Die Mulholland Drive ist ein 2001-Amerikaner neo-noir psychologischer Thriller, der schriftlich und von David Lynch geleitet ist, Justin Theroux, Naomi Watts und Laura Harring in der Hauptrolle zeigend. Der surrealistische Film wurde von vielen Kritikern hoch mit Jubel begrüßt und hat Lynch der Prix de la mise en scène (Bester Direktor-Preis) an den Cannes 2001-Filmfestspielen sowie einer Nominierung von Oskar für den Besten Direktor verdient. Die Mulholland Drive hat die Karrieren von Watts und Harring gestartet und war der letzte Hauptfilm, um Veteranschauspielerin von Hollywood Ann Miller in der Hauptrolle zu zeigen. Der Film wird als eine der feinsten Arbeiten von Lynch, neben Eraserhead (1977) und Blauer Samt (1986) weit betrachtet, und ist von vielen Kritikern als das Darstellen einer bedeutenden Perspektive der 2000er Jahre gewählt worden.

Ursprünglich konzipiert als ein Fernsehpilot wurde ein großer Teil des Films mit dem Plan von Lynch geschossen, es unbegrenzt für eine potenzielle Reihe zu halten. Nach der Betrachtung der Version von Lynch, jedoch, haben sich Fernsehmanager dafür entschieden, es zurückzuweisen; Lynch hat dann ein Ende dem Projekt zur Verfügung gestellt, es einen Hauptfilm machend. Der Halbpilot, Halbeigenschaft-Ergebnis, zusammen mit dem charakteristischen Stil von Lynch, hat die allgemeine Bedeutung der für die Interpretation offenen Ereignisse des Films verlassen. Lynch hat abgelehnt, eine Erklärung seiner Absichten für den Bericht anzubieten, Zuschauer, Kritiker verlassend, und Mitglieder zu werfen, um darüber nachzusinnen, was ausgedünstet wird.

Der Film erzählt die Geschichte einer strebenden Schauspielerin genannt Betty Elms, kürzlich ist in Los Angeles, Kalifornien angekommen, wer entspricht und einem amnesiac behilflich ist, der sich in der Wohnung ihrer Tante verbirgt. Die Geschichte schließt mehrere andere Vignetten anscheinend ohne Beziehung ein, die schließlich auf verschiedene Weisen, sowie einige surreale Szenen und Images in Verbindung stehen, die sich auf den rätselhaften Bericht beziehen. A. O. Scott von Der New York Times schreibt, dass, während einige den Anschlag denken könnten, ein "Vergehen gegen den Bericht befiehlt..., dass der Film eine berauschende Befreiung vom Sinn, mit Momenten des Gefühls umso mehr stark ist, um zu scheinen, aus der dunklen Nachtwelt des Unbewussten zu erscheinen."

Anschlag

Die Geschichte kann nicht geradlinig sein und stellt mehrere Beispiele der zeitlichen Störung aus. Eine Brünette (Laura Elena Harring) entkommt ihrem eigenen Mord, indem sie der alleinige Überlebende eines Autounfalls auf der Mulholland Drive ist. Verletzt und in Stoß steigt sie in Los Angeles hinunter und schleicht in eine Wohnung, die eine ältere, rothaarige Frau gerade frei gemacht hat. Eine strebende Schauspielerin genannt Betty Elms (Naomi Watts) erreicht dieselbe Wohnung und findet die Brünette verwirrt, ihren eigenen Namen nicht wissend. Die Brünette nimmt den Namen "Rita" nach dem Sehen eines Posters für den Film Gilda (1946) an, Rita Hayworth in der Hauptrolle zeigend. Um ihr beim Entdecken ihrer Identität zu helfen, schauen sie im Geldbeutel von Rita, wo sie einen großen Betrag des Geldes und eines ungewöhnlichen blauen Schlüssels finden.

In einem Tischgast genannt Winkies erzählt ein Mann seinem Begleiter über einen Albtraum, in dem er geträumt hat, dass es eine schreckliche Zahl hinter dem Tischgast gab. Wenn sie nachforschen, erscheint die Zahl, den Mann mit dem Albtraum veranlassend, im Entsetzen ohnmächtig zu werden. Ein Direktor von Hollywood genannt Adam Kesher (Justin Theroux) ließ seinen Film durch offenbare Gangster beschlagnahmen, die darauf bestehen, dass er eine unbekannte Schauspielerin genannt Camilla Rhodes (Melissa George) als die Leitung in seinem Film geworfen hat. Nachdem er sich widersetzt, kehrt er nach Hause zurück, um seine Frau zu finden, die eine Angelegenheit hat, und wird aus seinem Haus geworfen. Er erfährt später, dass seine Bank seine Linie des Kredits geschlossen hat und er ist, hat gebrochen. Er ist bereit, eine mysteriöse Zahl genannt Der Cowboy zu treffen, der ihn nötigt, Camilla Rhodes zu seinem eigenen Nutzen zu werfen. Später versucht ein Pfuschkiller (Mark Pellegrino), ein Buch zu stehlen, das mit Telefonnummern voll ist, und verlässt drei Menschen tot.

Versuchend, mehr über den Unfall von Rita zu erfahren, gehen Betty und Rita zu Winkies und werden von einer Kellnerin genannt Diane gedient, die Rita veranlasst, sich an den Namen "Diane Selwyn" zu erinnern. Sie finden Diane Selwyn im Telefonbuch und nennen sie, aber sie antwortet nicht. Betty geht zu einem Hörvermögen, wo ihre Leistung hoch gelobt wird. Ein sich werfender Agent bringt sie in den Satz eines Films genannt Die Geschichte von Sylvia North, die von Adam geleitet ist, wo Camilla Rhodes ein Hörvermögen gibt und Adam erklärt, "Ist das das Mädchen." Betty flieht, bevor sie Adam treffen kann, sagend, dass sie einen Freund treffen muss.

Betty und Rita gehen zur Wohnung und Einbruch von Diane Selwyn, wenn keiner die Tür öffnet. Im Schlafzimmer finden sie den Körper einer Frau, die seit mehreren Tagen tot gewesen ist. Erschreckt kehren sie zu ihrer Wohnung zurück, wo Rita sich mit einer blonden Perücke verkleidet. Die zwei Frauen haben Geschlecht in dieser Nacht und wachen um 2:00 Uhr auf, wenn Rita darauf besteht, dass sie zu einem unheimlichen Theater genannt der Klub Silencio gehen. Auf der Bühne erklärt ein Mann auf mehreren Sprachen, dass alles ein Trugbild ist; eine Frau beginnt, dann Zusammenbrüche zu singen, obwohl ihre Vokale weitergehen. Betty findet einen blauen Kasten in ihrem Geldbeutel, der den Schlüssel von Rita vergleicht. Nach dem Zurückbringen in die Wohnung bekommt Rita den Schlüssel wieder und findet, dass Betty verschwunden ist. Rita schließt den Kasten auf, und er fällt zum Fußboden mit einem Schlag.

Die ältere rothaarige Frau untersucht den Ton, aber nichts ist dort. Der Cowboy erscheint in der Türöffnung des Schlafzimmer-Ausspruchs von Diane Selwyn, "He, hübsches Mädchen. Zeit, um aufzuwachen." Diane Selwyn (gespielt von Naomi Watts) wacht in ihrem Bett auf. Sie ist genau Betty ähnlich, aber wird als ein einsamer porträtiert und hat gefehlte Schauspielerin deprimiert, die in Camilla Rhodes verliebt ist (gespielt jetzt von Harring), wer quält und sie zurückweist. Auf der Einladung von Camilla wartet Diane einer Partei im Haus von Adam auf der Mulholland Drive auf. Ihr Limousine-Halt, bevor sie das Haus und Camilla erreichen, eskortiert ihr Verwenden einer Abkürzung. Adam scheint, in Camilla verliebt zu sein. Über das Mittagessen stellt Diane fest, dass sie nach Hollywood gekommen ist, als ihre Tante gestorben ist, und sie Camilla an einem Hörvermögen für Die Geschichte von Sylvia North getroffen hat. Eine andere Frau (gespielt von Melissa George) küsst Camilla, und sie drehen sich und lächeln Diane zu. Adam und Camilla bereiten sich vor, eine wichtige Ansage zu machen, und sich ins Gelächter und den Kuss aufzulösen, während Diane zusieht, schreiend.

Diane trifft sich mit dem Pfuschkiller an Winkies, wo sie ihm das Foto von Camilla und einen großen Betrag des Geldes gibt, und ihnen von einer Kellnerin genannt Betty gedient wird. Der Killer sagt Diane, dass, wenn der Job getan wird, sie einen blauen Schlüssel finden wird. Diane fragt, was, wenn irgendetwas sich der Schlüssel öffnet, aber der Killer lacht gerade. Diane blickt auf und sieht den Mann, der das Albtraum-Stehen am Schalter hatte. Zurück an ihrer Wohnung, mit dem Schlüssel auf einem Tisch vor ihr, wird sie durch Halluzinationen terrorisiert. Sie führt das Schreien zu ihrem Bett, wo sie sich schießt. Eine Frau am Klub wispert "Silencio".

