In der klassischen Musik von der Westkultur ist ein Viertel ein Musikzwischenraum, der vier Personalpositionen umfasst (sieh Zwischenraum (Musik) #Number für mehr Details), und das vollkommene Viertel ist ein viertes Überspannen von fünf Halbtönen. Zum Beispiel ist der steigende Zwischenraum von C bis den folgenden F ein vollkommenes Viertel, weil das Zeichen F fünf Halbtöne über C liegt, und es vier Personalpositionen von C bis F gibt. Verringerte und vermehrte Viertel messen dieselbe Zahl von Personalpositionen ab, aber bestehen aus einer verschiedenen Zahl von Halbtönen (vier und sechs).

Das vollkommene Viertel kann aus der harmonischen Reihe als der Zwischenraum zwischen den dritten und vierten Obertönen abgeleitet werden.

Der vollkommene Begriff identifiziert diesen Zwischenraum als das Gehören der Gruppe von vollkommenen Zwischenräumen, so genannt, weil sie weder größer noch gering sind (verschieden von Dritteln, die entweder gering oder größer), aber vollkommen sind.

Herauf bis das Ende des 19. Jahrhunderts wurde das vollkommene Viertel häufig durch seinen griechischen Namen, diatessaron genannt.

Sein allgemeinstes Ereignis ist zwischen der fünften und oberen Wurzel aller größeren und geringen Triaden und ihren Erweiterungen.

Ein vollkommenes Viertel in der gerade Tongebung entspricht einem Wurf-Verhältnis 4:3, oder ungefähr 498 Cent , während im gleichen Temperament ein vollkommenes Viertel fünf Halbtönen, oder 500 Cent gleich ist.

Eine nützliche Weise, ein vollkommenes Viertel anzuerkennen, ist, das Starten des "Brautchors" vom Lohengrin von Wagner zu summen ("Treulich geführt", das umgangssprachlich betitelte "Hier Kommt die Braut"). Andere Beispiele sind die ersten zwei Zeichen des Weihnachtsliedes "Horchen! Engel von The Herald Singen", und für ein hinuntersteigendes vollkommenes Viertel, die zweiten und dritten Zeichen "O Kommen Alles Sie Treu".

Das vollkommene Viertel ist ein vollkommener Zwischenraum wie der Einklang, die Oktave, und vollkommen fünft, und es ist ein Sinnesgleichklang. In der Harmonie der üblichen Praxis, jedoch, wird es als eine stilistische Dissonanz in bestimmten Zusammenhängen nämlich in zweistimmigen Texturen betrachtet, und wann auch immer es über dem Bass erscheint. Wenn das Basszeichen auch zufällig die Wurzel des Akkords ist, versetzt das obere Zeichen des Zwischenraums fast immer provisorisch den dritten von jedem Akkord, und in der in der volkstümlichen Musik verwendeten Fachsprache, wird dann ein aufgehobenes Viertel genannt.

Herkömmlich sind angrenzende Schnuren des Kontrabasses und der Bassgitarre ein vollkommenes Viertel, einzeln wenn aufgemacht, wie alle Paare, aber eine von angrenzenden Gitarrenschnuren unter der Standardgitarreneinstimmung sind. Sätze von Tamtam-Trommeln werden auch vollkommene Viertel allgemein eingeschaltet. 4:3 gerade entsteht vollkommenes Viertel in der C Hauptskala zwischen G und C.

Kurze Geschichte des vierten

Der Gebrauch von vollkommenen Vierteln und Fünfteln, um in der Parallele zu klingen mit und die melodische Linie "dick zu machen", war in der Musik vor der europäischen polyfonen Musik des Mittleren Alters überwiegend.

Im 13. Jahrhundert waren das vierte und fünfte zusammen der concordantiae mediae (mittlere Gleichklänge) nach dem Einklang und der Oktave, und vor den Dritteln und Sechsteln. Im 15. Jahrhundert ist das vierte gekommen, um als dissonant selbstständig betrachtet zu werden, und wurde zuerst als eine Dissonanz von Johannes Tinctoris in seinem Terminorum musicae diffinitorium (1473) klassifiziert. In der Praxis, jedoch, hat es fortgesetzt, als ein Gleichklang, wenn unterstützt, durch den Zwischenraum eines dritten oder fünften in einer niedrigeren Stimme verwendet zu werden.

