Der Kontrabass, auch genannt die Schnur aufrechter Bassbass, Bassgeige, Bassgeige, Hundehütte-Bass, Kontrabass, oder stehender Bass, ist am größten und am niedrigsten aufgestellter, hat Saiteninstrument im modernen Sinfonieorchester mit Schnuren gebeugt, die gewöhnlich auf E1, A1, D2 und G2 abgestimmt sind (sieh Standard stimmen). Der Kontrabass ist ein Standardmitglied der Schnur-Abteilung des Sinfonieorchesters und der kleineren Schnur-Ensembles in der klassischen Westmusik. Außerdem wird es in anderen Genres wie Jazz, mit den 1950er Jahren artige Niedergeschlagenheit und Rock 'n' Roll, rockabilly/psychobilly, traditionelle Countrymusic, Wiesenrispengras, Tango und viele Typen der Volksmusik verwendet. Eine Person, die den Kontrabass spielt, wird gewöhnlich einen Bassisten genannt.

Der Kontrabass erträgt ungefähr 180 Cm (sechs Fuß) von der Schriftrolle bis endpin, und wird normalerweise von mehreren Typen von Holz, einschließlich des Ahorns für den Rücken, der Gepflegtheit für die Spitze und des Ebenholzes für das Griffbrett gebaut. Es ist unsicher, ob das Instrument ein Nachkomme der Viola da gamba oder der Geige ist, aber es wird nach der Geige-Familie traditionell ausgerichtet. Während der Kontrabass fast im Aufbau zu anderen Geige-Familieninstrumenten identisch ist, nimmt es auch in die ältere Viola-Familie gefundene Eigenschaften auf.

Wie viele andere Saiteninstrumente wird der Kontrabass entweder mit einem Bogen (arco) oder durch das Zupfen der Schnuren (pizzicato) gespielt. Im Orchesterrepertoire und der Tango-Musik werden sowohl arco als auch pizzicato verwendet. Im Jazz ist pizzicato die Norm, abgesehen von einem Solo und auch gelegentlichen schriftlichen Teilen im modernen Jazz dieser Aufruf nach Verbeugung. In anderen Genres, wie Niedergeschlagenheit und rockabilly, wird der Bass abgerissen.

Wenn

er den Kontrabass spielt, steht der Bassist entweder oder sitzt auf einem hohen Stuhl und lehnt das Instrument gegen den Körper des Bassisten mit dem Bass gedreht ein bisschen nach innen, um leichter die Schnuren zu erreichen. Diese Positur ist auch ein Schlüsselgrund für die geneigten Schultern des Basses, die sie abgesondert von den anderen Mitgliedern der Geige-Familie kennzeichnen, weil die schmaleren Schultern das Spielen der Schnuren in ihren höheren Registern erleichtern.

Der Kontrabass ist ein Umstellen-Instrument und lässt eine Oktave tiefer erklingen als in Notenschrift geschrieben.

Geschichte

Der Kontrabass wird allgemein als ein moderner Nachkomme der Schnur-Familie von Instrumenten betrachtet, die in Europa im 15. Jahrhundert entstanden sind, und weil solcher als eine Bassgeige beschrieben worden ist. Vor dem 20. Jahrhundert hatten viele Kontrabässe nur drei Schnuren im Gegensatz zu den fünf bis sechs Schnuren, die für Instrumente in der Schnur-Familie oder den vier Reihen von Instrumenten in der Geige-Familie typisch sind. Einige vorhandene Instrumente, wie diejenigen durch Gasparo da Salò, wurden aus dem 16. Jahrhundert Sechs-Schnuren-Kontrabass violoni umgewandelt.

Die Verhältnisse des Kontrabasses sind zu denjenigen der Geige und des Cellos unterschiedlich; zum Beispiel ist es tiefer (die Entfernung von der Spitze bis Rücken ist proportional viel größer als die Geige). Außerdem, während die Geige volle Schultern hat, ließen die meisten Kontrabässe Schultern mit einem akuteren Hang wie Mitglieder der Viola-Familie schnitzen. Viele sehr alte Kontrabässe haben ihre Schultern schneiden lassen oder sich geneigt, um dem Spielen mit modernen Techniken zu helfen. Vor diesen Modifizierungen war das Design ihrer Schultern an Instrumenten der Geige-Familie näher.

Der Kontrabass ist das einzige moderne gebeugte Saiteninstrument, das in Vierteln (wie eine Viola), aber nicht Fünftel abgestimmt wird (sieh Einstimmung, unten). Das Problem der genauen Abstammung des Instrumentes ist noch eine Sache von etwas Debatte, und die Annahme, dass der Kontrabass ein direkter Nachkomme der Viola-Familie ist, ist diejenige, die nicht völlig aufgelöst worden ist.

In seinem Eine Neue Geschichte des Kontrabasses behauptet Paul Brun mit vielen Verweisungen, dass der Kontrabass Ursprünge als der wahre Bass der Geige-Familie hat. Er stellt fest, dass, während das Äußere des Kontrabasses der Viola da gamba ähneln kann, der innere Aufbau des Kontrabasses fast zu Instrumenten in der Geige-Familie identisch, und von der inneren Struktur von Violen sehr verschieden ist.

Fachsprache

Eine Person, die dieses Instrument spielt, wird einen Bassisten, doppelten Bassisten, Kontrabass-Spieler, contrabassist, Kontrabass-Spieler oder Bassspieler genannt. Der Namenkontrabass und Kontrabass verweisen die Reihe des Instrumentes und Gebrauch in der Gegenoktave unter dem Cello, auch genannt die 16' Oktave hinsichtlich des Kirchorgans. Die Begriffe für das Instrument unter klassischen Darstellern sind Kontrabass (der aus dem italienischen Namen des Instrumentes, contrabbasso kommt), Schnur-Bass (um es von einem Messingbassinstrument in einem Konzertband zu unterscheiden), oder einfach Bass.

Im Jazz und den anderen Genres außerhalb der klassischen Musik wird dieses Instrument den aufrechten akustischen oder Bassbass allgemein genannt, um es von der elektrischen Bassgitarre zu unterscheiden. In Leuten und Wiesenrispengras-Musik wird das Instrument auch eine Bassgeige oder Bassgeige (oder seltener als Hundehütte-Bass oder männliche Geige) genannt. Andere bunte Spitznamen werden auf anderen Sprachen gefunden; in Ungarisch, zum Beispiel, wird der Kontrabass manchmal nagy bőgő genannt, der grob als "großer Schreier," übersetzt, sich auf seine große Stimme beziehend.

Design

Im Allgemeinen gibt es zwei Hauptannäherungen an die Designumriss-Gestalt des Kontrabasses, diese, die Geige-Form (gezeigt im etikettierten Bild nach rechts), und die Viola Form von da gamba (gezeigt im Kopfball-Bild) seiend. Ein drittes weniger allgemeines Design hat gerufen die Busetto-Gestalt kann auch gefunden werden, wie die noch seltenere Gitarre oder Birne kann sich zu formen. Der Rücken des Instrumentes kann sich davon ändern, eine Runde, geschnitzt zurück ähnlich dieser der Geige oder einer Wohnung und umgebogen zurück ähnlich der Viola-Familie zu sein.

Der Kontrabass zeigt viele Teile, die Mitgliedern der Geige-Familie einschließlich einer Brücke, F-Löcher, eines Anhangs, einer Schriftrolle und eines gesunden Postens ähnlich sind. Verschieden vom Rest der Geige-Familie widerspiegelt der Kontrabass noch Einfluss und kann teilweise abgeleitet aus der Viola-Familie von Instrumenten, insbesondere der violone, das Bassmitglied der Viola-Familie betrachtet werden.

Der Kontrabass unterscheidet sich auch von Mitgliedern der Geige-Familie darin die Schultern werden normalerweise geneigt, der Rücken wird häufig (beide umgebogen, um leichteren Zugang zum Instrument, besonders in der oberen Reihe zu erlauben), und Maschinentuner werden immer geeignet. Fehlen Sie der Standardisierung in Designmitteln, dass ein Kontrabass klingen und sehr verschieden von einem anderen aussehen kann.

Aufbau

Der Kontrabass ist im Aufbau an Geigen am nächsten, aber hat einige bemerkenswerte Ähnlichkeiten zum violone (wörtlich "große Viola"), das größte und niedrigste Mitglied der Familie der Viola da gamba. Verschieden vom violone, jedoch, wird das Griffbrett des Kontrabasses unzerfressen, und der Kontrabass hat weniger Schnuren (der violone, wie die meisten Violen, allgemein hatte sechs Schnuren, obwohl einige Muster fünf oder vier hatten).

Eine wichtige Unterscheidung zwischen dem Kontrabass und den anderen Mitgliedern der Geige-Familie ist der Aufbau des pegbox. Während die Geige, die Viola und das Cello alle Gebrauch-Reibungshaken für grobe stimmende Anpassungen, der Kontrabass Metallmaschinenköpfe hat. Der Schlüssel auf der stimmenden Maschine dreht einen Metallwurm, der ein Wurm-Zahnrad steuert, windet das die Schnur. Während diese Entwicklung feine Tuner unnötig macht, verwendet eine sehr kleine Anzahl von Bassisten sie dennoch. An der Basis des Kontrabasses ist eine Metallstange mit einem Ende mit Spitzen genannt den endpin, der auf dem Fußboden ruht. Dieser endpin ist allgemein robuster als dieses eines Cellos wegen der größeren Masse des Kontrabasses.

Die im Kontrabass-Aufbau meistenteils verwendeten Materialien sind Ahorn (Rücken, Hals, Rippen), Gepflegtheit (Spitze) und Ebenholz (Griffbrett, Anhang). Ausnahmen dazu schließen weniger - teure Bässe ein, die lamelliert (Sperrholz) Spitzen, Rücken, und Rippen und einige neuere aus der Weide gemachte Bässe des mittleren Bereichs haben. Diese Bässe sind gegen Änderungen in der Hitze und Feuchtigkeit widerstandsfähig, die Spalten in adretten Spitzen verursachen kann. Sperrholz-Folie-Bässe, die in Musik-Schulen, Jugendorchestern, und im populären und den Volksmusik-Einstellungen verwendet werden, sind gegen die Feuchtigkeit und Hitze ebenso gegen den physischen Missbrauch sehr widerstandsfähig, auf den sie passend sind, in einer Schulumgebung (oder, für die Niedergeschlagenheit und Volksmusiker, zu den Gefahren des Reisens und Durchführens in Bars) zu stoßen.

Der soundpost und die Bassbar sind Bestandteile des inneren Aufbaus. Alle Teile eines Kontrabasses werden zusammen geklebt, außer dem soundpost, der Brücke und dem Anhang, die im Platz durch die Schnur-Spannung gehalten werden, obwohl der soundpost gewöhnlich im Platz bleibt, wenn die Schnuren des Instrumentes gelöst oder entfernt werden. Die stimmenden Metallmaschinen werden den Seiten des pegbox mit Metallschrauben beigefügt. Während sich die Einstimmung von Mechanismen allgemein von den höher aufgestellten Orchestersaiteninstrumenten unterscheidet, haben einige Bässe nichtfunktionelle, dekorative stimmende Haken, die von der Seite des pegbox, in der Imitation der stimmenden Haken auf einem Cello oder Geige vorspringen.

Berühmte Kontrabass-Schöpfer kommen aus der ganzen Welt und vertreten häufig geänderte nationale Eigenschaften. Am höchsten gesucht (und teuer) kommen Instrumente aus Italien und schließen Bässe ein, die von Giovanni Paolo Maggini, Gaspar da Salo, der Familie von Testore (Carlo Antonio, Carlo Giuseppe, Gennaro, Giovanni, Paulo Antonio), Celestino Puolotti und Matteo Gofriller gemacht sind. Französische und englische Bässe werden auch von Spielern des höchsten Kalibers gesucht.

Schnuren

Die Geschichte des Kontrabasses wird mit der Entwicklung der Schnur-Technologie dicht verbunden, weil es das Advent von Überwunde-Eingeweide-Schnuren war, die zuerst das allgemein durchführbarere Instrument gemacht haben, weil Wunde-Schnuren niedrige Zeichen innerhalb eines kleineren gesamten Schnur-Diameters erreichen als abgewickelte Schnuren.