Produktionsgeschichte

Entwicklung

Ursprünglich konzipiert als eine Fernsehreihe hat die Mulholland Drive als ein zweistündiger - plus der Pilot begonnen, der für das Prüfstein-Fernsehen erzeugt ist, und hat für das Abc-Fernsehnetz bestimmt. David Lynch hat die Idee Abc-Managern gestützt nur auf der Geschichte von Rita verkauft, die aus dem Autounfall mit ihrem Geldbeutel erscheint, der 125,000 $ im Bargeld und dem blauen Schlüssel und Betty enthält, die versucht, ihrer Zahl hinauszuhelfen, die sie ist. Ein Abc-Manager hat zurückgerufen, "Ich erinnere mich an die Kriechendkeit dieser Frau in diesem schrecklichen, schrecklichen Unfall und Davids, der uns mit dem Begriff aufzieht, dass Leute ihr jagen. Sie ist nicht nur 'in' Schwierigkeiten — sie ist Schwierigkeiten. Offensichtlich fragten wir, 'Was als nächstes geschieht?' Und David hat gesagt, 'Sie den Wurf für mich kaufen müssen, um Ihnen zu erzählen.'"

Lynch hat den Reiz der Idee von einem Piloten trotz der Kenntnisse beschrieben, dass das Medium des Fernsehens einzwängen würde: "Ich bin ein Schössling für eine ständige Geschichte... Theoretisch können Sie eine sehr tiefe Geschichte bekommen, und Sie können so tief gehen und die Welt so schön öffnen, aber sie nimmt Zeit in Anspruch, um das zu tun." Die Geschichte hat normale und surreale Elemente viel wie die früheren Reihe-Zwillingsspitzen von Lynch eingeschlossen. Grundstein wurde für Geschichte-Kreisbogen, wie das Mysterium der Identität von Rita, der Karriere von Betty und des Filmprojektes von Adam Kesher gelegt.

Gussteil

Lynch hat Naomi Watts und Laura Elena Harring durch ihre Fotographien geworfen. Er hat sie getrennt für halbstündige Interviews herbeigerufen und hat ihnen gesagt, dass er entweder ihrer vorherigen Arbeiten im Film oder Fernsehens nicht gesehen hatte. Harring hat es als schicksalhaft betrachtet, dass sie an einem geringen Autounfall unterwegs zum ersten Interview beteiligt wurde, um nur zu erfahren, dass ihr Charakter auch an einem Autounfall im Film beteiligt würde. Watts ist angekommen, Jeans für das erste Interview tragend, das vom Flugzeug von New York City direkt ist. Lynch hat sie gebeten, am nächsten Tag "mehr glammed" zurückzugeben. Sie wurde der Teil zwei Wochen später angeboten. Lynch hat seine Auswahl an Watts erklärt, "Ich habe jemanden gesehen, dass ich mich gefühlt habe, hatte ein enormes Talent, und ich habe jemanden gesehen, der eine schöne Seele, eine Intelligenz — Möglichkeiten für viele verschiedene Rollen hatte, so war es ein schönes volles Paket." Justin Theroux hat auch Lynch direkt von seinem Flugzeug getroffen. Nach einem langen Flug mit wenig Schlaf ist Theroux angekommen hat alle in den Schwarzen mit dem unordentlichen Haar angekleidet. Lynch hat den Blick gemocht und hat sich dafür entschieden, Adam zu werfen, der ähnliche Kleidung und dieselbe Frisur trägt.

Das Filmen

Sich für den Fernsehpiloten verfilmen zu lassen, hat auf der Position in Los Angeles im Februar 1999 begonnen und hat sechs Wochen genommen. Schließlich war das Netz mit dem Piloten unglücklich und hat sich dafür entschieden, es auf seiner Liste nicht zu legen. Einwände haben die nichtlineare Handlung der Geschichte, die Alter von Harring und Watts eingeschlossen (wen sie als zu alt betrachtet haben), das Charakter-Zigarettenrauchen von Ann Miller und ein Schuss des Ende-Rahmens von Hund-Fäkalien in einer Szene. Lynch hat sich erinnert, "Alles, was ich weiß, ist, habe ich geliebt, es zu machen, Abc hat es gehasst, und ich mag die Kürzung nicht, die ich eingereicht habe. Ich bin mit Abc übereingestimmt, dass die längere Kürzung zu langsam war, aber ich wurde gezwungen, es zu schlachten, weil wir einen Termin hatten, und es nicht Zeit gab, um irgendetwas zu tricksen. Es hat Textur, große Szenen und Handlungen der Geschichte verloren, und es gibt 300 Band-Kopien der schlechten Version, die ringsherum zirkuliert. Viele Leute haben es gesehen, der peinlich ist, weil sie Bänder der schlechten Qualität auch sind. Ich will daran nicht denken."

Die Schrift wurde später umgeschrieben und hat sich ausgebreitet, als sich Lynch dafür entschieden hat, sie in einen Hauptfilm umzugestalten. Als er beschrieben hat, wie er von einem unbegrenzten Piloten zu einem Hauptfilm mit einer Entschlossenheit von Sorten gewechselt hat, hat Lynch gesagt, "Eines Nachts habe ich mich gesetzt, sind die Ideen eingegangen, und es war eine schönste Erfahrung. Alles wurde von einem verschiedenen Winkel gesehen... Jetzt, das Umsehen, sehe ich, dass [der Film] immer dieser Weg hat sein wollen. Es hat gerade diesen fremden Anfang gebracht, es zu veranlassen, zu sein, wie es ist." Das Ergebnis war zusätzliche achtzehn Seiten des Materials, das die romantische Beziehung zwischen Rita und Betty und den Ereignissen eingeschlossen hat, die vorgekommen sind, nachdem der blaue Kasten geöffnet wurde. Watt wurden erleichtert, dass der Pilot durch das Abc fallen gelassen war. Sie hat Betty zu eindimensional ohne den dunkleren Teil des Films gefunden, der später zusammengestellt wurde. Die meisten neuen Szenen wurden im Oktober 2000, geförderten mit $ 7 Millionen von der französischen Produktionsgesellschaft StudioCanal gefilmt.

Theroux hat das Nähern beschrieben, das sich verfilmen lässt ohne völlig zu verstehen, worüber der Anschlag war: "Sie bekommen die ganze Schrift, aber er könnte ebenso den Szenen vorenthalten, in denen Sie nicht sind, weil sich der Ganze dreht, um mehr zu täuschen, als die Teile. David begrüßt Fragen, aber er wird auf keinen von ihnen antworten... Sie arbeiten Art von die Augen halbverbundenen. Wenn er ein erst-maliger Direktor wäre und keinen Befehl dieser Methode demonstrieren würde, würde ich wahrscheinlich Bedenken haben. Aber es arbeitet offensichtlich für ihn." Theroux hat die einzige Antwort bemerkt, die Lynch wirklich zur Verfügung gestellt hat, war, dass er sicher war, dass der Charakter von Theroux, ein Direktor von Hollywood, von Lynch nicht autobiografisch war. Watts hat festgestellt, dass sie versucht hat, Lynch zu bluffen, indem sie vorgegeben hat, dass sie den Anschlag ausrechnen lassen hat, und dass er an der Frustration des Wurfs Freude gehabt hat.

Interpretationen und Anspielungen

Das Geben des Films nur der tagline, "Eine Liebesgeschichte in der Stadt von Träumen" hat sich David Lynch geweigert, sich über die Bedeutung oder Symbolik der Mulholland Drive zu äußern, zu viel Diskussion und vielfachen Interpretationen führend. Monitor-Filmkritiker der Christlihen Wissenschaft David Sterritt hat mit Lynch gesprochen, nachdem sich der Film an Cannes filmen lassen hat und geschrieben hat, dass der Direktor "darauf bestanden hat, dass die Mulholland Drive wirklich eine zusammenhängende, verständliche Geschichte," verschieden von einigen von den früheren Filmen von Lynch erzählt. Andererseits nimmt Justin Theroux, der von den Gefühlen von Lynch auf den vielfachen Bedeutungsleuten gesagt ist, im Film wahr, "Ich denke, dass er dafür echt glücklich ist, irgendetwas vorzuhaben, was Sie wollen. Er liebt es, wenn Leute wirklich bizarre Interpretationen präsentieren. David arbeitet von seinem unterbewussten."

Träume und abwechselnde Realien

Eine frühe Interpretation des Films verwendet Traumanalyse, um zu erklären, dass der erste Teil ein Traum der echten Diane Selwyns ist, die ihren Traum - selbst als die unschuldige und hoffnungsvolle "Betty Elms" geworfen hat, ihre Geschichte und Charakter in etwas wie ein alter Hollywood-Film wieder aufbauend. Im Traum ist Betty erfolgreich, charmant, und lebt das Fantasie-Leben bald, um berühmte Schauspielerin zu sein. Das letzte Drittel des Films präsentiert das düstere echte Leben von Diane, in dem sie sowohl persönlich als auch beruflich gescheitert hat. Sie trifft für Camilla Vorkehrungen, ein kalter Ex-Geliebter, um getötet und unfähig zu werden, mit der Schuld fertig zu werden, stellt sich sie als der abhängige, biegsame amnesiac genannt Rita wiedervor. Hinweise zu ihrer unvermeidlichen Besitzübertragung setzen jedoch fort, überall in ihrem Traum zu erscheinen.