Moderne akustische Theorie unterstützt die mittelalterliche Interpretation, insofern als die Zwischenräume des Einklangs, der Oktave, fünft und viert besonders einfache Frequenzverhältnisse haben. Die Oktave hat das Verhältnis 2:1, zum Beispiel der Zwischenraum zwischen' an A440 und a

In den Jahren, der gefolgt ist, würden sich die Frequenzverhältnisse dieser Zwischenräume auf Tastaturen und anderen fest stimmenden Instrumenten ein bisschen als verschiedene Systeme der Einstimmung, wie Meantone-Temperament, gut Temperament ändern, und gleiches Temperament wurde entwickelt.

In der frühen Westpolyfonie wurden diese einfacheren Zwischenräume (Einklang, Oktave, fünft und viert) allgemein bevorzugt. Jedoch, in seiner Entwicklung zwischen den 12. und 16. Jahrhunderten:

1. In den frühsten Stufen kommen diese einfachen Zwischenräume so oft vor, dass sie scheinen, der Lieblingston von Komponisten zu sein.
2. Später bewegen sich die "komplizierteren" Zwischenräume (Drittel, Sechstel und tritones) allmählich von den Rändern bis das Zentrum vom Musikinteresse.
3. Am Ende des Mittleren Alters waren neue Regeln für die Stimmenführung gelegt worden, die Wichtigkeit vom Einklang, der Oktave, fünft und viert wiederbewertend und sie auf eine mehr eingeschränkte Mode (zum Beispiel, das spätere Verbieten von parallelen Oktaven und Fünfteln) behandelnd.

Die Musik des 20. Jahrhunderts verwirft größtenteils die Regeln "der klassischen" Westklangfarbe. Zum Beispiel haben Komponisten wie Erik Satie stilistische Elemente vom Mittleren Alter geliehen, aber einige Komponisten haben mehr innovativen Gebrauch für diese Zwischenräume gefunden.

Mittleres Alter

In der mittelalterlichen Musik hatte sich die Klangfarbe der Periode der üblichen Praxis noch nicht entwickelt, und viele Beispiele können mit harmonischen Strukturen gefunden werden, auf die auf Vierteln und Fünfteln gebaut werden. Musica enchiriadis der Mitte des 10. Jahrhunderts, eines Handbuches für die Musikpraxis der Zeit, hat das Singen in parallelen Vierteln, Fünfteln und Oktaven beschrieben. Diese Entwicklung hat weitergegangen, und die Musik der Notre Dame-Schule kann als die Spitze einer zusammenhängenden Harmonie in diesem Stil betrachtet werden.

Zum Beispiel, in einem Halleluja durch Pérotin, wird das vierte bevorzugt. Anderswohin, in der Parallele organum am vierten, würde die obere Linie ein Viertel unten begleitet. Auch wichtig war die Praxis von Fauxbourdon, der eine drei Stimmentechnik ist (ziemlich oft improvisatory), in dem die zwei niedrigeren Stimmen Parallele zur oberen Stimme an einem Viertel und sechst unten weitergehen. Fauxbourdon, während er umfassenden Gebrauch von Vierteln macht, ist auch ein wichtiger Schritt zur späteren triadischen Harmonie der Klangfarbe, wie es als eine erste Inversion (oder 6/3) Triade gesehen werden kann.

Diese Parallele 6/3 Triade wurde in den kontrapunktischen Stil zurzeit vereinigt, in dem parallele Viertel manchmal problematisch betrachtet, und ringsherum mit Verzierungen oder anderen Modifizierungen zum Stil von Fauxbourdon geschrieben wurden. Ein Beispiel davon ist der Anfang der Marian-Antiphon Ave Maris Stella durch Guillaume Dufay, einen Master von Fauxbourdon.

Renaissance und Barock

Die Entwicklung der Klangfarbe hat im Laufe der Renaissance weitergegangen, bis es schließlich von Komponisten des Barocken Zeitalters völlig begriffen wurde.

