt editieren)
• Wischen Sie
• Filmherstellung
• Wirkung von Kuleshov
• Liste von filmzusammenhängenden Themen
• Motion Picture Editors Guild (MPEG)
• Film-Fachsprache
• Moviola
• Neu herausgegebener Film
• Szene
• Folge
• Schuss
• Das Herstellen des Schusses
• Einsatz
• Master hat geschossen
• Gesichtspunkt hat geschossen
• Schuss-Rückseite hat geschossen
• Video, editierend

Wikibooks

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Außenverbindungen

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• Die Kunst der Guillotine