Diese Interpretation war dem ähnlich, was Naomi Watts analysiert hat, als sie in einem Interview gesagt hat, "Habe ich gedacht, dass Diane der echte Charakter war, und dass Betty die Person war, die sie hat sein wollen und ausgedacht hatte. Rita ist das junge Mädchen in der Qual, und sie ist im absoluten Bedürfnis nach Betty, und Betty kontrolliert sie, als ob sie eine Puppe war. Rita ist die Fantasie von Betty dessen, wer sie will, dass Camilla ist." Die eigenen frühen Erfahrungen von Watts in Hollywood passen denjenigen von Diane an. Sie hat etwas Berufsfrustration erlitten, bevor sie erfolgreich, vorgesprochen für Teile geworden ist, an die sie nicht geglaubt hat, und auf Leute gestoßen ist, die mit Gelegenheiten nicht durchgezogen haben. Sie hat zurückgerufen, "Es gab viele Versprechungen, aber nichts ist wirklich abgegangen. Ich habe kein Geld mehr gehabt und bin ziemlich einsam geworden."

Der Wächter hat sechs wohl bekannte Filmkritiker um ihre eigenen Wahrnehmungen der gesamten Bedeutung in der Mulholland Drive gebeten. Neil Roberts Der Sonne und Tom Charity von Unterbrechung unterschreiben die Theorie, dass Betty der Vorsprung von Diane eines glücklicheren Lebens ist. Roger Ebert und Jonathan Ross scheinen, diese Interpretation zu akzeptieren, aber beide zögern, den Film zu überanalysieren. Ebert setzt fest, "Es gibt keine Erklärung. Es kann kein Mysterium sogar geben." Ross bemerkt, dass es Handlungen der Geschichte gibt, die nirgendswohin gehen: "Vielleicht waren das Reste vom Piloten, der es ursprünglich beabsichtigt war, um zu sein, oder vielleicht diese Dinge die unlogischen Folgerungen und unterbewusst von Träumen sind." Philip French vom Beobachter sieht es als eine Anspielung auf die Tragödie von Hollywood, während Jane Douglas von der BBC die Theorie des Lebens von Betty als der Traum von Diane zurückweist, sondern auch vor zu viel Analyse warnt.

Eine andere angebotene Theorie besteht darin, dass der Bericht ein Streifen von Möbius, ein gedrehtes Band ist, das keinen Anfang und kein Ende hat. In einer anderen Interpretation können Betty und Rita, und Diane und Camilla im parallelen Weltall bestehen, das das manchmal miteinander verbindet. Oder der komplette Film ist ein Traum, aber dessen Traum unbekannt ist. Wiederholte Verweisungen auf Betten, Schlafzimmer und das Schlafen symbolisieren den schweren Einfluss von Träumen. Rita schläft mehrere Male ein; zwischen diesen Episoden finden getrennte Szenen wie die Männer, die ein Gespräch an Winkies, die Ankunft von Betty in Los Angeles und den Pfuschkiller haben, statt darauf hinweisend, dass Rita sie träumen kann. Bedeutsam, der öffnende Schuss des Films gemäß dem Filmgelehrten Ruth Perlmutter, den Pfannen über ein Bett, die Notwendigkeit einträufelnd, zu fragen, ob, was folgt, Wirklichkeit ist. Der Professor des Traums studiert Kelly Bulkeley behauptet, dass die frühe Szene am Tischgast, als der einzige, in dem Träume oder verträumt ausführlich erwähnt werden, "enthüllende Wahrheit und erkenntnistheoretische Unklarheit im Film von Lynch" illustriert. Das monströse Wesen vom Traum, das das Thema des Gespräches der Männer in Winkies ist, erscheint am Ende des Films direkt vorher wieder, und nachdem Diane Selbstmord begeht. Bulkeley behauptet, dass die einsame Diskussion von Träumen in dieser Szene eine Öffnung "einer neuen Weise präsentiert, alles zu verstehen, was im Film geschieht".

Philosoph- und Filmtheoretiker Robert Sinnerbrink bemerkt ähnlich, dass die Images im Anschluss an den offenbaren Selbstmord von Diane den "Traum und die Wirklichkeit" Interpretation untergraben. Nachdem sich Diane schießt, wird das Bett mit Rauch verbraucht, und Betty und Rita werden strahlend an einander gezeigt, nach dem eine Frau im Klub Silencio Balkon "Silencio" wispert, weil der Schirm zum Schwarzen verwelkt. Sinnerbrink schreibt, dass die "Endimages in einer unbestimmten Zone zwischen Fantasie und Wirklichkeit schwimmen, die vielleicht die echt metaphysische Dimension des filmischen Images ist,", auch bemerkend, dass es sein könnte, dass die "letzte Folge die Fantasie-Images des sterbenden Bewusstseins von Diane umfasst, mit dem echten Moment ihres Todes aufhörend: endgültiger Silencio". Mit Bezug auf dieselbe Folge bemerkt Filmtheoretiker Andrew Hageman, dass "die zweiundneunzigste Koda, die dem Selbstmord von Betty/Diane folgt, ein filmischer Raum ist, der andauert, nachdem der Vorhang auf ihrem lebenden Bewusstsein gefallen ist, und dieser beharrliche Raum das wirkliche Theater ist, wo das Trugbild des Trugbildes ständig demaskiert wird".

Filmtheoretiker David Roche schreibt, dass Filme von Lynch Kriminalromane nicht einfach erzählen, aber sie zwingen das Publikum in die Rolle, Detektive selbst zu werden, um die Berichte zu verstehen, und den die Mulholland Drive, wie andere Filme von Lynch, "das Bedürfnis des Zuschauers nach einem vernünftigen diegesis durch das Spielen auf dem Fehler des Zuschauers vereitelt, dass Narration mit diegesis synonymisch ist". In den Filmen von Lynch ist der Zuschauer immer "ein Schritt hinter der Narration", und so "herrscht Narration über diegesis vor". Roche bemerkt auch, dass es vielfache Mysterien im Film gibt, die schließlich unbeantwortet durch die Charaktere gehen, die tote Punkte, wie Betty und Rita entsprechen, oder Druck nachgeben, wie Adam tut. Obwohl sich das Publikum noch anstrengt, die Geschichten zu verstehen, versuchen die Charaktere nicht mehr, ihre Mysterien zu lösen. Roche beschließt, dass die Mulholland Drive ein Mysterium-Film ist, nicht weil sie dem Publikum erlaubt, die Lösung einer Frage anzusehen, aber der Film selbst ist ein Mysterium, das "durch den Wunsch des Zuschauers-Detektivs zusammengehalten wird, Sinn" davon zu haben.

Ein "giftiger Valentinsgruß nach Hollywood"

Unabhängig von der Proliferation von Theorien bemerken Filmrezensenten, dass keine Erklärung alle losen Enden und Fragen befriedigt, die aus dem Film entstehen. Stephen Holden von Der New York Times schreibt, "die Mulholland Drive hat wenig, um mit dem Liebe-Leben jedes einzelnen Charakters oder Berufsehrgeiz zu tun. Der Film ist ein jemals tiefer werdendes Nachdenken über die Allüre Hollywoods und auf dem vielfachen Rolle-Spielen und der Selbsterfindung, die die filmgehende Erfahrung verspricht... Was größere Macht dort ist als die Macht, ins Traumleben der Kultur einzugehen und es zu programmieren?" J. Hoberman von Der Dorfstimme wirft dieses Gefühl zurück, indem er es einen "giftigen Valentinsgruß nach Hollywood" nennt.

Die Mulholland Drive ist im Vergleich zum Film von Billy Wilder noir der klassische Sunset Boulevard (1950), ein anderes Märchen über gebrochene Träume in Hollywood gewesen. Abgesondert von beiden Titeln, die sich auf ikonische Straßen von Los Angeles beziehen, ist die Mulholland Drive "Die einzigartige Rechnung von Lynch dessen, was die Aufmerksamkeit von Wilder auch gehalten hat: Menschliche Verwesung (ein Begriff hat Lynch mehrere Male während seiner Pressekonferenz an den New Yorker Filmfestspielen 2001 verwendet), in einer Stadt von tödlichen Trugbildern". Der Titel des Films ist eine Verweisung auf die ikonische Kultur von Hollywood. Leben von David Lynch in der Nähe von der Mulholland Drive, und haben in einem Interview festgesetzt, "Nachts reiten Sie auf der Spitze der Welt. Am Tage reiten Sie oben auf der Welt auch, aber es ist mysteriös, und es gibt ein Haar der Angst, weil es in entfernte Gebiete eintritt. Sie fühlen die Geschichte Hollywoods in dieser Straße." Watt hatten auch Erfahrung mit der Straße, bevor ihre Karriere gegründet wurde:" Ich merke mir, die Straße entlang oft das Schluchzen meines Herzens in meinem Auto, dem Gehen, 'Zu steuern, was tue ich hier?'"

Ein Kritiker warnt Zuschauer vor einer zynischen Interpretation der Ereignisse im Film, feststellend, dass Lynch mehr präsentiert als "die Fassade, und dass er glaubt, dass nur Übel und Täuschung darunter liegen." So viel, wie Lynch eine Erklärung über die Täuschung, Manipulation und falschen Vorwände in der Kultur von Hollywood abgibt, gießt er auch Sehnsucht überall im Film auf und erkennt an, dass echte Kunst aus der klassischen Filmherstellung als Wurf von Lynch kommt, der dadurch Anerkennung Veteranschauspielern Ann Miller, Lee Grant und Chad Everett zollt. Er porträtiert auch Betty als außerordentlich talentiert, und dass ihre geistigen Anlagen von mächtigen Leuten in der Unterhaltungsindustrie bemerkt werden. Sich über die sich abhebenden Positionen zwischen der Filmsehnsucht und der Verwesung Hollywoods äußernd, schreibt Steven Dillon, dass die Mulholland Drive gegenüber der Kultur Hollywoods so viel kritisch ist, wie es eine Verurteilung von "cinephilia" (die Faszination der Filmherstellung und der Fantasien ist, die damit vereinigt sind).