Vor der Mitte des 20. Jahrhunderts wurden Kontrabass-Schnuren gewöhnlich aus Eingeweiden gemacht, aber seit dieser Zeit haben Stahlschnuren Eingeweide-Schnuren größtenteils ersetzt, weil Stahlschnuren ihren Wurf besser halten und mehr Volumen, wenn gespielt, mit dem Bogen nachgeben. Eingeweide-Schnuren sind auch für Änderungen der Feuchtigkeit und Temperatur verwundbarer, und sie brechen viel leichter als Stahlschnuren. Eingeweide-Schnuren werden heutzutage größtenteils von Bassisten verwendet, die in barocken Ensembles, rockabilly Bänder, traditionelle Niedergeschlagenheitsbänder und Wiesenrispengras-Bänder leisten. Eingeweide-Schnuren stellen der Dunkelheit zur Verfügung, "thumpy" klingen gehört auf den 1940er Jahren und Aufnahmen der 1950er Jahre. Der verstorbene Jeff Sarli, eine Niedergeschlagenheit aufrechter Bassist, hat gesagt, dass, "In den 1950er Jahren anfangend, sie begonnen haben, die Hälse auf Bässen für Stahlschnuren neu zu fassen." Rockabilly und Wiesenrispengras-Bassisten bevorzugen auch Eingeweide, weil es viel leichter ist, den "schlagenden" aufrechten Bassstil durchzuführen (in dem die Schnuren Schlag-geschlagen und gegen das Griffbrett geklickt werden) mit Eingeweide-Schnuren als mit Stahlschnuren. (Für weitere Informationen über das Schlagen, sieh die Abteilungen unten auf Modernen spielenden Stilen, Kontrabass in der Wiesenrispengras-Musik, Kontrabass im Jazz und Kontrabass in der volkstümlichen Musik).

Die Änderung von Eingeweiden bis Stahl hat auch die spielende Technik des Instrumentes im Laufe des letzten Hunderts Jahre betroffen, weil das Spielen mit Stahlschnuren den Schnuren erlaubt, näher am Griffbrett, und zusätzlich aufgestellt zu werden, können die Stahlschnuren in höheren Positionen auf den niedrigeren Schnuren gespielt werden und noch klaren Ton erzeugen. Das klassische 19. Jahrhundert Methode von Franz Simandl verwertet die niedrige E-Schnur in höheren Positionen nicht, weil mit älteren Eingeweiden sich Schnuren hoch über das Griffbrett, der Ton niederlassen, war in diesen höheren Positionen nicht klar. Jedoch, mit modernen Stahlschnuren, können Bassisten mit dem klaren Ton in höheren Positionen auf dem niedrigen E und Schnuren besonders spielen, wenn modernes leichteres Maß, Stahlschnuren der niedrigeren Spannung verwendet werden.

Bögen

Der Kontrabass-Bogen kommt in zwei verschiedenen Formen (gezeigt unten). Die "Franzosen" oder verbeugen sich "von oben" ist in der Gestalt und Durchführung zum auf den anderen Mitgliedern der Orchestersaiteninstrument-Familie verwendeten Bogen ähnlich, während der "Deutscher-" oder "Butler"-Bogen normalerweise breiter und kürzer ist, und in einem "Handschütteln" an Position gehalten wird.

Diese zwei Bögen stellen verschiedene Weisen zur Verfügung, den Arm zu bewegen und Kraft auf den Schnuren zu verteilen. Befürworter des französischen Bogens behaupten, dass es, wegen des Winkels mehr manövrierfähig ist, in dem der Spieler den Bogen hält. Verfechter des deutschen Bogens behaupten, dass er dem Spieler erlaubt, mehr Arm-Gewicht an die Schnuren anzuwenden. Die Unterschiede zwischen den zwei sind jedoch Minute für einen tüchtigen Spieler, und moderne Spieler in Hauptorchestern verwenden beide Bögen.

Deutscher Bogen

Der deutsche Bogen (hat manchmal den Bogen von Butler genannt), ist die älteren von den zwei Designs. Das Design des Bogens und die Weise des Haltens davon steigen von der älteren Viola-Instrument-Familie hinunter. Mit älteren Violen bevor wurden Schraubengänge verwendet, um den Bogen zusammenzuziehen, Spieler haben den Bogen mit zwei Fingern zwischen dem Stock und dem Haar gehalten, Spannung des Haars aufrechtzuerhalten. Befürworter des Gebrauches des deutschen Bogens behaupten, dass der deutsche Bogen leichter ist, für schwere Schläge zu verwenden, die viel Macht verlangen.

Im Vergleich mit dem französischen Bogen hat der deutsche Bogen einen höheren Frosch, und es wird mit der Palme umgebogen aufwärts gehalten, wie für die aufrechten Mitglieder der Viola-Familie getan wird. Wenn gehalten, auf die richtige Weise wendet der Daumen die notwendige Macht an, den gewünschten Ton zu erzeugen. Der Zeigefinger entspricht den Bogen am Punkt, wo der Frosch den Stock entspricht. Der Zeigefinger wird auch verwendet, um ein nach oben gerichtetes Drehmoment auf den Frosch anzuwenden, wenn man den Bogen kippt. Der kleine Finger (oder "kleiner Finger") unterstützt den Frosch von unten, während sich der Ringfinger und Mittelfinger im Raum zwischen dem Haar und der Welle ausruhen.

Französischer Bogen

Der französische Bogen war bis zu seiner Adoption durch den Virtuosen des 19. Jahrhunderts Giovanni Bottesini nicht weit populär. Dieser Stil ist den traditionellen Bögen der kleineren Schnur-Familieninstrumente ähnlicher. Es wird gehalten, als ob sich die Hand neben dem Darsteller mit der Palme ausruht, die zum Bass liegt. Der Daumen ruht auf der Welle des Bogens neben dem Frosch, während die anderen Finger auf der anderen Seite des Bogens drapieren. Verschiedene Stile diktieren die Kurve der Finger und des Daumens, wie den Stil des Stückes tun; eine ausgesprochenere Kurve und hält leichter fest der Bogen wird für den Virtuosen oder die feineren Stücke verwendet, während eine flachere Kurve und kräftigerer Griff auf dem Bogen etwas Macht für die leichtere Kontrolle in Schlägen wie detaché, spiccato, und stakkato opfern.

Bogen-Aufbau und Materialien

Kontrabass-Bögen ändern sich in der Länge, im Intervall von 60 Cm (24") zu 75 Cm (30"). Pernambuco, auch bekannt als Brazilwood, werden als ein ausgezeichnetes Qualitätsstock-Material betrachtet, aber wegen seiner Knappheit und Aufwandes werden andere Materialien zunehmend verwendet. Weniger teure Studentenbögen können der festen Glasfaser, oder weniger wertvoller Varianten von brazilwood gebaut werden. Snakewood und Kohlenstoff-Faser werden auch in Bögen einer Vielfalt von verschiedenen Qualitäten verwendet. Der Frosch des Kontrabass-Bogens wird gewöhnlich aus dem Ebenholz gemacht, obwohl snakewood und Horn von Büffel von einigen verwendet werden. Der Drahtsteckanschluss ist Gold- oder in vielen Qualitätsbögen silbern, und das Haar ist gewöhnlich Rosshaar.

Der Kontrabass-Bogen wird entweder mit dem weißen oder mit schwarzen Rosshaar oder einer Kombination der zwei (bekannt als "Salz und Pfeffer") im Vergleich mit dem üblichen weißen auf den Bögen anderer Saiteninstrumente verwendeten Rosshaar gespannt. Einige Bassisten behaupten, dass das ein bisschen rauere schwarze Haar die schwereren, niedrigeren Schnuren besser "ergreift". Ebenso glauben einige Bassisten und luthiers, dass es leichter ist, einen glatteren Ton mit der weißen Vielfalt zu erzeugen. Rotes (kastanienbraunes) Haar wird auch von einigen Bassisten verwendet. Einige der Studentenbögen der niedrigsten Qualität werden mit dem synthetischen Haar gemacht.

Kolofonium

Schnur-Spieler wenden Kolofonium auf das Bogen-Haar an, so wird es die Schnur "ergreifen" und wird es vibrieren lassen. Kontrabass-Kolofonium ist allgemein weicher und klebriger als Geige-Kolofonium, um dem Haar zu erlauben, die dickeren Schnuren besser zu ergreifen, aber Spieler verwenden ein großes Angebot an Kolofonium, das sich vom ziemlich harten (wie Geige-Kolofonium) zum ziemlich weichen, abhängig vom Wetter, der Feuchtigkeit und der Vorliebe des Spielers ändert. Der Betrag verwendet hängt allgemein vom Typ der Musik ab, die sowie der persönlichen Einstellungen des Spielers wird durchführt. Bassisten können mehr Kolofonium in Arbeiten für das große Orchester (z.B, Symphonien von Brahms) anwenden als für feine Raum-Arbeiten. Einige Marken von Kolofonium, wie das Kontrabass-Kolofonium von Pop, sind weicher und für das Schmelzen im heißen Wetter anfälliger. Andere Marken, wie Carlsson oder Kontrabass-Kolofonium von Nyman Harts, sind härter und für das Schmelzen weniger anfällig.

Wurf

Das niedrigste Zeichen eines Kontrabasses ist ein E (auf Standardvier-Schnuren-Bässen) an etwa 41 Hz oder einem B0 (wenn fünf Schnuren verwendet werden) an etwa 31 Hz, innerhalb ungefähr einer Oktave über der niedrigsten Frequenz, die das durchschnittliche menschliche Ohr als ein kennzeichnender Wurf wahrnehmen kann. Die Spitze der Griffbrett-Reihe des Instrumentes ist normalerweise in der Nähe vom D zwei Oktaven und ein fünfter über dem offenen Wurf der G-Schnur (G4), wie gezeigt, in der an der Spitze dieses Artikels gefundenen Reihe-Illustration. Das Spielen außer dem Ende des Griffbrettes kann durch das Ziehen der Schnur ein bisschen beiseite vollbracht werden.

Viele Kontrabass-Symphonie-Teile und Virtuose-Konzerte verwenden Obertöne (auch genannt Flageolett-Töne). Sowohl natürliche Obertöne als auch künstliche Obertöne, wo der Daumen das Zeichen und die Oktave oder andere Harmonische aufhört, werden durch das leichte Berühren der Schnur am Verhältnisknotenpunkt aktiviert, erweitern Sie die Reihe des Instrumentes beträchtlich.

Orchesterteile fordern selten, dass der Kontrabass eine Zwei-Oktaven-Reihe überschreitet (ein Beispiel einer Ausnahme zu dieser Regel ist der Carmina Burana von Orff, der nach drei Oktaven und einem vollkommenen Viertel verlangt). Jedoch gibt es keine harte Grenze zur oberen Reihe ein Virtuose-Solospieler kann verwendende natürliche und künstliche Obertöne erreichen. Die hohe Harmonische in der an der Spitze dieses Artikels gefundenen Reihe-Illustration kann als vertretender aber nicht normatives genommen werden.

Fünf Saiteninstrumente haben eine zusätzliche Schnur, die normalerweise auf einen niedrigen B unter der E-Schnur abgestimmt ist. Gelegentlich wird eine höhere Schnur statt dessen abgestimmt auf den C über der G-Schnur hinzugefügt.

Vier Saiteninstrumente können die C Erweiterung zeigen, die die Reihe der E-Schnur abwärts zu C erweitert.

Traditionell ist der Kontrabass ein Umstellen-Instrument. Da viel Reihe des Kontrabasses unter dem Standardbassnotenschlüssel liegt, wird sie eine Oktave höher in Notenschrift geschrieben, als es klingt. Diese Umstellung gilt, selbst wenn das Lesen des Tenors und Violinschlüssels, die verwendet werden, um übermäßige Hauptbuch-Linien zu vermeiden, wenn man die obere Reihe des Instrumentes in Notenschrift schreibt. Andere notational Traditionen bestehen wirklich; italienische Solomusik wird normalerweise beim tönenden Wurf geschrieben, und die "alte" deutsche Methode hat eine Oktave unten erklingen lassen, wo Notation außer im Violinschlüssel, wo die Musik beim Wurf geschrieben wurde.