Als Zeit im Laufe der späten Renaissance und des frühen Barocks fortgeschritten ist, ist das vierte mehr verstanden als ein Zwischenraum geworden, der Entschlossenheit gebraucht hat. Zunehmend haben die Harmonien von Fünfteln und Vierteln zum Gebrauch von Dritteln und Sechsteln getragen. Im Beispiel zeigen Rhythmus-Formen von Arbeiten von Orlando di Lasso und Palestrina das vierte, das als eine Suspendierung wird auflöst.

In der frühen Barocken Musik von Claudio Monteverdi und Girolamo Frescobaldi wurde triadische Harmonie gründlich verwertet. Diatonische und chromatische Durchgänge, die stark den Zwischenraum eines Viertels entwerfen, erscheinen im Genre von Lamento, und häufig in Durchgängen von Passus duriusculus des chromatischen Abstiegs. In den Madrigalen von Claudio Monteverdi und Carlo Gesualdo hebt die intensive Interpretation des Textes (Wortmalerei) oft die Gestalt eines Viertels als eine äußerst verzögerte Entschlossenheit einer vierten Suspendierung hervor. Außerdem in der Chromatischen Tokkata von Frescobaldi von 1635 das entworfene Viertel-Übergreifen, verschiedene Kirchweisen halbierend.

Im ersten Drittel des 18. Jahrhunderts wurden Boden legende theoretische Abhandlungen auf der Zusammensetzung und Harmonie geschrieben. Jean-Philippe Rameau hat seine Abhandlung Le Traité de l'harmonie réduite à ses principes naturels vollendet (Französisch: Die Theorie der Harmonie ist zu seinen natürlichen Grundsätzen abgenommen) 1722, der seine Arbeit von vier Jahre früher, Nouveau Système de musique theoretique ergänzt hat (Französisch: neues System der Musik-Theorie); diese können zusammen als der Eckstein der modernen Musik-Theorie in Zusammenhang mit dem Gleichklang und der Harmonie betrachtet werden. Der österreichische Komponist Johann Fux veröffentlicht 1725 seine starke Abhandlung auf der Zusammensetzung des Kontrapunkts im Stil von Palestrina laut des Titels Anzeige von Gradus Parnassum (Latein: Die Schritte zu Parnassus). Er hat verschiedene Typen des Kontrapunkts entworfen (z.B, bemerken Sie gegen das Zeichen), und hat eine sorgfältige Anwendung des vierten angedeutet, um Dissonanz zu vermeiden.

Klassisch und romantisch

Das Blühen der Klangfarbe und die Errichtung gut des Temperaments in der Zeit von Bach sowohl hatten einen ständigen Einfluss bis zur späten Romantischen Periode, als auch die Tendenzen zur quartal Harmonie wurden etwas unterdrückt. Ein zunehmend raffinierter Rhythmus und triadische Harmonie haben die Musikarbeit dieses Zeitalters definiert. Kontrapunkt wurde vereinfacht, um eine obere Linie mit einer klaren Begleitharmonie zu bevorzugen. Und doch, es gibt viele Beispiele von dichten Kontrapunkt-Verwenden-Vierteln in diesem Stil allgemein als ein Teil des Hintergrunds, der den harmonischen Ausdruck in einem Durchgang vorwärts zu einem Höhepunkt drängt. Mozart in seinem so genannten Dissonanz-Quartett KV 465 hat Chromatische und Ganze Ton-Skalen verwendet, um Viertel und das Thema der Fuge in der dritten Bewegung der Klavier-Sonate von Beethoven op zu entwerfen. 110 öffnet sich mit drei steigenden Vierteln. Das sind alle melodischen Beispiele jedoch, und auf die zu Grunde liegende Harmonie werden auf Dritteln gebaut.

Komponisten haben angefangen, die Qualität des vierten als ein Gleichklang aber nicht eine Dissonanz neu einzuschätzen. Das würde später die Entwicklung von quartal und Zentner-Harmonie beeinflussen.