Laura Elena Harring hat ihre Interpretation nach dem Sehen des Films beschrieben: "Als ich es das erste Mal gesehen habe, als ich gedacht habe, dass es die Geschichte von Träumen von Hollywood, Trugbild und Obsession war. Es berührt die Idee, dass nichts ganz ist, wie es, besonders die Idee scheint, ein Hollywood-Film-Stern zu sein. Die zweiten und dritten Male habe ich es gesehen, ich habe gedacht, dass es sich mit Identität befasst hat. Wissen wir, wer wir sind? Und dann habe ich fortgesetzt, verschiedene Dinge darin zu sehen... Es gibt kein Recht oder falsch dazu, was jemand davon wegnimmt, oder was sie denken, dass der Film wirklich darüber ist. Es ist ein Film, der Sie unaufhörlich grübeln lässt, lässt Sie Fragen stellen. Ich habe immer wieder gehört, 'Das ein Film ist, den ich wieder sehen werde', oder 'Das ist ein Film, den Sie wieder sehen müssen.' Es fesselt Sie. Sie wollen es bekommen, aber ich denke nicht, dass es ein zu bekommender Film ist. Es hat sein Ziel erreicht, wenn es Sie Fragen stellen lässt."

Romantischer Inhalt

Die Behandlung der Beziehungen zwischen Betty und Rita, und Diane und Camilla hat sich zwischen denjenigen geändert, die durch ihren Freimut und diejenigen ehrlich berührt wurden, die gekitzelt wurden. Eine Rezension des Films durch die Premiere stellt fest, dass die Beziehung zwischen Betty und Rita "vielleicht die gesündeste, positivste verliebte in einem Film von Lynch jemals gezeichnete Beziehung" ist, während Thierry Jousse, in seiner Rezension für Cahiers du cinéma, bemerkt, dass die Liebe zwischen diesen zwei Frauen "der Lyrik praktisch ohne gleichen im zeitgenössischen Kino" ist. Ein anderer weist darauf hin, dass das romantische Angelzwischenspiel zwischen Betty und Rita so scharf und durch Betty zart ist, "zum ersten Mal mit der Selbstüberraschung verstehend, dass ihre ganze Hilfsbereitschaft und Wissbegierde über die andere Frau einen Punkt hatten: Wunsch... Es ist ein schöner Moment, gemacht umso mehr wunderbar durch seine verdiente Zärtlichkeit und seine Entfernungen von irgendetwas Grellem." Eine andere Rezension stellt fest, dass die "Erotik der Szene sie Decken der ganze Film so stark ist, jede Szene färbend, die vorher und jeder gekommen ist, der folgt". Betty und Rita wurden durch den Unabhängigen Filmkanal als das sinnbildliche romantische Paar der 2000er Jahre gewählt. Schriftsteller Charles Taylor setzt fest, "Betty und Rita werden häufig gegen die Dunkelheit so weich und samtartig eingerahmt, ist sie einem schwankenden Nimbus, bereit ähnlich, sie zu schlucken, wenn sie vom Traum des Films aufwachen. Und wenn sie geschluckt werden, wenn Rauch den Rahmen füllt, als ob der Schwefel der Hölle selbst unsere Vision verdunkelte, fühlen wir uns, als ob nicht nur ein Roman gebrochen worden ist, aber die Schönheit der Welt ist verflucht worden."

Eine Analyse des Films in Bezug auf die Lesbierin als eine tragische Zahl bemerkt die Mediaantwort auf den Film: "(r) hat eviewers insbesondere und ausführlich über die Sexualszenen des Films geschwärmt, als ob es einen Streit gab, um zu sehen, wer diese Darstellung der Frau dasselbe genießen konnte - wünscht Geschlecht die meisten." Der Autor, Heather Love, schreibt, dass der Film ein klassisches Thema in der Literatur und dem Film verwendet hat, der lesbische Beziehungen zeichnet: Camilla als schmerzend schöne und verfügbare, zurückweisende Diane für Adam. Die populäre Reaktion zum Film deutet die sich abhebenden Beziehungen zwischen Betty und Rita an, und Diane und Camilla werden sowohl als das heißeste Ding auf der Erde als auch als dabei als etwas im Wesentlichen Trauriges und überhaupt nicht erotisch "verstanden", weil "sich die heterosexuelle Ordnung mit vernichtenden Effekten für die verlassene Frau behauptet".

Mediabeschreibungen der Ansichten von Naomi Watts und Laura Elena Harrings von ihren onscreen Beziehungen wurden geändert und das Widersprechen. Watts hat vom Filmen der Szene gesagt, "Ich sehe es als erotisch nicht, obwohl vielleicht es diesen Weg spielt. Das letzte Mal, als ich es gesehen habe, hatte ich wirklich Tränen in meinen Augen, weil ich gewusst habe, wohin die Geschichte ging. Es hat mein Herz ein kleines bisschen gebrochen." Jedoch in einem anderen Interview hat Watts festgesetzt, "Ich habe mich gewundert, wie ehrlich und echt all das Schirm betrachtet. Diese Mädchen sehen wirklich verliebt aus, und es war neugierig erotisch." Während Harring zitiert wurde sagend, "Ist die Liebeszene gerade in meinen Augen geschehen. Rita, die für die Hilfe sehr dankbar ist, die Betty [sie] gegeben hat, so sage ich auf Wiedersehen und gute Nacht zu ihr, Danke vom Boden meines Herzens, küsse ich sie, und dann gibt es gerade eine Energie, die uns nimmt. Natürlich habe ich Amnesie, so weiß ich nicht, ob ich sie vorher getan habe, aber ich denke nicht, dass wir wirklich Lesbierinnen sind." Heather Love hat etwas mit der Wahrnehmung von Harring zugestimmt, als sie festgestellt hat, dass die Identität in der Mulholland Drive nicht so wichtig ist wie Wunsch: "Wer wir sind, ist viel nicht wert — welche Sachen stattdessen ist, was wir vorhaben zu tun, was wir tun wollen."

Charaktere

Betty Elms ist der kluge und talentierte Neuling nach Los Angeles, beschrieben als "gesund, optimistisch, beschlossen, die Stadt durch den Sturm", und "absurd naiv" zu nehmen. Ihre Munterkeit und unerschrockene Annäherung an das Helfen Rita, weil es das richtige Ding ist zu tun, sind an Nancy Drew für Rezensenten erinnernd. Ihr kompletter Charakter ist zuerst ein offenbares Klischee der kleinstädtischen Arglosigkeit. Aber es ist die Identität von Betty oder Verlust davon, der scheint, der Fokus des Films zu sein. Für einen Kritiker hat Betty die Rolle des Bewusstseins des Films und unbewusst durchgeführt. Naomi Watts, die Betty auf Doris Day, Tippi Hedren und Kim Novak modelliert hat, hat bemerkt, dass Betty ein Erregungssucher, jemand ist, "der sich in einer Welt findet, in der sie nicht gehört und bereit ist, eine neue Identität zu übernehmen, selbst wenn es jemand else's ist". Das hat auch einen Theoretiker dazu gebracht zu beschließen, dass da Betty noch ins System von Hollywood naiv, eifrig eingegangen war, war sie "complicit Schauspieler" geworden, der die wirkliche Struktur "umarmt hatte, die" sie zerstört hat. Filmkritiker Amy Taubin schlägt vor, dass Betty eine Reinkarnation von Sandy vom Blauen Samt von Lynch ist: Die Heimatstadt von Betty, Tiefer Fluss, Ontario, teilt denselben Namen wie das Apartmenthaus des femme des blauen Samts fatale, Dorothys. Von ihrer kleinstädtischen Beengtheit befreit, ist Sandy als Betty neugeboren, die einer dunk-haarigen Mysterium-Frau wie Dorothy angezogen ist, und verliebt sich in sie und verliert sich.

Betty jedoch schwierig, weil zu glauben, wird ihr Charakter gegründet, zeigt eine erstaunliche Tiefe der Dimension in ihrem Hörvermögen. Vorher geprobt mit Rita in der Wohnung, wo Rita ihre Linien hölzern füttert, ist die Szene "dreck" und "Höhle; jede Linie, die eines Engagements einer echten Schauspielerin" und Bettys unwürdig ist, spielt es in der Probe so schlecht, wie es geschrieben wird. Nervös, aber mutig wie immer am Hörvermögen geht Betty ins verkrampfte Zimmer ein, aber wenn körnige Zoll von ihrem Hörvermögen-Partner (Chad Everett), sie es in eine Szene der starken sexuellen Spannung verwandelt, die sie völlig kontrolliert und in jeder Person im Zimmer zieht. Die Sexualität frisst sofort weg, weil die Szene endet und sie vor ihnen steht, schüchtern auf ihre Billigung wartend. Ein Filmanalytiker behauptet, dass die vorher unbekannte Fähigkeit von Betty spezifisch die Schau stiehlt, illustrieren das Wegnehmen des dunklen Mysteriums von Rita und das Zuweisen davon zu sich, und durch den Gebrauch von Lynch dieser Szene seinen Gebrauch des Betrugs in seinen Charakteren. Die stellvertretende Fähigkeit von Betty fordert Ruth Perlmutter auf nachzusinnen, ob Betty die Rolle von Diane entweder in einem Traum oder in einer Parodie auf einen Film handelt, der sich schließlich gegen sie dreht.