Einstimmung

Der Kontrabass wird allgemein in Vierteln im Gegensatz zu anderen Mitgliedern der Orchesterschnur-Familie abgestimmt, die in Fünfteln abgestimmt werden. Die Standardeinstimmung (niedrig zum hohen) ist E Ein D G, von E unter dem zweiten niedrigen C (Kammerton) anfangend. Das ist dasselbe als die Standardeinstimmung einer Bassgitarre und ist eine Oktave tiefer als die vier am niedrigsten aufgestellten Schnuren der Standardgitarreneinstimmung.

Überall im klassischen Repertoire gibt es Zeichen, die unter der Reihe eines Standardkontrabasses fallen. Zeichen unter niedrigem E erscheinen regelmäßig in den Kontrabass-Teilen, die in späteren Maßnahmen und Interpretationen der Barocken Musik gefunden sind. Diese Teile sind Umstellungen von Teilen, die für andere verwendete Bassinstrumente geschrieben sind, bevor der moderne Kontrabass üblich geworden ist und wirklich den Teil eine Oktave senken kann.

Im Klassischen Zeitalter hat sich der Kontrabass normalerweise verdoppelt das Cello teilen eine Oktave unten, gelegentlich Abstieg zu C unter dem E des Vier-Schnuren-Kontrabasses verlangend. Im Romantischen Zeitalter und dem 20. Jahrhundert haben Komponisten wie Wagner, Mahler, Beethoven, Busoni und Prokofiev auch um Zeichen unter dem niedrigen E gebeten. Es gibt zwei übliche Methodik, um diese Zeichen dem Spieler bereitzustellen. Europäische Hauptorchester verwenden allgemein Bässe mit einer fünften Schnur, die auf B drei Oktaven und ein Halbton unter der Mitte C abgestimmt ist. Spieler mit Standardkontrabässen (E Ein D G) spielen normalerweise die Zeichen unter "E" eine Oktave höher.

In den Vereinigten Staaten, Kanada und dem Vereinigten Königreich, verwenden am meisten berufliche Orchesterspieler Vier-Schnuren-Kontrabässe mit einer C Erweiterung, die die niedrigste Schnur unten erweitert, so weit niedriger C, eine Oktave unter dem niedrigsten Zeichen auf dem Cello (seltener, diese Schnur auf einen niedrigen B abgestimmt werden kann). Die Erweiterung ist eine Extraabteilung des Griffbrettes bestiegen über den Kopf des Basses. Es gibt mehrere Varianten von Erweiterungen.

In den einfachsten mechanischen Erweiterungen gibt es keine mechanische Hilfe, die der Griffbrett-Erweiterung außer einer sich schließen lassenden Nuss für das "E"-Zeichen beigefügt ist. Um die Erweiterungszeichen zu spielen, reicht der Spieler zurück über die Haken, um die Schnur zum Griffbrett zu drücken. Der Vorteil dieser "Finger"-Erweiterung besteht darin, dass der Spieler die Tongebung von allen angehaltenen Zeichen auf der Erweiterung anpassen kann, und es keine mechanischen Geräusche von Metallschlüsseln und Hebeln gibt. Der Nachteil der "Finger"-Erweiterung ist, dass es hart sein kann, schnelle Wechsel zwischen niedrigen Zeichen auf der Erweiterung und Zeichen auf dem regelmäßigen Griffbrett wie ein bassline durchzuführen, der schnell zwischen "G" und dem niedrigen D abwechselt.

Der einfachste Typ der mechanischen Hilfe ist der Gebrauch von Holz"Fingern", die geschlossen werden können, um die Schnur unten zu drücken und den C , D, Eb oder E-Zeichen zu zerfressen. Dieses System ist für basslines besonders nützlich, die einen sich wiederholenden Pedal-Punkt wie ein niedriger D haben, weil sobald das Zeichen im Platz mit dem mechanischen "Finger" geschlossen wird, lässt die niedrigste Schnur ein verschiedenes Zeichen wenn gespielt offen (z.B, ein niedriger D) erklingen.

Die am meisten komplizierte mechanische Hilfe für den Gebrauch mit Erweiterungen ist mechanische Hebel-Systeme mit einem Spitznamen bezeichnete Maschinen. Diese Hebel-Systeme, die oberflächlich den Mechanismen von Rohr-Instrumenten wie das Fagott ähneln, schließen neben dem regelmäßigen Griffbrett bestiegene Hebel ein (in der Nähe von der Nuss, auf der "E"-Schnur-Seite), die entfernt Metall"Finger" auf dem Erweiterungsgriffbrett aktivieren. Die teuersten Metallhebel-Systeme geben auch dem Spieler die Fähigkeit, unten Zeichen auf dem Erweiterungsgriffbrett, als mit dem Holz-"Finger"-System "zu schließen". Eine Kritik dieser Geräte besteht darin, dass sie zu unerwünschten metallischen klickenden Geräuschen führen können.

Eine kleine Anzahl von Bassspielern stimmt ihre Schnuren in Fünfteln, wie ein Cello, aber eine Oktave tiefer (C G D Ein niedriger zum hohen) ab. Diese Einstimmung wurde vom Jazzspieler Roter Mitchell verwendet und wird von klassischen Spielern, namentlich dem kanadischen Bassisten Joel Quarrington zunehmend verwendet. Im klassischen Solo, den Kontrabass spielend, wird gewöhnlich ein ganzer Ton höher (F B E) abgestimmt. Diese höhere Einstimmung wird Soloeinstimmung genannt, wohingegen die regelmäßige Einstimmung als "Orchestereinstimmung bekannt ist." Schnur-Spannung unterscheidet sich so viel zwischen Solo und Orchestereinstimmung, dass ein verschiedener Satz von Schnuren häufig verwendet wird, der ein leichteres Maß hat. Schnuren werden immer entweder für das Solo oder für die Orchestereinstimmung etikettiert, und veröffentlichte Solomusik wird entweder für das Solo oder für die Orchestereinstimmung eingeordnet. Ein populäres Solo und Konzerte, wie das Koussevitsky Konzert sind sowohl im Solo als auch in den stimmenden Orchestermaßnahmen verfügbar.

Viele zeitgenössische Komponisten geben hoch spezialisierten scordatura an. Berio bittet zum Beispiel den Spieler, seine Schnuren abzustimmen, um die E-G -G in Sequenza XIVb und Scelsi bittet, sowohl VERWELKEN SIE als auch F Ein F E in Nuits.

Eine Variante und viel weniger allgemein verwendete Form der in einigen osteuropäischen Ländern verwendeten Soloeinstimmung sind (Ein D G C), der drei der Schnuren von der Orchestereinstimmung (A-D-G) verwendet und dann eine hohe "C"-Schnur hinzufügt. Einige Bassisten mit Fünf-Schnuren-Bässen verwenden eine hohe "C"-Schnur als die fünfte Schnur statt einer niedrigen "B"-Schnur. Das Hinzufügen der hohen "C"-Schnur erleichtert die Leistung des Solorepertoires mit einem hohen tessitura (Reihe). Eine andere Auswahl ist, beide ein niedriger C (oder B) Erweiterung und eine hohe C-Schnur zu verwerten.

Wenn

er einen Bass mit einer fünften Schnur wählt, muss der Spieler zwischen dem Hinzufügen einer höheren oder tiefer abgestimmten Schnur entscheiden. Sechs Saiteninstrumente werden allgemein als unpraktisch betrachtet. Um die zusätzliche Schnur anzupassen, ist das Griffbrett gewöhnlich, und die Spitze ein bisschen breiter, die ein bisschen dicker ist, um die vergrößerte Spannung zu behandeln. Einige fünf Saiteninstrumente werden vier Saiteninstrumente umgewandelt. Weil diese breitere Griffbretter nicht haben, finden einige Spieler sie schwieriger, herumzufingern und sich zu verbeugen. Umgewandelte Vier-Schnuren-Bässe verlangen gewöhnlich, dass entweder eine neue, dickere Spitze oder leichtere Schnuren die vergrößerte Spannung ersetzt.

Das Spielen und Leistungsrücksichten

Körper und Handposition

Verdoppeln Sie Bassisten entweder stehen Sie oder sitzen Sie, um das Instrument zu spielen. Die Instrument-Höhe wird durch die Anpassung des solchen endpin gesetzt, dass der Spieler die gewünschten spielenden Zonen der Schnuren mit der Verbeugung oder dem Zupfen der Hand erreichen kann.

Bassisten, die stehen und sich manchmal verbeugen, setzen den endpin, indem sie den ersten Finger entweder in der ersten Position oder in Hälfte der Position mit dem Augenniveau ausrichten, obwohl es wenig Standardisierung in dieser Beziehung gibt.

Spieler, die allgemein sitzen, verwenden einen Stuhl über die Höhe des Spielers keucht inseam Länge.

Verdoppeln Sie sich traditionell Bassisten haben gestanden, als sie Solo gespielt haben, und haben gesessen, als sie in der Orchester- oder Operngrube gespielt haben. Jetzt sind Spielen-Stile spezialisiert für den Punkt geworden, wo ein Spieler selten sowohl Stehen als auch das Sitzen hinreichend durchführen kann. Folglich jetzt sitzen viele Solisten (als mit Joel Quarrington, Jeff Bradetich, Thierry Barbé und anderen), und Orchester stellen häufig Stehbassisten an.

Wenn

er in der oberen Reihe des Instrumentes (über dem G unter der Mitte C) spielt, wechselt der Spieler ihre Hand aus hinter dem Hals aus und macht es mit der Seite des Daumens glatt, um unten die Schnur zu drücken. Diese Technik — auch verwendet auf dem Cello — wird Daumen-Position genannt. Während sie in der Daumen-Position spielen, verwenden wenige Spieler den vierten (kleinen) Finger, weil es zu schwach ist, um einen zuverlässigen Ton zu erzeugen (das ist auch für Cellisten wahr), obwohl einige äußerste Akkorde oder verlängerte Techniken, besonders in der zeitgenössischen Musik, seinen Gebrauch nötig machen können.

Physische Rücksichten

Das Durchführen auf dem Bass kann physisch anspruchsvoll sein, weil die Schnuren groß und dick sind. Außerdem ist der Raum zwischen Zeichen auf dem Griffbrett wegen der Skalenlänge und des Schnur-Abstands groß, so müssen Spieler Positionen oft auswechseln. Der Bass wird gewöhnlich für Leute mit kürzeren Armen und kleineren Händen wegen der großen Zeichen-Lücken und der dicken Schnuren entmutigt. Der vergrößerte Gebrauch des Spielens von Techniken wie Daumen-Position und Modifizierungen zum Bass, wie der Gebrauch von Schnuren des leichteren Maßes an der niedrigeren Spannung, hat die Schwierigkeit erleichtert, das Instrument zu spielen. Bassteile haben relativ weniger schnelle Durchgänge, doppelten Halt oder große Sprünge in der Reihe. Diese Teile werden gewöhnlich der Cello-Abteilung gegeben, weil es ein kleineres Instrument ist und normalerweise zusammen abgestimmt wird.

Als mit allen nichtzerfressenen Saiteninstrumenten müssen Darsteller lernen, ihre Finger genau zu legen, um den richtigen Wurf zu erzeugen. Die häufigere durch die Größe des Instrumentes erforderliche Handbewegung vergrößert die Wahrscheinlichkeit von Tongebungsfehlern. Für Bassisten mit kleineren Händen können die großen Räume zwischen Würfen eine bedeutende Herausforderung besonders in der niedrigsten Reihe präsentieren, wo die Räume zwischen Zeichen am größten sind.

Bis zu den 1990er Jahren waren kind-große Kontrabässe nicht weit verfügbar, und die große Größe des Basses hat bedeutet, dass Kinder nicht im Stande gewesen sind anzufangen, das Instrument bis zu ihrer Handgröße zu spielen, und Höhe ihnen erlauben würde, 3/4-size Modell (die meistens verfügbare Größe) zu spielen. In den 1990er Jahren, kleinere Hälfte, Viertel anfangend, sind die achten und sogar sechzehnt-großen Instrumente weiter verfügbar geworden, der bedeutet hat, dass Kinder in einem jüngeren Alter anfangen konnten.

Volumen

Trotz der Größe des Instrumentes ist es nicht so laut wie viele andere Instrumente wegen seiner niedrigen Reihe. In einem großen Orchester, gewöhnlich zwischen vier und acht Bassisten spielen im Einklang. In den größten Orchestern können Bassabteilungen nicht weniger als zehn oder zwölf Spieler haben, aber moderne preisgünstige Einschränkungen machen Bassabteilungen das groß ungewöhnlich.