Der Akkord von Tristan wird aus den Referenzen F, B, D und G zusammengesetzt und ist der allererste Akkord, der in der Oper von Richard Wagner Tristan und Isolde gehört ist. Der Akkord war in früheren Arbeiten gefunden worden (namentlich die Klavier-Sonate von Beethoven Nr. 18), aber der Gebrauch von Wagner war zuerst bedeutend, weil es als abrückend von der traditionellen Tonharmonie und sogar zu atonality, und zweit gesehen wird, weil mit diesem Akkord Wagner wirklich den Ton oder die Struktur der Musikharmonie dazu bewegt hat, vorherrschender zu werden, als seine Funktion, ein Begriff, der bald danach war, um von Debussy und anderen erforscht zu werden.

Die vierte Harmonie ist wichtig in der Arbeit von slawischen und skandinavischen Komponisten wie Modest Mussorgsky, Leoš Janáček und Jean Sibelius geworden. Diese Komponisten haben diese Harmonie auf eine scharfe, unbedeckte, fast archaische Weise verwendet, häufig die Volksmusik ihrer besonderen Heimatländer vereinigend. Die Klavier-Sonate von Sibelius in F-Major op. 12 von 1893 haben Tremolo-Durchgänge der Nähe - quartal Harmonie in einem Weg verwendet, der relativ hart und modern war. Sogar im Beispiel rechts aus den Bildern des Klavier-Zyklus von Mussorgsky auf einer Ausstellung (Избушка на курьих ножках (Баба-Яга) - Die Hütte auf den Beinen des Geflügels) macht das vierte immer einen "ungeschminkten" Eingang.

Die Romantischen Komponisten Frédéric Chopin und Franz Liszt, der gehabte Nutzen der spezielle "dünn gemachte" Ton des vierten Akkords in späten Arbeiten für das Klavier (Nuages gris (Fr: Graue Wolken), Gondel von La lugubre (Fr: Die Traurige Gondel), und andere Arbeiten).

In der 1897-Arbeit der Lehrling des Zauberers (L'Apprenti sorcier) durch Paul Dukas ist die Wiederholung von steigenden Vierteln eine Musikdarstellung der unermüdlichen Arbeit von Wandern-Besen-Ursachen aus der Kontrolle der Wasserspiegel im Haus, um sich "zu erheben und sich zu erheben". Harmonie von Quartal in Sonatine der Verwirrung und Ma Mère l'Oye (Fr: Mutter-Gans) würde ein paar Jahre später folgen.

Musik des 20. Jahrhunderts

Klassische Westmusik

Im 20. Jahrhundert hat Harmonie ausführlich auf Viertel gebaut, und Fünftel sind wichtig geworden. Das ist bekannt als quartal Harmonie für Akkorde geworden, die auf Vierteln und Zentner-Harmonie für auf Fünfteln gestützte Akkorde gestützt sind.

In der Musik von Komponisten des Anfangs des 20. Jahrhunderts Frankreich sind die vierten Akkorde fest mit den Neunten Akkorden, der Ganzen Ton-Skala, der Pentatonischen Skala und Polyklangfarbe als ein Teil ihrer Sprache geworden, und quartal Harmonie ist ein wichtiges Mittel des Ausdrucks in der Musik von Debussy, Maurice Ravel und anderen geworden. Beispiele werden in der Orchesterarbeit von Debussy La Mer (Das Meer) und in seinen Klavier-Arbeiten, in besonderem La cathédrale engloutie (Die Versunkene Kathedrale) von seinem Préludes für das Klavier, Pour les quartes (Für Viertel) und Pour les arpéges composées (Für Zerlegbare Arpeggios) von seinen Etüden gefunden.

Jazz

Jazz verwendet quartal Harmonien (das gewöhnlich genannte Äußern in Vierteln).

Rhythmen werden häufig "verändert", um ungelöste aufgehobene Akkorde einzuschließen, die ein Viertel über dem Bass einschließen:

Siehe auch

• der vermehrte vierte
• Alle Fünftel
• Liste von Zwischenräumen
• Liste von meantone Zwischenräumen
• der elfte
• der chromatische vierte