Rita ist das mysteriöse und hilflose offenbare Opfer, ein klassischer femme fatale mit ihrem dunklen, auffallend schönen Äußeren. Roger Ebert war mit Harring so beeindruckt, dass er von ihr "alles gesagt hat, was sie tun muss, ist, dort zu stehen, und sie ist das erste gute Argument in 55 Jahren für ein Remake von Gilda". Sie dient als der Gegenstand des Wunsches, der zur hellen Selbstbewusstkeit von Betty direkt oppositionell ist. Sie ist auch der erste Charakter, mit wem sich das Publikum identifiziert, und weil Zuschauer sie einzig, wie verwirrt und erschreckt kennen, nicht wissend, wer sie ist, und wohin sie geht, vertritt sie ihren Wunsch, den Film durch ihre Identität zu verstehen. Statt des Bedrohens regt sie Betty an, sie zu ernähren, zu trösten, und ihr zu helfen. Ihre Amnesie macht sie einen leeren Charakter, dass ein Rezensent bemerkt, ist "die freie Stelle, die mit der außergewöhnlichen Schönheit und der Bereitwilligkeit des Zuschauers kommt, jede Kombination von engelhaften und teuflischen auf sie zu planen". Eine Charakter-Analyse von Rita behauptet, dass ihre Handlungen vom ersten Teil des Films am echtesten sind, da sie kein Gedächtnis und nichts hat, um als ein Bezugssystem dafür zu verwenden, wie man sich benimmt. Todd McGowan, jedoch, Autor eines Buches auf Themen in den Filmen von Lynch, stellt fest, dass der erste Teil der Mulholland Drive als die Fantasie von Rita analysiert werden kann, bis Diane Selwyn offenbart wird; Betty ist der Gegenstand, der die Angst von Rita über ihren Verlust der Identität überwindet. Gemäß dem Filmhistoriker Steven Dillon wechselt Diane einen ehemaligen Zimmergenossen in Rita: Im Anschluss an eine angespannte Szene, wo der Zimmergenosse ihren restlichen Besitz sammelt, erscheint Rita in der Wohnung, Diane zulächelnd.

Nachdem Betty und Rita den sich zersetzenden Körper finden, fliehen sie aus der Wohnung, und ihre Images werden einzeln gespalten und wiedervereinigt. David Roche bemerkt, dass der Mangel von Rita an der Identität eine Depression verursacht, die "nicht nur am Niveau des Charakters sondern auch am Niveau des Images vorkommt; der Schuss wird zu speziellen Effekten unterworfen, die ihr Image brechen und ihre Stimmen im Hall, die Kamera ertränkt werden, die anscheinend den geistigen Staat der Charaktere ausschreibt". Sofort kehren sie zur Wohnung der Tante von Betty wo Rita Dons eine blonde Perücke — scheinbar zurück, um sich — aber das Bilden ihres Blicks bemerkenswert wie Betty zu verkleiden. Es ist diese Transformation, die ein Filmanalytiker vorschlägt, ist der melding von beider Identität. Das wird durch Sehhinweise wie besondere Aufnahmewinkel unterstützt, die ihre Gesichter scheinen lassen, sich in eines zu verschmelzen. Das wird weiter bald danach durch ihre sexuelle Intimität illustriert, die von der Persönlichkeit von Rita gefolgt ist, die wird, dominierender, weil sie darauf besteht, dass sie zum Klub Silencio um 2:00 Uhr gehen, der schließlich zur Gesamtüberlegenheit durch Camilla führt.

Diane Selwyn (Naomi Watts) ist die greifbar frustrierte und deprimierte Frau, die scheint, die Rockschöße von Camilla geritten zu haben, die sie vergöttert und verehrt, aber wer ihre Zuneigung nicht zurückgibt. Wie man betrachtet, ist sie die Wirklichkeit des zu guten, um wahre Betty oder eine spätere Version von Betty nach dem Leben zu lange in Hollywood zu sein. Für Steven Dillon macht der Anschlag des Films "Rita den vollkommenen leeren Behälter für die Fantasien von Diane", aber weil Rita nur ein "leere Titelblattmädchen" Diane ist, hat sich in der Leere "investiert", die sie zu Depression und anscheinend zum Selbstmord führt. Folglich ist Diane die Verkörperung der Unzufriedenheit, schmerzlich illustriert, wenn sie unfähig ist zu kulminieren, während sie in einer Szene masturbiert, die "durch den trüben, das ruckartige, die Gesichtspunkt-Schüsse der steinigen Wand — nicht nur ihre Tränen und Erniedrigung, aber der Zerfall ihrer Fantasie und ihres wachsenden Wunsches nach der Rache" anzeigt. Eine Analyse von Diane weist darauf hin, dass ihre Hingabe Camilla auf einer Manifestation des Narzissmus basiert, weil Camilla alles aufnimmt, was Diane will und sein will. Obwohl sie als schwach und der äußerste Verlierer, für Jeff Johnson, Autor eines Buches über die Moral in Filmen von Lynch porträtiert wird, ist Diane der einzige Charakter im zweiten Teil des Films, dessen moralischer Code intakt bleibt. Sie ist "eine anständige Person, die von den verschiedenen Schurken verdorben ist, die die Filmindustrie bevölkern". Ihre Schuld und Reue sind in ihrem Selbstmord, und in den Hinweisen offensichtlich, die im ersten Teil des Films erscheinen. Die Angst von Rita, die Leiche, und das Trugbild am Klub Silencio, zeigt an, dass etwas dunkel und in Betty und der Welt von Rita falsch ist. Im von Camilla freien Werden tötet ihr moralisches Bedingen sie.

Camilla Rhodes (Melissa George, Laura Elena Harring) ist ein wenig mehr als ein Gesicht in einem Foto und einem Namen, der viele Vertreter von etwas vage drohender Macht begeistert hat, sie in einen Film gegen die Wünsche von Adam zu legen. Gekennzeichnet als ein "schaler moll" durch einen Rezensenten macht sie kaum einen Eindruck im ersten Teil des Films, aber nachdem der blaue Kasten geöffnet wird und sie von Laura Elena Harring porträtiert wird, wird sie eine volle Person, die "Verrat, Erniedrigung und Aufgeben" symbolisiert, und der Gegenstand der Frustration von Diane ist. Diane ist scharfe Unähnlichkeit Camilla, die sinnlicher ist als jemals, und wer scheint, das Leben aus Diane "gesaugt zu haben". Sofort nach dem Erzählen von Diane, dass sie sie wild steuert, sagt Camilla ihr, dass sie ihre Angelegenheit beenden müssen. Auf einem Filmsatz, wo Adam Camilla leitet, bestellt er den Satz geklärt, abgesehen von Diane — auf das Verlangen von Camilla — wo Adam einem anderen Schauspieler gerade zeigt, wie man Camilla richtig küsst. Anstatt Camilla für solche öffentliche Erniedrigung zu bestrafen, wie durch das Gespräch von Diane mit dem Pfuschkiller angedeutet wird, sieht ein Kritiker Rita als die verwundbare Darstellung des Wunsches von Diane nach Camilla an.

Adam Kesher (Justin Theroux) wird im ersten Teil des Films als "vage arrogant" gegründet, aber der anscheinend erfolgreiche Direktor, der eine Erniedrigung nach einem anderen erleidet. Theroux hat von seiner Rolle gesagt, "Er ist Sorte eines Charakters im Film, wer was der [heck's] nicht weiß, der darauf geht. Ich denke, dass er ein Kerl ist, den das Publikum sagt, 'ich Art von ähnlichen Sie in diesem Augenblick bin. Ich weiß nicht, warum Sie diesem ganzen Schmerz unterworfen werden.'" Der kreativen Kontrolle seines Films beraubt, wird er vom Lache-Reiniger (gespielt von Billy Ray Cyrus), und geworfen aus seinem eigenen reichen Haus über Hollywood zum Hahnrei gemacht. Nachdem er in einem schäbigen Motel eincheckt und mit dem Bargeld zahlt, kommt der Betriebsleiter an, um ihm zu erzählen, dass sein Kredit nichts nutzt. Bezeugt von Diane ist Adam aufgeblasen und selbstgefällig. Er ist der einzige Charakter, dessen Persönlichkeit nicht scheint, sich völlig vom ersten Teil des Films zum zweiten zu ändern. Eine Analyse des Charakters von Adam behauptet dass, weil er kapituliert hat und Camilla Rhodes für seinen Film gewählt hat, der das Ende der Fröhlichkeit von Betty und Fähigkeit ist, Rita zu helfen, die Schuld für ihre Tragödie auf den Vertretern der Studio-Macht legend.

Geringe Charaktere schließen Den Cowboy (Monty Montgomery, geglaubt als Lafayette Montgomery), Castigliani Brothers (Dan Hedaya, Angelo Badalamenti), und Herr Roque (Michael J. Anderson) ein, von denen alle irgendwie am Setzen unter Druck von Adam beteiligt werden, um Camilla Rhodes in seinem Film zu werfen. Diese Charaktere vertreten den Tod der Kreativität für Filmgelehrte, und sie porträtieren eine "Vision der Industrie als ein geschlossenes hierarchisches System, in dem die äußerste Quelle der Macht verborgen hinter einer Reihe von Vertretern bleibt". Ann Miller porträtiert Kokospalme, die Hauswirtin, die Betty in ihrer wunderbaren neuen Wohnung begrüßt. Kokospalme, im ersten Teil des Films vertritt den alten Wächter in Hollywood, der begrüßt und Betty schützt. Im zweiten Teil des Films, jedoch, erscheint sie als die Mutter von Adam, die ungeduldig Diane züchtigt, um sich zur Partei zu verspäten, und kaum Aufmerksamkeit dem verlegenen Märchen von Diane dessen schenkt, wie sie ins Handeln gekommen ist.