Wenn

sie Solodurchgänge für den Bass im Orchester- oder der Kammermusik schreiben, stellen Komponisten normalerweise sicher, dass die Orchesterbearbeitung leicht ist, so verdunkelt es den Bass nicht. Während Erweiterung in der klassischen Musik in einigen Fällen selten verwendet wird, wo ein Basssolist ein Konzert mit einem vollen Orchester durchführt, hat feine Erweiterung gerufen akustische Erhöhung kann verwendet werden. Der Gebrauch von Mikrofonen und Verstärkern in einer klassischen Einstellung hat geführt, um innerhalb der klassischen Gemeinschaft zu debattieren, als "... behaupten Puristen, dass der natürliche akustische Ton von [Klassischen] Stimmen [oder] Instrumenten in einem gegebenen Saal nicht verändert werden sollte."

In vielen Nichtorchestereinstellungen, wie Jazz und Niedergeschlagenheit, wird die Erweiterung über einen Spezialverstärker und Lautsprecher verwendet. Wiesenrispengras und Jazzspieler verwenden normalerweise weniger Erweiterung als Niedergeschlagenheit, psychobilly, oder Marmelade-Band-Spieler. In den letzten Fällen kann das hohe gesamte Volumen wegen anderer Verstärker und Instrumente zu akustischem Feed-Back, ein Problem führen, das durch die große Fläche des Basses und Innenvolumen verschlimmert ist. Das Feed-Back-Problem hat zur Entwicklung von Instrumenten wie der elektrische aufrechte Bass, dessen geführt, Eigenschaften mimisch dieser des Kontrabasses spielend.

Transport

Die große Größe des Kontrabasses und Verhältniszerbrechlichkeit machen es beschwerlich, um zu behandeln und zu transportieren. Die meisten Bassisten verwenden weiche Fälle, gekennzeichnet als Rauhmaschine-Taschen, um das Instrument während des Transports zu schützen. Grundlegende, ungepolsterte von Studenten verwendete Rauhmaschine-Taschen kosten weniger als 100 US-Dollar, während dick gepolsterte Rauhmaschine-Taschen für Berufsspieler normalerweise Kosten nicht weniger als 500 US-Dollar. Noch einige Eigenschaft-gefüllte Beispiele mit dem Rucksack schnallen Einzelhandel für mehr als 1000 US-Dollar fest. Einige Bassisten tragen ihren Bogen in einem harten Bogen-Fall. Spieler können auch einen kleinen Karren oder Rauhmaschine-Tasche verwenden und Nadel-beigefügte Räder beenden, um den Bass zu bewegen.

Harte Flugfälle haben Innere und zähe Äußere von Kohlenstoff-Faser, Grafit, Glasfaser oder Kevlar abgemildert. Die Kosten von guten harten Fällen — 500 US-Dollar zu mehr als 2500 US-Dollar — neigen dazu, ihren Gebrauch auf Reisefachleuten zu beschränken.

Klassisches Repertoire

Solo arbeitet für den Kontrabass

Die 1700er Jahre

Der Kontrabass als ein Soloinstrument hat eine Periode der Beliebtheit während des 18. Jahrhunderts genossen, und viele der populärsten Komponisten von diesem Zeitalter haben Stücke für den Kontrabass geschrieben. Der Kontrabass, dann häufig gekennzeichnet als Violone hat verschiedenen tunings vom Gebiet bis Gebiet verwendet. Die "wienerische Einstimmung" (Ein D F) war populär, und in einigen Fällen wurden eine fünfte Schnur oder die sogar sechste Schnur (F Ein D F) hinzugefügt. Die Beliebtheit des Instrumentes wird in der zweiten Ausgabe von Leopold Mozart seines Violinschule dokumentiert, wo er schreibt, dass "Man schwierige Durchgänge hervorbringen kann, die mit dem Fünf-Schnuren-violone leichter sind, und ich ungewöhnlich schöne Leistungen von Konzerten, Trio, Solo, usw." gehört

habe

Das frühste bekannte Konzert für den Kontrabass wurde von Joseph Haydn ca.1763 geschrieben, und wird verloren in einem Feuer an der Bibliothek von Eisenstadt gewagt. Die frühsten bekannten vorhandenen Konzerte sind durch Karl Ditters von Dittersdorf, der zwei Konzerte für den Kontrabass und eine Sinfonie Concertante für die Viola und den Kontrabass zusammengesetzt hat. Andere Komponisten, die Konzerte von dieser Periode geschrieben haben, schließen Johann Baptist Vanhal, Franz Anton Hoffmeister (3 Konzerte), Leopold Kozeluch, Anton Zimmermann, Antonio Capuzzi, Wenzel Pichl (2 Konzerte), und Johannes Matthias Sperger (18 Konzerte) ein. Während viele dieser Namen Leitfiguren zum Musik-Publikum ihrer Zeit waren, sind sie durch zeitgenössische Zuschauer allgemein unbekannt. Die Konzertarie von Wolfgang Amadeus Mozart, Pro Questa Bella Mano, K.612 für den Bass, die selbstständige Kontrabass-Begleitstimme und das Orchester enthält das eindrucksvolle Schreiben für den Solokontrabass dieser Periode. Es bleibt populär unter beiden Sängern und doppelten Bassisten heute.

Der Kontrabass hat sich schließlich entwickelt, um die Bedürfnisse nach Orchestern zu passen, die niedrigere Zeichen und einen lauteren Ton verlangt haben. Die doppelten Hauptbassisten von der Mitte-zu-spät des 18. Jahrhunderts, wie Josef Kämpfer, Friedrich Pischelberger und Johannes Mathias Sperger haben die "wienerische" Einstimmung verwendet. Bassist Johann Hindle (1792-1862), wer ein Konzert für den Kontrabass zusammengesetzt hat, hat für Einstimmung des Basses in Vierteln den Weg gebahnt, die einen Wendepunkt für den Kontrabass und seine Rolle in Soloarbeiten gekennzeichnet haben. Bassist Domenico Dragonetti war eine prominente Musikzahl und eine Bekanntschaft von Haydn und Ludwig van Beethoven. Sein Spielen war den ganzen Weg von seinem Heimatland Italien zu Tsardom Russlands bekannt, und er hat einen prominenten Platz gefunden, der in Konzerten mit der Philharmonischen Gesellschaft Londons leistet.

Die Freundschaft von Beethoven mit Dragonetti kann ihn angeregt haben, schwierige, getrennte Teile für den Kontrabass in seinen Symphonien, wie die eindrucksvollen Durchgänge in der dritten Bewegung der Fünften Symphonie, der zweiten Bewegung der Siebenten Symphonie und letzten Bewegung der Neunten Symphonie zu schreiben. Diese Teile verdoppeln den Cello-Teil nicht. Dragonetti hat zehn Konzerte für den Kontrabass und viele Soloarbeiten für den Bass und das Klavier geschrieben. Während des Aufenthalts von Rossini in London im Sommer 1824 hat er seinen Duetto für das Cello und den Kontrabass für Dragonetti und den Cellisten David Salomons zusammengesetzt. Dragonetti hat oft auf abgestimmtem G-D-A eines Kontrabasses der drei Schnur von oben bis unten gespielt. Der Gebrauch nur der drei ersten Schnuren war für Basssolisten und Hauptbassisten in Orchestern im 19. Jahrhundert populär, weil er den Druck auf die Holzspitze des Basses reduziert hat, der, wie man dachte, einen mehr widerhallenden Ton geschaffen hat. Ebenso waren die niedrigen während des 19. Jahrhunderts verwendeten "E"-Schnuren dicke aus Eingeweiden gemachte Schnuren, die schwierig waren, zu stimmen und zu spielen.

Die 1800er Jahre

Im 19. Jahrhundert wurden der Opernleiter, Komponist und Bassist Giovanni Bottesini als der "Paganini des Kontrabasses" seiner Zeit betrachtet. Seine Zusammensetzungen wurden im populären italienischen Opernstil des 19. Jahrhunderts geschrieben, die den Kontrabass in einem Weg ausnutzen, der im Voraus nicht gesehen wurde. Sie verlangen Virtuosic-Läufe und große Sprünge zu den höchsten Registern des Instrumentes sogar in den Bereich von Obertönen. Wie man betrachtete, waren diese Zusammensetzungen durch viele Bassisten im frühen Teil des 20. Jahrhunderts unbespielbar, aber werden jetzt oft durchgeführt. Während derselben Zeit ist eine prominente Schule von Bassspielern im tschechischen Gebiet entstanden, der Franz Simandl, Theodore Albin Findeisen, Josef Hrabe, Ludwig Manoly und Adolf Mišek eingeschlossen hat. Simandl und Hrabe waren auch Erzieher, deren Methode-Bücher und Studien fortsetzen, in modernen Zeiten verwendet zu werden.

Gegenwart der 1900er Jahre

Die Leitfigur des Kontrabasses am Anfang des 20. Jahrhunderts war Serge Koussevitzky, am besten bekannt als Leiter des Bostoner Sinfonieorchesters, das den Kontrabass in modernen Zeiten als ein Soloinstrument verbreitet hat. Wegen Verbesserungen zum Kontrabass mit Stahlschnuren und besseren Einstellungen wird der Bass jetzt an einem fortgeschritteneren Niveau gespielt als jemals vorher, und immer mehr haben Komponisten Arbeiten für den Kontrabass geschrieben. Mitte des Jahrhunderts und in den folgenden Jahrzehnten wurden viele neue Konzerte für den Kontrabass, einschließlich des Konzertes von Nikos Skalkottas (1942), das Konzert von Eduard Tubin (1948), der Concertino von Lars-Erik Larsson (1957), das Konzert von Gunther Schuller (1962) und das Konzert von Hans Werner Henze (1966) geschrieben.

Von den 1960er Jahren bis zum Ende des Jahrhunderts war Gary Karr der Hauptbefürworter des Kontrabasses als ein Soloinstrument und war im Beauftragen energisch oder Hunderte von neuen Arbeiten und Konzerten geschrieben besonders für ihn zu haben. Karr wurde der berühmte Solokontrabass von Koussevitzky von Olga Koussevitsky gegeben und hat ihn in Konzerten um die Welt seit 40 Jahren vor abwechselnd dem Geben des Instrumentes zur Internationalen Gesellschaft von Bassisten für talentierte Solisten gespielt, um im Konzert zu verwenden. Ein anderer wichtiger Darsteller in dieser Periode, Bertram Turetzky, beauftragt und premiered mehr als 300 Kontrabass-Arbeiten.

In den 1970er Jahren und 1980er Jahren haben neue Konzerte den Divertimento von Nino Rota für den Kontrabass und das Orchester (1973), das Konzert von Jean Françaix (1975), der Engel von Einojuhani Rautavaara des Halbdunkels (1980), das Konzert von Gian Carlo Menotti (1983), das Konzert von Christopher Rouse (1985) und die Geisternetze von Henry Brant (1988) eingeschlossen. Im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts schließen neue Konzerte das Konzert von Kalevi Aho (2005), das Konzert von John Harbison für die Bassviola (2006) und das Doppelte Konzert von André Previn für die Geige, den Kontrabass und das Orchester (2007) ein.