Stil

Der Filmherstellungsstil von David Lynch ist über das umfassende Verwenden von Beschreibungen wie "ultraunheimlicher", "dunkles", und "exzentrisch" geschrieben worden. Todd McGowan schreibt, "Man kann nicht sehen, dass ein Lynch die Weise filmt, wie man einen Standardfilm von Hollywood noir noch in der Weise beobachtet, wie die meisten radikalen Filme beobachtet." Durch die Nebeneinanderstellung von Lynch des Klischees und surreal, Albträume und Fantasien, nichtlineare Geschichte-Linien, Kameraarbeit, Ton und Beleuchtung, präsentiert er einen Film, der Zuschauer herausfordert, Glauben dessen aufzuheben, was sie erfahren. Viele der Charaktere in der Mulholland Drive sind Archetypen, die nur als Klischee wahrgenommen werden können: Neues Hollywood hoffnungsvoll, der femme fatale, der Außenseiter-Direktor und schattiger powerbrokers, den Lynch nie scheint, völlig zu erforschen. Lynch legt diese häufig abgedroschene Charaktere in schrecklichen Situationen, traumhafte Qualitäten schaffend. Indem sie diese Charaktere in Drehbüchern verwenden, die Bestandteile und Verweisungen auf Träume, Fantasien und Albträume haben, werden Zuschauer verlassen, zwischen den Extremen zu entscheiden, was Wirklichkeit ist. Ein Filmanalytiker schreibt über ihn, "Wie die meisten Surrealisten ist die Sprache von Lynch des unerklärten die flüssige Sprache von Träumen."

David Lynch verwendet verschiedene Methoden des Betrugs in der Mulholland Drive. Eine schattige Zahl genannt Herr Roque, der scheint, Filmstudio zu kontrollieren, wird vom Zwergschauspieler Michael J. Anderson (auch von Zwillingsspitzen) porträtiert. Anderson, der nur zwei Linien hat und in einem enormen Holzrollstuhl gesetzt wird, wurde mit übergroßem Schaum prothetische Arme und Beine ausgerüstet, um seinen Kopf als anomal klein zu porträtieren. Während Adams und der Partei von Camilla beobachtet Diane Camilla (gespielt von Harring) mit Adam auf einem Arm, beugen Sie sich und küssen Sie tief dieselbe Frau, die wie Camilla (Melissa George) erschienen ist, bevor der blaue Kasten geöffnet wurde. Sowohl dann drehen Sie sich als auch lächeln Sie zugespitzt über Diane. Filmkritiker Franklin Ridgway schreibt, dass das Bild solch einer absichtlichen "grausamen und" Manipulationstat es unklar macht, wenn Camilla so launisch ist, wie sie scheint, oder wenn die Paranoia von Diane dem Publikum erlaubt, nur was sie Sinne zu sehen. In einer Szene sofort nach dem Hörvermögen von Betty, den Filmkürzungen einer Frau, die ohne offenbare Begleitung, aber weil singt, zieht die Kamera umgekehrt, das Publikum sieht, dass es ein Aufnahme-Studio ist. In der Aktualität ist es eine gesunde Bühne, wohin Betty gerade angekommen ist, um Adam Kesher zu treffen, dass das Publikum begreift, weil die Kamera weiter zurückzieht. Ridgway besteht darauf, dass solcher Betrug durch die geschickte Kameraarbeit den Zuschauer setzt, der mit Zweifeln darüber voll ist, was präsentiert wird: "Es ist, als ob die Kamera, in seiner anmutigen Flüssigkeit der Bewegung, uns beruhigt, dass es (denkt es), alles sieht, hat alles unter der Kontrolle, selbst wenn wir (und Betty) nicht tun."

Gemäß Stephen Dillon lässt der Gebrauch von Lynch von verschiedenen Kamerapositionen überall im Film, wie tragbare Gesichtspunkte, sich den Zuschauer "mit der Spannung des Charakters in seinem oder ihrem besonderen Raum" identifizieren, aber dass Lynch in Momenten auch "die Kamera aus jedem besonderen Gesichtspunkt trennt, dadurch eine Single oder sogar eine menschliche Perspektive unniederlegend", so dass die vielfachen Perspektiven Zusammenhänge vom Mischen abhalten, bedeutsam "unseren Sinn der Person und des Menschen" beunruhigend. Andrew Hageman bemerkt ähnlich, dass die Kameraarbeit im Film "einen sehr störenden Sinn des Platzes und der Anwesenheit macht,", wie die Szene in Winkies, wohin die "Kamera unregelmäßig während des mit dem Schussrückschuss-Dialogs schwimmt", durch den sich der "Zuschauer bewusst wird, dass eine Reihe normalerweise objektiver Schüsse störend subjektiv geworden ist". Gelehrter Curt Hersey erkennt mehrere avantgardistische Techniken an, die im Film einschließlich des Mangels an Übergängen, plötzlichen Übergängen, Bewegungsgeschwindigkeit, nicht traditioneller Kamerabewegung, computererzeugten Bildern, und nondiegetic Images, nichtlinearer Narration und intertextuality verwendet sind.

Der erste Teil des Films, der die Charaktere von Betty, Rita und Adam gründet, präsentiert etwas von der logischsten Filmherstellung der Karriere von Lynch. Der spätere Teil des Films, der Wirklichkeit vielen Zuschauern jedoch vertritt, stellt eine gekennzeichnete Änderung in der filmischen Wirkung aus, die ihm eine Qualität genauso surreal gibt wie der erste Teil. Die Szenen von Diane zeigen das wechselndere Redigieren und die schmutzigere Beleuchtung, die ihre physische und geistige Verarmung symbolisiert, die sich vom ersten Teil des Films abhebt, wo "sogar der einfachste Dekor scheint zu funkeln" sind Betty und Glühen von Rita mit dem Licht und Übergänge zwischen Szenen glatt. Lynchen Sie Bewegungen zwischen Szenen im ersten Teil des Films mit Rundschwenken der Berge, Palmen und Gebäude in Los Angeles. Im dunkleren Teil des Films, lassen Sie Übergänge zur folgenden Szene ohne eine Sehverweisung erklingen, wo es stattfindet. An der Partei von Camilla, wenn Diane am meisten erniedrigt wird, wird der Ton von abstürzenden Tellern gehört, der sofort zur Szene trägt, wo Teller im Tischgast fallen gelassen gewesen sind, und Diane mit dem Killer spricht. Sinnerbrink bemerkt auch, dass mehrere Szenen im Film wie eine Aufmachungshalluzination von Diane von Camilla nachdem Diane, das Image des Wesens von hinter Winkies nach dem Selbstmord von Diane aufwacht, oder die "Wiederholung, Umkehrung, und Versetzung von Elementen, die" im frühen Teil des Films verschieden konfiguriert wurden, schafft die unheimliche Wirkung, wo Zuschauern vertraute Charaktere oder Situationen in veränderten Zeiten oder Positionen geboten wird. Ähnlich hat Hageman die frühe Szene am Winkie als "äußerst unheimlich" identifiziert, weil es eine Szene ist, wo sich die "Grenzen, die physische Wirklichkeit von den imaginären Realien des Unbewussten trennen, auflösen". Autor Valtteri Kokko hat drei Gruppen "unheimlicher Metaphern" identifiziert: der doppelgänger von vielfachen Charakteren, die von denselben Schauspielern, Träumen, und einem täglichen Gegenstand — in erster Linie dem blauen Kasten gespielt sind —, der das Verschwinden von Rita und das echte Leben von Diane beginnt.

Ein anderes wiederkehrendes Element in den Filmen von Lynch ist sein Experimentieren mit dem Ton. Er hat in einem Interview festgesetzt, "Sie schauen auf das Image und die stille Szene, tut es den Job, den es tun soll, aber die Arbeit wird nicht getan. Wenn Sie anfangen, am Ton zu arbeiten, setzen Sie fort zu arbeiten, bis es sich richtig fühlt. Es gibt so viele falsche Töne, und sofort wissen Sie es. Manchmal ist es wirklich magisch." In der öffnenden Szene des Films stolpert die Brünette von der Mulholland Drive, still weist es darauf hin, dass sie plump ist. Nachdem Lynch "einen Hinweis des Dampfs [vom Wrack] und die schreienden Kinder hinzugefügt hat" jedoch hat es Laura Elena Harring vom plumpen bis erschreckten umgestaltet. Lynch hat auch feines Poltern überall in Teilen des Films aufgegossen, dass Rezensenten hinzugefügte beunruhigende und kriechende Effekten bemerkt haben. Hageman identifiziert auch "fortwährenden und unheimlichen umgebenden Ton", und legt einen besonderen Wert auf die Szene, wo der Mann hinter Winkies ohnmächtig wird, weil normaler Ton durch ein summendes Gebrüll ertränkt wird, bemerkend, dass das Geräusch "eine Dissonanz und Spannung schafft, die im Zuschauer als Detektiv zieht, um den Ton zu legen und Ordnung wieder herzustellen". Das Ende der Mulholland Drive mit der Frau am Klub das Silencio Geflüster ist ein Beispiel des Ohrenbetrugs und surreality von Lynch gemäß Ruth Perlmutter, die schreibt, "Sind das Handeln, die Träume, die Suche nach Identität, den Ängsten und dem Terror des unbestimmten selbst zu Ende, wenn der Film, und deshalb zu Ende ist, gibt es nur Schweigen und Mysterium."

Soundtrack

Der Soundtrack der Mulholland Drive wurde von Angelo Badalamenti beaufsichtigt, der an Blauen Samt- und Zwillingsspitzen von Projekten des vorherigen Lynchs zusammengearbeitet hat. Badalamenti, der für Preise von American Film Institute (AFI) und der britischen Akademie des Films und der Fernsehkünste (BAFTA) für seine Arbeit am Film berufen wurde, hat auch eine Kamee als ein Espresso-Fan und Gangster.

Rezensenten bemerken, dass die unheilverkündende Kerbe von Badalamenti, auch beschrieben als sein "am dunkelsten noch", zum Sinn des Mysteriums beiträgt, als sich der Film auf der Limousine der Brünette öffnet, die sich von den hellen, hoffnungsvollen Tönen der ersten Ankunft von Betty in Los Angeles mit der Kerbe abhebt, "als ein emotionaler Führer für den Zuschauer handelnd". Filmmusik-Journalist Daniel Schweiger bemerkt, dass sich der Beitrag von Badalamenti den Kerbe-Stellvertretern von der "fast unbeweglichen Schnur zum noir Jazz- und Audiofeed-Back", mit "dem Rhythmus-Gebäude zu einer Explosion der unendlichen Dunkelheit fürchtet." Badalamenti hat eine besondere Technik des gesunden Designs beschrieben, das auf den Film angewandt ist, durch den er Lynch mit vielfachen zehn - zu zwölfminutigen Spuren am langsamen Tempo versorgen würde, dass sie "Brennholz" genannt haben, von dem Lynch "Bruchstücke und Experiment mit ihnen nehmen würde, auf viele unheimliche soundscapes des Films hinauslaufend."

Lynch verwendet zwei Schlager von den 1960er Jahren direkt nach einander, spielend, weil zwei Schauspielerinnen durch das Lippen-Synching sie vorsprechen. Gemäß einem Analytiker der in Filmen von Lynch verwendeten Musik sind die Frauengestalten von Lynch häufig unfähig, durch normale Kanäle zu kommunizieren, und werden auf das Lippen-Synching reduziert oder sonst erstickt zu werden. Die "Sechzehn Gründe von Connie Stevens" sind das Lied, das wird singt, während die Kamerapfannen umgekehrt, um mehrere Trugbilder und die Version von Linda Scott von zu offenbaren, "mir Gesagt habe, dass Ev'ry Little Star" das Hörvermögen für die erste Camilla Rhodes ist, denkt dieser Filmgelehrte Eric Gans ein Lied der Bevollmächtigung für Betty. Ursprünglich geschrieben von Jerome Kern als ein Duett, das von Linda Scott in dieser Interpretation allein gesungen ist, schlägt Gans vor, dass sie einen homosexuellen Oberton in der Mulholland Drive übernimmt. Verschieden von "Sechzehn Gründen," jedoch, Teile von habe "mir Gesagt, dass Ev'ry Little Star" verdreht wird, um "eine Schallspalt-Identität" für Camilla anzudeuten. Wenn das Lied spielt, ist Betty gerade in die gesunde Bühne eingegangen, wo Adam Schauspielerinnen für seinen Film vorspricht, und sie Adam, Schloss-Augen mit ihm sieht und plötzlich flieht, nachdem Adam erklärt hat, dass "Das das Mädchen", über Camilla ist, dadurch seine unvermeidliche Verwerfung vermeidend.

Am Scharnier des Films ist eine Szene in einem ungewöhnlichen späte Nacht Theater genannt der Klub Silencio, wo ein Darsteller "Kein Heu banda," bekannt gibt (Es gibt kein Band), "Aber doch wir hören ein Band", variated zwischen Englisch, Spanisch und Französisch. Beschrieben als "die ursprünglichste und atemberaubende Folge in einem ursprünglichen und atemberaubenden Film", das Spanisch von Rebekah del Rio ohne Begleitung wird die Interpretation "des Schreiens", genannt "Llorando", als "Show-Aufhören gelobt..., außer dass es keine Show gibt um", im wenig aufgewarteten Klub Silencio aufzuhören. Lynch hat die Version von Roy Orbison "des Schreiens" im Blauen Samt verwenden wollen, aber hat sich es anders überlegt, als er Orbison "In Träumen" gehört hat. Del Rio, der die spanische Version verbreitet hat, und wer ihren ersten Aufnahme-Vertrag auf der Grundlage vom Lied erhalten hat, hat festgestellt, dass Lynch zu Nashville geflogen ist, wo sie lebte, und sie das Lied für ihn einmal gesungen hat und nicht gewusst hat, dass er sie registrierte. Lynch hat einen Teil für sie im Film geschrieben und hat die Version verwendet, die sie für ihn in Nashville gesungen hat. Das Lied tragisch Ständchen verschwinden die Geliebten Betty und Rita, die verzaubert und das Weinen wenige Momente vor ihrer Beziehung sitzen, und werden von Diane und der Funktionsstörung von Camilla ersetzt. Gemäß einem Filmgelehrtem, dem Lied und der kompletten Theaterszene kennzeichnet den Zerfall der Anzüglichkeiten von Betty und Ritas, sowie ihre Beziehung. Mit dem Gebrauch von vielfachen Sprachen und einem Lied, um solche ursprünglichen Gefühle zu porträtieren, stellt ein Filmanalytiker fest, dass Lynch sein Misstrauen gegen das intellektuelle Gespräch ausstellt und beschließt, Sinn durch Images und Töne zu haben. Die verwirrende Wirkung des Musik-Spielens, obwohl del Rio nicht mehr ist, dort wird als "die Musikversion der Malerei von Magritte Pfeife von Ceci n'est pas une" beschrieben.

Ausgabe und Reaktion

Leistung

Die Mulholland Drive premiered an den Cannes 2001-Filmfestspielen im Mai zum kritischen Hauptbeifall. Lynchen Sie wurde dem Besten Direktor-Preis auf dem Fest zuerkannt, es mit dem Co-Sieger Joel Coen für Den Mann teilend, Der nicht Dort War. Es hat positive Rezensionen von vielen Kritikern und einige der stärksten Publikum-Reaktionen der Karriere von Lynch gezogen. Universal Pictures hat die Mulholland Drive theatralisch in 66 Theatern in den Vereinigten Staaten am 12. Oktober 2001 veröffentlicht, 587,591 $ im Laufe seines öffnenden Wochenendes brutto verdienend. Es hat sich schließlich zu seiner breitesten Ausgabe von 247 Theatern ausgebreitet, schließlich 7,220,243 $ in der amerikanischen Kasse brutto verdienend. TVA Films hat den Film theatralisch in Kanada am 26. Oktober 2001 veröffentlicht. In anderen Territorien außerhalb der Vereinigten Staaten hat der Film 12,892,096 $ für eine Weltsumme von 20,112,339 $ brutto verdient. Lynchen Sie wurde für eine Beste Richtung von Oskar für den Film berufen. Von Hollywood Auslandspresse hat der Film vier Goldene Erdball-Nominierungen, einschließlich des Besten Bildes (Drama), des Besten Direktors und Besten Drehbuches erhalten. Es wurde Bestes Bild durch den New Yorker Filmkritiker-Kreis und die Online-Filmkritiker-Gesellschaft genannt.

Kritischer Empfang

Seit seiner Ausgabe hat die Mulholland Drive gemäß zwei Filmgelehrten, "hat sowohl einige der härtesten Epitheta als auch etwas vom am meisten großzügigen Lob in der neuen filmischen Geschichte gespeichert". Es hat Beifall von vielen Kritikern wie Roger Ebert von Chicago Sun-Times erhalten, der negative oder Mischrezensionen den meisten vorherigen Filmen von Lynch gegeben hatte, aber den Film vier Sterne zuerkannt hat und kommentiert hat, "hat David Lynch zur Mulholland Drive ganze seine Karriere gearbeitet, und jetzt wo er dorthin angekommen ist, verzeihe ich ihm für den Wilden im Innersten (1990) und sogar Verlorene Autobahn (1997). Schließlich zerschmettert sein Experiment die Reagenzgläser nicht. Der Film ist ein Surrealist dreamscape in der Form eines Films von Hollywood noir, und je weniger Sinn, den es hat, desto mehr wir nicht aufhören können, es zu beobachten." In Der New York Times hat Stephen Holden den Film "Reihen neben den 8½ von Fellini und anderen auteurist Fantasien als ein kolossales Selbstnachdenken" gesagt und hat beigetragen, "Hat auf leicht geschaut, ist es der großartigste und dümmste filmische Karneval, um in ziemlich viel Zeit mitzukommen: eine schlingernde Reise durch das persönliche lustige Haus eines Filmemachers. Auf einem ernsteren Niveau durchstößt seine Untersuchung der Macht des Kinos eine Leere, von der Sie die Schreie eines ausgehungerten Dämons hören können, dessen Appetit nie gestillt werden kann." Edward Guthmann der San Francisco Chronik hat es genannt, "... für seine traumhaften Images und wilde, oft rücksichtslose Einbildungskraft erheiternd", und hat beigetragen, "(t) hier ist eine mesmerisierende Qualität zu seinem schwachen Schritt, seinem Sinn der Vorahnung und seiner rechtzeitig verlorenen Atmosphäre..., hält es uns, verzaubert und, hat für ganzen seinen Verrückten und köstliche, ärgerliche 146 Minuten amüsiert [und] beweist, dass Lynch in der festen Form — und noch ein Experte im Stechen unserer Nerven ist."