Reinhold Glière hat ein Intermezzo und Tarantella für den Kontrabass und das Klavier, Op geschrieben. 9, Nr. 1 und Nr. 2 und Praeludium und Scherzo für den Kontrabass und das Klavier, Op. 32 Nr. 1 und Nr. 2. Paul Hindemith hat eine rhythmisch schwierige Kontrabass-Sonate 1949 geschrieben. In der Sowjetunion Mieczysław hat Weinberg seine Sonate Nr. 1 für das Kontrabass-Solo 1971 geschrieben. Giacinto Scelsi hat zwei Kontrabass-Stücke genannt Nuits 1972, und dann 1976 geschrieben, er hat Maknongan, einem Stück für jedes niedrig-stimmige Instrument, wie Kontrabass, Kontrafagott oder Tuba geschrieben. Vincent Persichetti hat Soloarbeiten geschrieben — den er "Gleichnisse" — nach vielen Instrumenten genannt hat. Er hat Gleichnis XVII für den Kontrabass, Op geschrieben. 131 1974. Sofia Gubaidulina hat eine Sonate für den Kontrabass und das Klavier 1975 eingepfercht. 1977 hat holländisch-ungarischer Komponist Geza Frid eine Reihe von Schwankungen über Den Elefanten von Le Carnaval des Animaux von Saint-Saëns für den scordatura Kontrabass und das Schnur-Orchester geschrieben. 1987 hat Lowell Liebermann seine Sonate für den Kontrabass und das Klavier Op.24 geschrieben. Fernando Grillo hat das "Gefolge Nr. 1" für den Kontrabass (1983/2005) geschrieben. Jacob Druckman hat ein Stück für den Solokontrabass genannt Valentinsgruß geschrieben. US-Kontrabass-Solist und Komponist Bertram Turetzky (geborener 1933) haben durchgeführt und mehr als 300 Stücke registriert, die durch und für ihn geschrieben sind. Er schreibt Kammermusik, barocke Musik, klassisch, Jazz-, Renaissancemusik, improvisierte Musik und Weltmusik

Amerikanischer Minimalist-Komponist Philip Glass hat geschrieben, dass sich eine Einleitung auf das niedrigere Register konzentriert hat, das er für Kesselpauken und Kontrabass eingekerbt hat. Italienischer Komponist Sylvano Bussotti, dessen das Bestehen von Karriere-Spannen von den 1930er Jahren bis zum ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts, hat eine Soloarbeit für den Bass 1983 genannt das Nackte Engel-Gesicht pro contrabbasso geschrieben. Italienischer Mitkomponist Franco Donatoni hat ein Stück genannt Lem für contrabbasso in demselben Jahr geschrieben. 1989 hat französischer Komponist Pascal Dusapin (geborener 1955) ein Solostück herbeigerufen und für den Kontrabass geschrieben. 1996 hat der Sorbonne-erzogene libanesische Komponist Karim Haddad Ce qui dort dans l'ombre sacrée zusammengesetzt ("Er, der in den heiligen Schatten" schläft) für das Radioanwesenheitsfest von Frankreich. Renaud Garcia-Fons (geborener 1962) ist ein französischer Kontrabass-Spieler und Komponist, der bemerkenswert ist, um sich auf Jazz, Leute und asiatische Musik für Aufnahmen seiner Stücke wie östlicher Bass (1997) zu stützen. Zwei bedeutende neue für den Solobass geschriebene Arbeiten, schließen Synchronisms Nr. 11 von Mario Davidovsky für den Kontrabass und die elektronischen Töne und die Erfindung von Elliott Carter III, für den Solokontrabass ein. Der deutsche Komponist Gerhard Stäbler hat Co-Wie Kobalt (1989-90), "... eine Musik für das Kontrabass-Solo und großartige Orchester geschrieben." Charles Wuorinen hat mehrere wichtige Arbeiten zum Repertoire, Nebenprodukt-Trio für Kontrabass, Geige und Conga-Trommeln und Trio für Bassinstrument-Kontrabass, Tuba und Bassposaune, und 2007 Synaxis für Kontrabass, Horn, Oboe und Klarinette mit Kesselpauken und Schnuren hinzugefügt. Die neueste Position im Repertoire ist ein Gefolge "Sieben Schirm-Schüsse" für den Kontrabass und das Klavier (2005) durch den ukrainischen Komponisten Alexander Shchetynsky mit dem Soloteil, der viele unkonventionelle Methoden einschließt, den Kontrabass zu spielen.

Kammermusik mit dem Kontrabass

Da es kein feststehendes instrumentales Ensemble gibt, das den Kontrabass einschließt, ist sein Gebrauch in der Kammermusik so nicht erschöpfend gewesen wie die Literatur für Ensembles wie das Streichquartett oder Klavier-Trio. Trotzdem gibt es eine bedeutende Zahl von Raum-Arbeiten, die den Kontrabass sowohl in kleinen als auch in großen Ensembles vereinigen.

Es gibt einen kleinen Körper von Arbeiten, die für das Klavier-Quintett mit der Instrumentierung von Klavier, Geige, Viola, Cello und Kontrabass geschrieben sind. Das berühmteste ist das Klavier-Quintett von Franz Schubert in Einem Major, bekannt als "Das Forellenquintett" für seinen Satz von Schwankungen in der vierten Bewegung von Schubert Sterben Forelle. Andere Arbeiten für diese von grob derselben Periode geschriebene Instrumentierung schließen diejenigen durch Johann Nepomuk Hummel, George Onslow, Jan Ladislav Dussek, Louise Farrenc, Ferdinand Ries, Franz Limmer, Johann Baptist Cramer und Hermann Goetz ein. Spätere Komponisten, die Raum-Arbeiten für dieses Quintett geschrieben haben, schließen Ralph Vaughan Williams, Colin Matthews, Jon Deak, Frank Proto und John Woolrich ein. Ein bisschen größere Sextette, die für das Klavier, das Streichquartett und den Kontrabass geschrieben sind, sind von Felix Mendelssohn, Michail Glinka, Richard Wernick und Charles Ives geschrieben worden.

Im Genre von Schnur-Quintetten gibt es einige Arbeiten für das Streichquartett mit dem Kontrabass. Antonín Dvořák's Schnur-Quintett im G Major, Op.77 Ständchen und Wolfgang Amadeus Mozarts im G Major, K.525 ("Eine kleine Nachtmusik") sind die populärsten Stücke in diesem Repertoire, zusammen mit Arbeiten von Darius Milhaud, Luigi Boccherini (3 Quintette), Harold Shapero und Paul Hindemith.

Ein bisschen kleinere Schnur-Arbeiten mit dem Kontrabass schließen sechs Schnur-Sonaten durch Gioachino Rossini, für zwei Geigen, Cello und Kontrabass geschrieben im Alter von zwölf Jahren über den Kurs von drei Tagen 1804 ein. Diese bleiben seine berühmtesten instrumentalen Arbeiten und sind auch an das Windquartett angepasst worden. Franz Anton Hoffmeister hat vier Streichquartette für Solokontrabass, Geige, Viola und Cello im D Major geschrieben.

Größere Arbeiten, die den Kontrabass vereinigen, schließen das Septett von Beethoven in die E-Wohnung größer, Op.20, eines seiner berühmtesten Stücke während seiner Lebenszeit ein, die aus Klarinette, Horn, Fagott, Geige, Viola, Cello und Bass besteht. Als der Klarinettist Ferdinand Troyer eine Arbeit von Franz Schubert für ähnliche Kräfte beauftragt hat, hat er eine mehr Geige für sein Oktett im F Major, D.803 hinzugefügt. Paul Hindemith hat dieselbe Instrumentierung wie Schubert für sein eigenes Oktett verwendet. Im Bereich von noch größeren Arbeiten hat Mozart den Kontrabass zusätzlich zu 12 Blasinstrumenten für sein Ständchen "der Omi Partita" eingeschlossen, K.361 und Martinů haben den Kontrabass in seinem nonet für Windquintett, Geige, Viola, Cello und Kontrabass verwendet.

Andere Beispiele von Raum-Arbeiten, die den Kontrabass in Mischensembles verwenden, schließen das Quintett von Serge Prokofiev in den G Minderjährigen, Op.39 für Oboe, Klarinette, Geige, Viola und Kontrabass ein; der Concertino von Erwin Schulhoff für die Flöte/Pikkoloflöte, die Viola und den Kontrabass; die Walzer von Fred Lerdahl für Geige, Viola, Cello und Kontrabass; die Litanei von Mohammed Fairouz für den Kontrabass und das Windquartett; der Festino von Mario Davidovsky für Gitarre, Viola, Cello und Kontrabass; und der Morsima-Amorsima von Iannis Xenakis für Klavier, Geige, Cello und Kontrabass. Es gibt auch neue Musik-Ensembles, die den Kontrabass wie Zeit für Drei und PROJEKT-Trio verwerten.

Orchesterdurchgänge und Solo

Der Kontrabass in den barocken und klassischen Perioden würde normalerweise doppelt der Cello-Teil in Orchesterdurchgängen. Eine bemerkenswerte Ausnahme würde Haydn sein, der Solodurchgänge für den Kontrabass in seinen Symphonien Nr. 6 von Le Matin, Nr. 7 von Le midi, Nr. 8 von Le Soir, Hornsignal Nr. 31 und Nr. 45 Lebt wohl! zusammengesetzt hat, aber wer sonst den Bass und die Cello-Teile zusammen gruppieren würde. Beethoven hat für getrennte Kontrabass-Teile den Weg geebnet, die mehr im romantischen Zeitalter üblich geworden sind. Das Scherzo und Trio aus der Fünften Symphonie von Beethoven sind berühmte Orchesterexzerpte, wie das Rezitativ am Anfang der vierten Bewegung der Neunten Symphonie von Beethoven ist.

Während Orchesterbasssolo etwas selten ist, gibt es einige bemerkenswerte Beispiele. Johannes Brahms, dessen Vater ein Kontrabass-Spieler war, hat viele schwierige und prominente Teile für den Kontrabass in seinen Symphonien geschrieben. Richard Strauss hat den Kontrabass mutige Teile zugeteilt, und seine symphonischen Gedichte und Opern strecken das Instrument zu seinen Grenzen." Der Elefant" von Camille Saint-Saëns Der Karneval der Tiere ist ein satirisches Bildnis des Kontrabasses und amerikanischer Virtuose Gary Karr, hat sein im Fernsehen übertragenes Debüt gemacht, "Den Schwan" (ursprünglich geschrieben für das Cello) mit der New Yorker von Leonard Bernstein geführten Philharmonie spielend. Die dritte Bewegung der ersten Symphonie von Gustav Mahler zeigt ein Solo für den Kontrabass, der das Lied der Kinder Frere Jacques ansetzt, der in einen geringen Schlüssel umgestellt ist. Leutnant von Sergei Prokofiev Kijé Suite zeigt ein schwieriges und sehr hohes Kontrabass-Solo in der "romanischen" Bewegung. Benjamin Britten das Handbuch der Jungen Person zum Orchester enthält einen prominenten Durchgang für die Kontrabass-Abteilung.

Kontrabass-Ensembles

Ensembles zusammengesetzt völlig aus Kontrabässen, obwohl relativ selten, bestehen auch, und mehrere Komponisten haben geschrieben oder für solche Ensembles Vorkehrungen getroffen. Zusammensetzungen für vier Kontrabässe bestehen durch Gunther Schuller, Jacob Druckman, James Tenney, Robert Ceely, Jan Alm, Bernhard Alt, Norman Ludwin, Frank Proto, Joseph Lauber, Erich Hartmann, Colin Brumby, Miloslav Gajdos und Theodore Albin Findeisen. Bertold Hummel hat eine Sinfonie piccola http://www.bertoldhummel.de/english/commentaries/opus_66.html für acht Kontrabässe geschrieben. Größere Ensemble-Arbeiten schließen die Komposition Nr. 2 von Galina Ustvolskaya ein, "Stirbt Irae" (1973), für acht Kontrabässe, Klavier, und Holzwürfel, George von Jose Serebrier und Muriel (1986), für den Solobass, das Kontrabass-Ensemble und den Chor, und Gerhard Samuel Was meiner Musik! (1979), für den Sopran, das Schlagzeug und die 30 Kontrabässe.

Aktive Kontrabass-Ensembles schließen L'Orchestre de Contrebasses (6 Mitglieder), Instinkt von Bass (6 Mitglieder), Bassiona Amorosa (6 Mitglieder), Chicago Ensemble von Bass (4 + Mitglieder), Die Bande von Bass (4 Mitglieder), das Londoner Kontrabass-Ensemble (6 Mitglieder) gegründet von Mitgliedern des Philharmonia Orchesters Londons ein, das die LPMusic Zwischenspiele durch das Londoner Kontrabass-Ensemble auf Bruton Musik-Aufzeichnungen, Brnoer Kontrabass-Orchester (14 Mitglieder) gegründet vom Kontrabass-Professor an der Janáček Musikhochschule und den Darstellenden Künsten und dem Hauptkontrabass-Spieler am Brnoer Philharmonie-Orchester - Miloslav Jelinek und die Ensembles der Staatlichen Ball-Universität (12 Mitglieder), Shenandoah Konservatorium und die Hartt Schule der Musik erzeugt hat. Die Basis von Amarillo Bass von Amarillo, Texas hat einmal 52 doppelte Bassisten gezeigt, und Der Londoner Kontrabass-Ton, die eine CD auf Cala-Aufzeichnungen veröffentlicht haben, hat 10 Spieler.

Außerdem leisten die Kontrabass-Abteilungen von einigen Orchestern als ein Ensemble, wie das Chikagoer Sinfonieorchester Gemahl von Wacker. Es gibt eine steigende Zahl von veröffentlichten Zusammensetzungen und Maßnahmen für Kontrabass-Ensembles, und die Internationale Gesellschaft von Bassisten zeigt regelmäßig Kontrabass-Ensembles (beide kleineren Ensembles sowie sehr große "" Massenbassensembles) auf seinen Konferenzen, und sponsert die zweijährliche Zusammensetzungskonkurrenz von David Walter, die eine Abteilung für Kontrabass-Ensemble-Arbeiten einschließt.

Verwenden Sie im Jazz

1890 beginnend, war das frühe Jazzensemble von New Orleans (der eine Mischung von Märschen, Ragtime und Dixieland gespielt hat) am Anfang ein marschierendes Band mit einer Tuba oder sousaphone (oder gelegentlich Basssaxofon) Versorgung der Basslinie. Da die Musik in Bars und Bordelle umgezogen ist, hat der aufrechte Bass allmählich diese Blasinstrumente ersetzt. Viele frühe Bassisten haben auf beiden den Messingbass und Schnur-Bass verdoppelt, weil auf die Instrumente dann häufig verwiesen wurde. Bassisten haben "Spazier"-Basslinien — Skala-basierte Linien gespielt, die die Harmonie entworfen haben.

Weil ein unverstärkter aufrechter Bass allgemein das ruhigste Instrument in einer Jazzband ist, haben viele Spieler der 1920er Jahre und der 1930er Jahre den Schlag-Stil verwendet, schlagend und die Schnuren ziehend, so dass sie einen rhythmischen "Schlag"-Ton gegen das Griffbrett machen. Die Schlag-Stil-Kürzungen durch den Ton eines Bandes besser als das einfache Zupfen der Schnuren, und erlaubt der auf frühen gesunden Aufnahmen leichter zu hörende Bass, weil die Aufnahme-Ausrüstung dieser Zeit niedrige Frequenzen nicht bevorzugt hat. Für mehr über den Schlag-Stil, sieh Moderne spielende Stile unten.

Viele aufrechte Bassspieler haben zur Evolution des Jazz beigetragen. Beispiele schließen Schwingen-Zeitalter-Spieler wie Jimmy Blanton ein, der mit Duke Ellington und Oskar Pettiford gespielt hat, der für den Gebrauch des Instrumentes in bebop den Weg gebahnt hat. Paul Chambers (wer mit Miles Davis an der berühmten Art des Blauen Albums gearbeitet hat), erreichter Ruhm dafür, einer der ersten Jazzbassisten zu sein, um bebop Solo mit dem Bogen zu spielen. Terry Plumeri hat die Entwicklung vom (gebeugten) Solo von arco gefördert, hornähnliche technische Freiheit und einen klaren, stimmlichen gebeugten Ton erreichend, während Charlie Haden, der für seine Arbeit mit Ornette Coleman am besten bekannt ist, die Rolle des Basses im Freien Jazz definiert hat.

Mehrere andere Bassisten, wie Ray Brown, Slam Stewart und Niels-Henning Ørsted Pedersen, waren zur Geschichte des Jazz zentral. Namentlich war Charles Mingus ein hoch angesehener Komponist sowie ein Bassist, der für seine technische Virtuosität und starken Ton bemerkt ist. Scott LaFaro hat eine Generation von Musikern beeinflusst, indem er den Bass vom kontrapunktischen "Wandern" hinter Solisten befreit hat, die stattdessen interaktive, gesprächige Melodien bevorzugen.

Während die elektrische Bassgitarre periodisch auftretend im Jazz schon in 1951 verwendet wurde, im Bassisten der 1970er Jahre Bob Cranshaw beginnend, mit dem Saxofonisten Sonny Rollins spielend, und Fusionspioniere Jaco Pastorius und Stanley Clarke begonnen haben, gegen die Bassgitarre den aufrechten Bass allgemein auszuwechseln. Abgesondert von den Jazzstilen der Jazzfusion und des vom Latein beeinflussten Jazz jedoch ist der aufrechte Bass noch das dominierende Bassinstrument im Jazz. Der Ton und Ton des abgerissenen aufrechten Basses sind von dieser der zerfressenen Bassgitarre verschieden. Der aufrechte Bass erzeugt einen verschiedenen Ton als die Bassgitarre, weil seine Schnuren durch Metallverärgerungen nicht angehalten werden, stattdessen eine dauernde Tonreihe auf dem ununterbrochenen Griffbrett habend. Ebenso haben Bassgitarren gewöhnlich einen festen Holzkörper, was bedeutet, dass ihr Ton durch die elektronische Erweiterung des Vibrierens der Schnuren statt des akustischen Widerhalls des aufrechten Basses erzeugt wird.

Verwenden Sie im Wiesenrispengras und den verwandten Genres

Der Schnur-Bass ist das meistens verwendete Bassinstrument in der Wiesenrispengras-Musik und wird fast immer abgerissen, obwohl einige moderne Wiesenrispengras-Bassisten auch einen Bogen verwendet haben. Der Wiesenrispengras-Bassist ist ein Teil der Rhythmus-Abteilung, und ist dafür verantwortlich, einen unveränderlichen geschlagen, ob schnell, langsam, in der 4/4 Zeit, 2/4 oder 3/4 Zeit zu halten. Die Engelhardt-Verbindung (früher Kay) Marken von Folie-Bässen ist lange populäre Wahlen für Wiesenrispengras-Bassisten gewesen. Die meisten Wiesenrispengras-Bassisten verwenden den 3/4 Größe-Bass, aber die lebensgroßen und 5/8 Größe-Bässe werden auch verwendet.

Frühes Vorwiesenrispengras traditionelle Musik wurde häufig durch das Cello begleitet. Der Cellist Natalie Haas weist darauf hin, dass in den Vereinigten Staaten Sie "... alte Fotographien und sogar alte Aufnahmen amerikanischer Schnur-Bänder mit dem Cello finden können." Jedoch, "Das Cello fallen gelassen außer Sicht in der Volksmusik, und ist verbunden mit dem Orchester geworden." Das Cello ist im Wiesenrispengras bis zu den 1990er Jahren und dem ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts nicht wieder erschienen. Einige zeitgenössische Wiesenrispengras-Bänder bevorzugen den elektrischen Bass, weil es leichter ist zu transportieren als der große und etwas zerbrechliche aufrechte Bass. Jedoch hat die Bassgitarre einen verschiedenen Musikton. Viele Musiker fühlen den langsameren Angriff, und der waldige Schlagton des aufrechten Basses gibt ihm einen "derberen" oder "natürlichen" Ton als ein elektrischer Bass besonders wenn Eingeweide-Schnuren verwendet werden.

Allgemeine Rhythmen im Wiesenrispengras-Bassspielen schließen (mit einigen Ausnahmen) ein, darauf zupfend, schlägt 1 und 3 in der 4/4 Zeit; schlägt 1 und 2 in der 2/4 Zeit, und auf dem pessimistischen in der 3/4 Zeit (Walzer-Zeit). Wiesenrispengras-Basslinien sind gewöhnlich einfach, normalerweise die Wurzel und fünft jedes Akkords überall im grössten Teil eines Liedes länger bleibend. Es gibt zwei Hauptausnahmen zu dieser Regel. Wiesenrispengras-Bassisten tun häufig einen diatonischen walkup oder walkdown, in dem sie jede geschlagene von einer Bar für eine oder zwei Bars normalerweise spielen, wenn es eine Akkord-Änderung gibt. Außerdem, wenn einem Bassspieler ein Solo gegeben wird, können sie eine Spazierbasslinie mit einem Zeichen auf jedem geschlagenen spielen oder einen pentatonischen Skala-beeinflussten bassline spielen.

Ein früher Wiesenrispengras-Bassist, um sich zur Bekanntheit zu erheben, war Howard Watts (auch bekannt als Cedric Rainwater), wer mit den Blauen Gras-Jungen von Bill Monroe gespielt hat, die 1944 beginnen. Der klassische Bassist Edgar Meyer hat sich oft in newgrass, aus alter Zeit, andere und Jazzgenres ausgebreitet.

"Mein Liebling aller Zeiten ist Todd Phillips," hat Vereinigungsstationsbassist Barry Bales im April 2005 öffentlich verkündigt. "Er hat eine völlig verschiedene Denkart und das Spielen des Wiesenrispengrases verursacht."

Ein aufrechter Bass war das Standardbassinstrument im traditionellen Land Westmusik. Während der aufrechte Bass noch gelegentlich in der Countrymusic verwendet wird, hat der elektrische Bass seinen größeren Vetter in der Countrymusic, besonders in den mehr Knall-aufgegossenen Landstilen der 1990er Jahre und der 2000er Jahre wie neues Land größtenteils ersetzt.

Mit dem Schlag artiger Bass

Mit dem Schlag artiger Bass wird manchmal im Wiesenrispengras-Bassspielen verwendet. Wenn Wiesenrispengras-Bassspieler die Schnur schlagen, indem sie es ziehen, bis es das Griffbrett schlägt oder die Schnuren gegen das Griffbrett geschlagen hat, fügt es den hohen Schlag"Klang-" oder "Schlag"-Ton zu den tiefen Basszeichen hinzu, viel wie die Klänge eines Stepptänzers klingend. Das Schlagen ist ein Thema der geringen Meinungsverschiedenheit in der Wiesenrispengras-Szene. Sogar das Schlagen von Experten wie Mike Bub sagt, "Schlagen auf jeder Rauhmaschine," oder in Liedern nicht, wo es nicht passend ist. Ebenso schlagen Wiesenrispengras-Bassisten, die mit dem Schlag artig auf lebenden Shows häufig spielen, weniger auf Aufzeichnungen. Bub und sein Mentor Jerry McCoury schlagen selten Bass auf Aufnahmen. Während Bassisten wie Schlag-Bass von Jack Cook auf dem gelegentlichen schneller "Clinch-Bergjunge-Lied," schlagen Bassisten wie Gene Libbea, Missy Raines, Jenny Keel und Barry Bales [selten] Bass.

Wiesenrispengras-Bassist Mark Schatz, der Schlag-Bass in seiner Zwischenwiesenrispengras-Bass-DVD unterrichtet, gibt zu, dass Schlag-Bass "... in der Musik nicht stilistisch sehr vorherrschend gewesen ist, die ich registriert habe." Er bemerkt, dass "Sogar im traditionellen Wiesenrispengras schlagen, erscheint Bass nur sporadisch und der grösste Teil davon, wem ich getan habe, ist auf der zeitgenössischeren Seite davon (Tony Rice, Tim O'Brien) gewesen." Schatz stellt fest, dass er es... mit größerer Wahrscheinlichkeit [Schlag] in einer lebenden Situation "verwenden würde als auf einer Aufnahme — für ein Solo oder einen besonderen Platz in einem Lied oder Melodie zu interpunktieren, wo ich jemandes Solo nicht auslöschen würde." Eine andere Wiesenrispengras-Methode, Lernen Sie, Wiesenrispengras-Bass durch Earl Gately Zu spielen, auch lehrt, dass Wiesenrispengras Basstechnik schlägt.

Verwenden Sie in der volkstümlichen Musik

1952 war der aufrechte Bass ein Standardinstrument in der Musik des Rock 'n' Rolls, Marshall Lytle von Bill Haley & His Comets zu sein, aber ein Beispiel.