Im Rollenden Stein hat Peter Travers beobachtet, "die Mulholland Drive lässt sich Kino lebendig wieder fühlen. Dieses sündige Vergnügen ist ein frischer Triumph für Lynch und einer der besten Filme eines Jahres des schade Esels. Für den Hellseher, der sich Erotik der ohnmächtig würde und Farben traut, die wie eine Lipgloss einer Hure knallen, gibt es nichts wie dieses Baby irgendwo." J. Hoberman Der Dorfstimme hat festgesetzt, "Diese sinnliche Phantasmagorie ist... sicher der stärkste Film von Lynch seit dem Blauen Samt und vielleicht Eraserhead. Die wirklichen Dinge, die ihm im schlechten Jungen rockabilly Katastrophe der Verlorenen Autobahn — die Atmosphäre der frei schwimmenden Bedrohung, sinnlose Migration von Seelen gefehlt haben, haben herausfordernd Anschlag-Stiche fallen lassen, wertloses abwechselndes Weltall — wird hier hervorragend rehabilitiert."

Während Rezensionen des Films größtenteils positiv waren (Empfang 81 %, die auf Faulen Tomaten gelten), war die Mulholland Drive nicht ohne seine Kritiker. Rex Reed Des New Yorker Beobachters hat gesagt, dass es der schlechteste Film war, den er 2001 gesehen hatte, es "eine Last des schwachsinnigen und zusammenhanglosen Mülls nennend." In New York hat Peter Rainer beobachtet, "Obwohl ich es mehr mag als einige seiner anderen dreamtime freakfests, ist es noch eine ziemlich dem Tode geweihte Fahrt... Lynchen Sie Bedürfnisse, sich mit einem Zulauf des tiefen Gefühls zu erneuern, dass er für Leute für Abfälle hat, und entlassen Sie die Kretins und Kobolde und Zombies eine Zeit lang." In der Washington Post hat Desson Howe es "eine verlängerte Stimmungsoper genannt, wenn Sie ein künstlerisches Etikett auf die Inkohärenz stellen wollen." Todd McCarthy von Vielfalt hat gefunden, dass viel — "Kurbeln von Lynch die Niveaus des bizarren Humors, dramatischen Ereignisses und echten Mysteriums mit einer Folge von denkwürdigen Szenen gelobt hat, von denen einige zu seinem besten gehören" — sondern auch bemerkt haben, "(t) er Filmsprünge vom festen Boden der Verhältnisbericht-Kohärenz in Lynchian fantasyland... seit den letzten 45 Minuten ist Lynch in der Meinung drehenden Weise, die eine Form der abwechselnden Wirklichkeit ohne offenbare Bedeutung oder logische Verbindung dazu präsentiert, was vorher gekommen ist. Obwohl solche Taktik von Zwillingsspitzen und anderswohin vertraut ist, ist der plötzliche switcheroo, um Spiele anzuführen, enttäuschend, weil, bis zu diesem Punkt, Lynch so wunderbar geschafft hatte, echte Beteiligung zu schaffen." James Berardinelli hat es auch kritisiert, sagend:" Lynch betrügt sein Publikum, den Teppich aus unter uns ziehend. Er wirft alles in die Mischung mit der einsamen Absicht von verwirrenden wir. Nichts hat jeden Sinn, weil er keinen Sinn haben soll. Es gibt keinen Zweck oder Logik zu Ereignissen. Lynch spielt einen großen Schabernack auf uns." Filmtheoretiker Ray Carney bemerkt, dass "Sie alle emotionalen Zurückflips und Bericht-Klapptüren nicht brauchen würden, wenn Sie irgendetwas hätten, um zu sagen. Sie würden doppelgangers und Schattenzahlen nicht brauchen, wenn Ihre Charaktere Seelen hätten."

Die Mulholland Drive wurde den besten Film des Jahrzehnts von der Filmkritiker-Vereinigung von Los Angeles, dem Cahiers du Cinéma, indieWIRE, der Schräge-Zeitschrift, dem Rückschuss, Der Dorfstimme und der Unterbrechung genannt New York, wer fragte rhetorisch in einer Verweisung auf die Angriffe am 11. September, "Kann dort ein anderer Film sein der spricht als widerhallend — wenn unwissentlich — zum schrecklichen Moment der kennzeichnete unser Jahrzehnt?... Die Mulholland Drive ist das Ungeheuer hinter dem Tischgast; es ist der selbstwahnhafte Traum hat sich in Albtraum verwandelt." Es wurde auch am besten vom Jahrzehnt in einer Filmanmerkungswahl von internationalen "Kritikern, Programmierern, Akademikern, Filmemachern und anderen", und von den Lesern der Zeitschrift gewählt. Es ist auf Listen unter den zehn ersten besten Filmen des Jahrzehnts erschienen, im Drittel gemäß Dem Wächter kommend, Steinkritiker Peter Travers, der kanadischen Presse, Zugang Kritiker von Hollywood Scott Mantz, und acht auf der Liste des Kritikers Michael Phillips Rollend. 2010 wurde es den zweiten besten Kunsthausfilm aller Zeiten vom Wächter genannt. Der Film wurde als der 11. beste Drehort in Los Angeles in den letzten 25 Jahren von einer Gruppe von Schriftstellern von Los Angeles Times und Redakteuren mit dem primären Kriterium gewählt, eine innewohnende Wahrheit über die L.A.-Erfahrung mitzuteilen. Zeitschrift Empire hat die Mulholland Drive an 391 auf ihrer 500 größten Filmliste aller Zeiten gelegt. Es ist auch aufgereihte Nummer 38 auf dem Kanal 4 Programm 50 Filme gewesen, um Zu sehen, Bevor Sie Sterben. 2011 hatte die Zeitschrift Slate die Mulholland Drive in seinem Stück auf den "Neuen Klassikern" als der am meisten fortdauernde Film seit 2000 genannt.

Hausmedien

Eine DVD-Version der Mulholland Drive wurde im April 2002 in den Vereinigten Staaten und Kanada mit wenigen Besonderheiten veröffentlicht. Es wurde ohne Kapitel-Halt, eine Eigenschaft veröffentlicht, die Lynch gegen mit der Begründung, dass es "demystifies" der Film einwendet. Trotz der Sorgen von Lynch hat die DVD-Ausgabe einen Deckel-Einsatz eingeschlossen, der "die 10 Vorstellungen von David Lynch zum Aufschließen Dieses Thrillers" gibt, obwohl ein DVD-Rezensent bemerkt hat, können die Hinweise "große anstößige rote Heringe" sein, und ein anderer hat sie als "vage und rätselhaft, und offen gesagt ein bisschen Geruhen" beschrieben.

Besonderheiten, die in spätere Versionen und überseeische Versionen der DVD eingeschlossen sind, haben ein Interview von Lynch an den Cannes Filmfestspielen und Höhepunkten des Debüts des Films an Cannes eingeschlossen.

Optimale Hausunterhaltung hat die Mulholland Drive zum europäischen Markt auf dem Blu-Strahl als ein Teil ihrer Sammlung von StudioCanal am 13. September 2010 veröffentlicht. Neue zu dieser Ausgabe exklusive Besonderheiten schließen ein: eine Einführung durch Thierry Jousse; im Blauen Kasten, eine rückblickende Dokumentaraufmachung Direktoren und Kritiker; das zwei Bilden - Dokumentarfilme: Auf dem Wege zur Mulholland Drive und Zurück zur Mulholland Drive und mehreren Interviews mit am Bilden des Films beteiligten Leuten. Das ist der zweite Film von David Lynch in dieser Linie von Blu-Strahlen nach Dem Elefantenmann.

Preise und Nominierungen

Bibliografie

• Dillon, Steven. Die Solaris Wirkung: Kunst und Kunstgriff im Zeitgenössischen amerikanischen Film. Universität der Presse von Texas, 2006. Internationale Standardbuchnummer 0-292-71345-2
• Johnson, Jeff. Perverser Mensch in der Kanzel: Moral in den Arbeiten von David Lynch. McFarland & Company, Inc., 2004. Internationale Standardbuchnummer 0-7864-1753-6
• McGowan, Todd. Der Unmögliche David Lynch. Universität von Columbia Presse, 2007. Internationale Standardbuchnummer 0-231-13955-1
• Odell, Colin, Le Blanc, Michelle. David Lynch. Kamera Bücher, 2007. Internationale Standardbuchnummer 1-84243-225-7
• Glanz, Erica, Davison, A. (Hrsg.). Das Kino von David Lynch: Amerikanische Träume, Albtraum-Visionen. Goldlack-Presse, 2004. Internationale Standardbuchnummer 1 903364 85 X
• Woods, Paul (Hrsg.).. Weirdsville die USA: Das Zwanghafte Weltall von David Lynch. Plexus Publishing Limited, 2000. Internationale Standardbuchnummer 0-85965-291-2

Links

• Verloren auf dem Mulholland Dr, der umfassenden Analyse und dem Quellenzentrum
• Die Entzifferung der 10 Hinweise von David Lynch, die innerhalb der DVD gefunden sind
• Die Mulholland Drive / lynchnet.com, schließt Interviews ein, drücken Sie Bastelsatz, Filmklammern