In den 1940er Jahren hat ein neuer Stil der Tanzmusik Rhythmus und Niedergeschlagenheit entwickelte, sich vereinigende Elemente der früheren Stile der Niedergeschlagenheit und des Schwingens genannt. Louis Jordan, der erste Neuerer dieses Stils, hat einen aufrechten Bass in seiner Gruppe, der Tympany Fünf gezeigt. Der aufrechte Bass ist ein integraler Bestandteil von Knall-Aufstellungen im Laufe der 1950er Jahre geblieben, weil das neue Genre des Rock 'n' Rolls größtenteils auf das Modell des Rhythmus und der Niedergeschlagenheit, mit starken Elementen auch abgeleitet aus Jazz, Land und Wiesenrispengras gebaut wurde. Jedoch haben aufrechte Bassspieler, die ihre Instrumente in diesen Zusammenhängen verwenden, innewohnenden Problemen gegenübergestanden. Sie wurden gezwungen, sich mit lauteren Horninstrumenten zu bewerben (und hat später elektrische Gitarren verstärkt), Bassteile schwierig machend, zu hören. Der aufrechte Bass ist schwierig, in lauten Konzerttreffpunkt-Einstellungen ausführlicher zu erläutern, weil es für das Feed-Back-Heulen anfällig sein kann. Der aufrechte Bass ist groß und ungeschickt, um zu transportieren, der auch Transport-Probleme für Reisebänder geschaffen hat. In einigen Gruppen wurde der Schlag-Bass als Band-Schlagzeug anstatt eines Drummers verwertet; solcher ist mit Bill Haley & His Saddlemen der Fall gewesen (die Vorzeichen-Gruppe zu den Kometen), der Drummer auf Aufnahmen und lebenden Leistungen bis zum Ende 1952 nicht verwendet hat; davor wurde auf den Schlag-Bass für das Schlagzeug, einschließlich auf Aufnahmen wie die Versionen von Haley des Felsens das Gelenk und die Rakete 88 verlassen.

1951 hat Löwe-Schutzvorrichtung unabhängig seinen Präzisionsbass, die erste gewerblich erfolgreiche elektrische Bassgitarre veröffentlicht. Der elektrische Bass wurde mit seinen eingebauten Erholungen leicht verstärkt, (weniger als ein Fuß leicht tragbar, der länger ist als eine elektrische Gitarre), und leichter ist, in der Melodie dank der Metallverärgerungen zu spielen. In den 1960er Jahren und 1970er Jahren spielten Bänder an lauteren Volumina und leisteten in größeren Treffpunkten. Der elektrische Bass ist im Stande gewesen, das riesige zur Verfügung zu stellen, hat hoch Stadion füllenden Basston verstärkt, dass die Popmusik und der Rock dieses Zeitalters gefordert, und der aufrechte Bass vom Rampenlicht der Szene der volkstümlichen Musik zurückgetreten sind.

Der aufrechte Bass hat begonnen, ein bescheidenes Come-Back in der volkstümlichen Musik Mitte der 1980er Jahre, teilweise wegen eines erneuerten Interesses an früheren Formen des Rocks und der Countrymusic zu machen. In den 1990er Jahren haben Verbesserungen in Erholungen und Verstärker-Designs für electro-akustische horizontale und aufrechte Bässe es leichter für Bassisten gemacht, einen guten, klaren verstärkten Ton von einem akustischen Instrument zu bekommen. Einige populäre Bänder haben sich dafür entschieden, ihren Ton mit einem aufrechten Bass statt eines elektrischen Basses zu verankern. Eine Tendenz für "herausgezogene" Leistungen hat weiter geholfen, das Interesse des Publikums an den aufrechten akustischen und Bassbassgitarren zu erhöhen.

Peter Steele, Bassist/Vokalist für den gotischen metallenen Negativen Band-Typ O, war berühmt, für gelegentlich einen aufrechten wie eine Gitarre gehaltenen Bass zu spielen. Diese Leistung wurde möglich nur durch seine beträchtliche Höhe (6'8") gemacht.

Der aufrechte Bass wird auch über die elektrische Bassgitarre in vielen rockabilly und psychobilly Bändern bevorzugt. In solchen Bändern spielt der Bassist häufig mit der großen Publikumswirksamkeit mit der schlagenden Technik, manchmal den Bass ringsherum spinnend oder sogar physisch auf das Instrument kletternd, während er leistet; für diesen Stil wurde c den Weg gebahnt. 1953 durch Marshall Lytle, den Bassisten für Bill Haley & His Comets, und moderne Darsteller solcher Glanzstücke schließt Lee-Rocker der Streukatzen, Phil Bloomberg Der Iltisse, Scott Owen vom Lebenden Ende und Jimbo Wallace von Der Ehrwürdigen Hitze von Horton ein. Der Les Claypool von Primus hat einen aufrechten Bass für das Lied Herr Krinkle, von Schweinefleisch-Soda, und für das Lied Über die Fälle vom Braunen Album verwendet.

Athol Guy der australischen Leute/Popgruppe Die Sucher spielt einen aufrechten Bass. Shannon Burchell, der australischen Volksrockgruppe Das Trio von John Butler, macht umfassenden Gebrauch von aufrechten Bässen, erweitertes lebendes Solo in Liedern wie Betterman durchführend. Auf dem 2008-Album im Ear Park durch die indie/pop Band-Abteilung von Adlern wird ein gebeugter aufrechter Bass ganz prominent auf den Liedteenagern und im Ear Park gezeigt. Norwegische Ompa-Rockband Kaizers Orchester-Gebrauch der aufrechte Bass exklusiv leben beide und von ihren Aufnahmen.

Die Bassspieler von III von Hank Williams (Joe Buck und Zach Shedd, am meisten namentlich) haben aufrechte Bässe für die Aufnahme sowie während des Landes und der Sätze von Hellbilly der lebenden Leistungen von III des Strangs vor der Schaltung zum elektrischen Bass für den Satz von Assjack verwendet.

Moderne spielende Stile

In Genres der volkstümlichen Musik wird das Instrument gewöhnlich mit der Erweiterung gespielt und fast exklusiv mit den Fingern, pizzicato Stil gespielt. Der pizzicato Stil ändert sich zwischen verschiedenen Spielern und Genres. Einige Spieler leisten mit den Seiten ein, zwei, oder drei Finger besonders, um basslines und langsame Tempo-Balladen spazieren zu gehen, weil das behauptet wird, um einen stärkeren und festeren Ton zu schaffen. Einige Spieler verwenden die flinkeren Tipps der Finger, um schnell bewegende Solodurchgänge zu spielen oder leicht für ruhige Melodien zu zupfen. Der Gebrauch der Erweiterung erlaubt dem Spieler, mehr Kontrolle über den Ton des Instrumentes zu haben, weil Verstärker Gleichungssteuerungen haben, die dem Bassisten erlauben, bestimmte Frequenzen (häufig die Bassfrequenzen) während De-Betonen einige Frequenzen zu akzentuieren (häufig die hohen Frequenzen, so dass es weniger Finger-Geräusch gibt).

Ein Ton eines unverstärkten akustischen Basses wird durch die Frequenzansprechbarkeit des hohlen Körpers des Instrumentes beschränkt, was bedeutet, dass die sehr niedrigen Würfe so nicht laut sein können wie die höheren Würfe. Mit einem Verstärker und Gleichungsgeräten kann ein Bassspieler die niedrigen Frequenzen erhöhen, der die Frequenzantwort ausgleicht. Außerdem kann der Gebrauch eines Verstärkers das Stützen des Instrumentes vergrößern, das für die Begleitung während Balladen und für das melodische Solo mit gehaltenen Zeichen besonders nützlich ist.

In traditionellem Jazz, Schwingen, Polka, rockabilly, und psychobilly Musik, wird es manchmal im Schlag-Stil gespielt. Das ist eine kräftige Version von pizzicato, wo die Schnuren gegen das Griffbrett zwischen den Hauptzeichen der Basslinie "geschlagen" werden, einen einer kleinen Trommel ähnlichen Schlagton erzeugend. Die Hauptzeichen werden entweder normalerweise oder dadurch gespielt, die Schnur vom Griffbrett wegzuziehen und es zu veröffentlichen, so dass es vom Griffbrett springt, einen kennzeichnenden Schlagangriff zusätzlich zum erwarteten Wurf erzeugend. Bemerkenswerte Schlag-Stil-Bassspieler, deren Gebrauch der Technik häufig hoch synkopiert wurde und virtuosic, haben manchmal zwei, drei, vier, oder mehr Schläge zwischen Zeichen der Basslinie interpoliert.

"Schlag-Stil" kann elektrische Bassgitarrenspieler beeinflusst haben, die, von der Mitte der sechziger Jahre (besonders Larry Graham von Schlauen und dem Familienstein), eine Technik genannt Schlag entwickelt haben und knallen Sie, der den Daumen der zupfenden Hand verwendet hat, um die Schnur zu schlagen, einen schlagenden Ton machend, aber noch das Zeichen lassend, und der Index oder Mittelfinger der zupfenden Hand klingeln, um die Schnur so zurückzuziehen, schlägt es den fretboard, den Knall-Ton erreichend, der oben beschrieben ist.

Doppelte Bassisten

Historisch

• Domenico Dragonetti (1763-1846) Virtuose, Komponist, Leiter
• Giovanni Bottesini (1821-1889) Virtuose, Komponist, Leiter
• Franz Simandl (1840-1912) Virtuose, Komponist, Erzieher
• Edouard Nanny (1872-1943) Virtuose, Komponist
• Serge Koussevitzky (1874-1951) Virtuose, Komponist, Leiter

Zeitgenössisch (Gegenwart der 1900er Jahre)

Klassisch

Einige der einflussreichsten zeitgenössischen klassischen Kontrabass-Spieler sind so viel für ihre Beiträge zur Unterrichtsmethode bezüglich ihrer leistenden Sachkenntnisse bekannt wie amerikanischer Bassist Oskar G. Zimmerman (1910-1987), für sein Unterrichten in der Schule von Eastman der Musik und, seit 44 Sommern am Interlochen Nationalen Musik-Lager in Michigan und französischem Bassisten François Rabbath bekannt (b. 1931), wer eine neue Bassmethode entwickelt hat, die das komplette Griffbrett in sechs Positionen geteilt hat. Für ihre Virtuose-Solosachkenntnisse bemerkte Bassisten schließen kanadischen Spieler Gary Karr ein (b. 1941), finnischer Komponist Teppo Hauta-Aho (b. 1941), italienischer Komponist Fernando Grillo und amerikanischer Spieler-Komponist Edgar Meyer. Für eine längere Liste, sieh die Liste von zeitgenössischen klassischen Kontrabass-Spielern.

Jazz

Bemerkenswerte Jazzbassisten von den 1940er Jahren bis zu den 1950er Jahren haben Bassisten Jimmy Blanton (1918-1942) eingeschlossen, dessen kurze Amtszeit im Schwingen-Band von Duke Ellington (unterbrochen durch seinen Tod durch Tuberkulose) neue melodische und harmonische Soloideen für das Instrument eingeführt hat; Bassist Ray Brown (1926-2002), bekannt, um Beboppers Dizzy Gillespie, Oskar Peterson, Art Tatum und Charlie Parker zu unterstützen, und das Moderne Jazzquartett zu bilden; schwofen Sie hart Bassist Ron Carter (geborener 1937), wer auf 3,500 Alben erschienen ist, machen ihn einen der am meisten registrierten Bassisten in der Jazzgeschichte, einschließlich der LP durch Thelonious Monk und Wes Montgomery und viele Blaue Zeichen-Rekordkünstler; und Paul Chambers (1935-1969), ein Mitglied des Quintetts von Miles Davis (einschließlich der merklichen modalen Jazzaufnahme-Art des Blaus) und viele andere 1950er Jahre und Rhythmus-Abteilungen der 1960er Jahre, war für seine virtuosic Improvisationen bekannt.

In den experimentellen Postzeitaltern der 1960er Jahre, die die Entwicklung des freien Jazz und der Jazzfelsen-Fusion gesehen haben, haben einige der einflussreichen Bassisten Charles Mingus (1922-1979) eingeschlossen, wer auch ein Komponist und bandleader war, dessen Musik harten Bebop mit der schwarzen Evangelium-Musik, freier klassischer und Jazzmusik verschmolzen hat; freier Jazz- und Postbebop-Bassist Charlie Haden (geborener 1937) ist für seine lange Vereinigung mit dem Saxofonisten Ornette Coleman und für seine Rolle im Befreiungsmusik-Orchester des Zeitalters der 1970er Jahre, einer experimentellen Gruppe am besten bekannt; Eddie Gomez und George Mraz, der mit Bill Evans und Oskar Peterson beziehungsweise gespielt hat und sowohl anerkannt wird, Erwartungen der pizzicato Geläufigkeit und melodischen Phrasierung, Fusionsvirtuose Stanley Clarke gefördert zu haben (geborener 1951) sind für seine Flinkheit sowohl auf dem aufrechten Bass als auch auf dem elektrischen Bass und Terry Plumeri bemerkenswert, der für seine hornähnliche arco Geläufigkeit und stimmlichen Ton bemerkt ist. In den 1990er Jahren und das erste Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts war einer der neuen "jungen Löwen" Christian McBride (geborener 1972), wer mit einer Reihe von Veteran im Intervall von McCoy Tyner Fusionsgurus Herbie Hancock und Chick Corea geleistet hat, und wer Alben wie die Vertikale Vision von 2003 veröffentlicht hat. Ein anderer junger Bassist des Zeichens ist Esperanza Spalding (geborener 1984), wer, in 27 Jahren alt, bereits einen Grammy für den Besten Neuen Künstler gewonnen hat. Für eine längere Liste, sieh die Liste von Jazzbassisten, die sowohl Kontrabass als auch elektrische Bassspieler einschließt.

Andere populäre Genres

Zusätzlich dazu, ein bekannter klassischer Spieler zu sein, ist Edgar Meyer im Wiesenrispengras und den newgrass Kreisen weithin bekannt. Todd Phillips ist ein anderer prominenter Wiesenrispengras-Spieler. Wohl bekannte rockabilly Bassisten schließen Bill Black, Marshall Lytle (mit Bill Haley & His Comets) und Lee-Rocker (mit dem Zeitalter der 1980er Jahre rockabilly Erweckungsprediger die Streukatzen) ein. Bemerkenswerte rockabilly Erweckungsprediger und psychobilly Darsteller von den 1990er Jahren und dem ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts schließen Scott Owen (vom australischen Band Das Lebende Ende), Jimbo Wallace (vom US-Band Ehrwürdige Hitze von Horton), Kim Nekroman (Nekromantix), Patricia Day (HorrorPops), Geoff Kresge (Tiger-Armee, ex-AFI) ein. Willie Dixon (1915-1992) war eine der bemerkenswertesten Zahlen in der Geschichte des Rhythmus und der Niedergeschlagenheit. Zusätzlich dazu, ein aufrechter Bassist zu sein, hat er Dutzende R&B Erfolge geschrieben und hat als ein Erzeuger gearbeitet. Er spielt auch Bass auf den Erfolgen des Rock 'n' Rolls des zahlreichen Chuck Berrys. Viele andere rockabilly Bänder wie El Rio Trio (von den Niederlanden) verwenden auch dieses Instrument in ihrer Arbeit.

Unterrichtsmethode und Ausbildung

Die Unterrichtsmethode und Ausbildung für den Kontrabass ändern sich weit durch das Genre und Land. Klassischer Kontrabass hat eine Geschichte der Unterrichtsmethode, die mehrere Jahrhunderte, einschließlich lehrender Handbücher, Studien und progressiver Übungen zurückgeht, die Studenten helfen, die Dauer und Genauigkeit der linken Hand und Kontrolle für die den Bogen führende Hand zu entwickeln. Klassische Lehrmethoden ändern sich durch das Land: Viele der europäischen Hauptländer werden mit spezifischen Methoden (z.B, der Methode von Edouard Nanny in Frankreich oder der Methode von Franz Simandl in Deutschland) vereinigt. In der klassischen Ausbildung konzentriert sich die Mehrheit der Instruktion für die rechte Hand auf die Produktion des den Bogen führenden Tons; wenig Zeit wird verbracht, die Varianten des Pizzicato-Tons studierend.

Im Gegensatz in Genres, die hauptsächlich oder exklusiv pizzicato (das Zupfen), wie Jazz und Niedergeschlagenheit verwenden, wird sehr viel Zeit und Anstrengung auf das Lernen der Varianten von verschiedenen pizzicato Stilen eingestellt, die für die Musik von verschiedenen Stilen von Tempos verwendet sind. Zum Beispiel, im Jazz, müssen strebende Bassisten erfahren, wie man eine breite Reihe von Pizzicato-Tönen, einschließlich des Verwendens der Seiten der Finger durchführt, um einen vollen, tiefen Ton für Balladen, das Verwenden der Tipps der Finger für das schnelle Wandern basslines oder Solo und Durchführen einer Vielfalt von Schlaggeisterzeichen zu schaffen, indem man gedämpfte oder teilweise gedämpfte Schnuren recht.

Formelle Ausbildung

Aller Genres, klassisch und Jazz-haben die am meisten feststehenden und umfassenden Systeme der Instruktion und Ausbildung. Im klassischen Milieu können Kinder beginnen, Privatunterricht auf dem Instrument zu nehmen und in Kindern oder Jugendorchester zu leisten. Teenageralter, das nach dem Werden klassische Berufsbassisten strebt, kann ihre Studien in einer Vielfalt von formellen Lehreinstellungen, einschließlich Universitäten, Konservatorien und Universitäten fortsetzen. Universitäten bieten Zertifikate und Diplome in der Bassleistung an.

Konservatorien, die das Standardmusiklehrsystem in Frankreich und in Quebec (Kanada) sind, stellen Lehren und Amateurorchestererfahrung für Kontrabass-Spieler zur Verfügung. Universitäten bieten eine Reihe von Kontrabass-Programmen, einschließlich Vordiplome, Masters von Musik-Graden und Arztes von Musikkunstgraden an. Ebenso gibt es eine Vielfalt anderer Ausbildungsprogramme wie klassische Sommerlager und Orchester-, Oper oder Kammermusik-Lehrfeste, die Studenten die Gelegenheit geben, eine breite Reihe der Musik zu spielen.

Vordiplome in der Bassleistung (verwiesen auf als B.Mus. oder B.M) sind vierjährige Programme, die individuelle Basslehren, Amateurorchester-Erfahrung und eine Folge von Kursen in der Musik-Geschichte, der Musik-Theorie und den Geisteswissenschaften-Kursen einschließen (z.B, englische Literatur), die dem Studenten eine mehr gut rund gemachte Ausbildung geben. Gewöhnlich führen Bassleistungsstudenten mehrere Solokonzerte der Solokontrabass-Musik, wie Konzerte, Sonaten und Barocke Gefolge durch.

Der Master von Musik-Graden in der Kontrabass-Leistung besteht aus dem Privatunterricht, der Ensemble-Erfahrung, im Spielen von Orchesterkontrabass-Rollen und Absolventenkursen in der Musik-Geschichte und Musik-Theorie zusammen mit einem oder zwei Solosolokonzerten trainierend. Ein Magisterabschluss in der Musik (gekennzeichnet als ein M.Mus. oder M.M.) ist häufig ein erforderliches Zeugnis für Leute, die ein Professor des Kontrabasses an einer Universität oder Konservatorium werden möchten.

Arzt von Musikkünsten (verwiesen auf als D.M.A. DMA, D.Mus. A. oder A.Mus. D) stellen Grade in der Kontrabass-Leistung eine Gelegenheit für die fortgeschrittene Studie am höchsten künstlerischen und pädagogischen Niveau zur Verfügung, gewöhnlich zusätzliche 54 + Kreditstunden außer einem Magisterabschluss verlangend (der ungefähr 30 + Kredite außer einem Vordiplom ist). Deshalb ist die Aufnahme der Kandidatur hoch auswählend. Überprüfungen in der Musik-Geschichte, Musik-Theorie, Ohr-Ausbildung/Diktat, plus eine Aufnahmeprüfung / Solokonzert, sind erforderlich, in solch ein Programm der Studie einzugehen. Mehrere Solokonzerte haben (ungefähr sechs), einschließlich eines Vortrag-Solokonzerts, für das eine Begleitdoktorarbeit vorgelegt wird, coursework vorgebracht, und ein Minimum B Durchschnitt sind andere typische Voraussetzungen eines D.M.A Programms.

Überall in der frühen Geschichte des Jazz haben Kontrabass-Spieler entweder das Instrument informell, oder davon erfahren, klassische Ausbildung bald, als im Fall von Ron Carter und Charles Mingus zu bekommen. In den 1980er Jahren und 1990er Jahren haben Universitäten und Universitäten begonnen, Diplome und Grade in der Jazzleistung einzuführen. Studenten im Jazzdiplom oder Junggeselle von Musik-Programmen nehmen individuelle Basslehren, bekommen Erfahrung in kleinen Jazzcombos mit dem Trainieren von einem erfahrenen Spieler und Spiel in Jazzbig Bands. Als mit klassischen Ausbildungsprogrammen schließen Jazzprogramme auch Klassenzimmer-Kurse in die Musik-Geschichte und Musik-Theorie ein. In einem Jazzprogramm konzentrieren sich diese Kurse auf die verschiedenen Zeitalter der Jazzgeschichte. solcher als Schwingen, Bebop und Fusion. Die Theorie-Kurse konzentrieren sich auf die Musiksachkenntnisse, die in der Jazzimprovisation und im Jazzsetzen (das Begleiten) und die Zusammensetzung von Jazzmelodien verwendet sind. Es gibt auch Jazzsommerlager und Lehrfeste/Seminare, die Studenten die Chance anbieten, neue Sachkenntnisse und Stile zu erfahren.

Informelle Ausbildung

In anderen Genres, wie Niedergeschlagenheit, werden rockabilly, und psychobilly, die pädagogischen Systeme und Lehrfolgen nicht als formalisiert und institutionalisiert. Es gibt nicht Grade in der Niedergeschlagenheitsbassleistung oder Konservatorien, die vielfach-jährige Diplome im rockabilly Bass anbieten. Jedoch gibt es eine Reihe von Büchern, Methoden, und, seit den 1990er Jahren, Unterrichts-DVDs spielend (z.B, darauf, wie man rockabilly-artigen Schlag-Bass spielt). Als solcher neigen Darsteller in diesen anderen Genres dazu, aus einer Vielfalt von Wegen einschließlich des informellen Lernens zu kommen, indem sie Bassmethode-Bücher oder DVDs verwenden, Privatunterricht und das Trainieren und Lernen aus Aufzeichnungen und CDs nehmend. In einigen Fällen können Niedergeschlagenheit oder rockabilly Bassisten etwas anfängliche Ausbildung durch die klassischen oder Jazzunterrichtsmethode-Systeme (z.B, Jugendorchester oder Big Band der Höheren Schule) erhalten haben. In Genres wie Tango, die viele gebeugte Durchgänge und jazzartige pizzicato Linien verwenden. die Bassisten neigen dazu, aus klassischen oder Jazzlehrwegen zu kommen.

Karrieren

Karrieren im Kontrabass ändern sich weit durch das Genre und durch das Gebiet oder Land. Die meisten Bassisten verdienen ihr Leben von einer Mischung der Leistung und lehrenden Jobs. Der erste Schritt zum Bekommen der meisten Leistungsjobs ist durch das Spielen an einem Hörvermögen. In einigen Stilen der Musik, wie jazzorientierte Bühne-Bänder, können Bassisten gebeten werden, gelesene gedruckte Musik zu sichten oder Standardstücke durchzuführen (z.B, ein Jazzstandard solcher, weil Jetzt die Zeit ist) mit einem Ensemble. Ähnlich in einem Felsen oder Niedergeschlagenheitsband kann auditionees gebeten werden, verschiedenen Felsen oder Niedergeschlagenheitsstandards zu spielen. Ein aufrechter Bassist, der für ein Niedergeschlagenheitsband vorspricht, könnte gebeten werden, in einem mit dem Schwingen artigen Wandern bassline, einem rockabilly-artigen "Schlagen" bassline zu spielen (in dem die Schnuren gegen das Griffbrett Schlag-geschlagen werden), und eine Ballade der 1950er Jahre mit langen gehaltenen Zeichen. Wie man erwarten kann, ist eine Person, die für eine Rolle als ein Bassist in einigen Stilen der Popmusik oder des Rocks vorspricht, im Stande, die Fähigkeit unter Beweis zu stellen, Harmonie-Vokale als ein Aushilfssänger durchzuführen.

In der klassischen Musik sprechen Bassisten vor, um Jobs in Orchestern und für die Aufnahme in die Universität oder Konservatorium-Programme oder Grade zu spielen. An einem klassischen Basshörvermögen spielt der Darsteller normalerweise eine Bewegung von einem Gefolge von Bach oder eine Bewegung von einem Basskonzert und einer Vielfalt von Exzerpten von der Orchesterliteratur. Orchesterbasshörvermögen werden normalerweise vor einer Tafel gehalten, die den Leiter, den Konzertmeister, den Hauptbassspieler und vielleicht die anderen Hauptspieler wie der Hauptcellist einschließt. Die viel versprechendsten Kandidaten werden eingeladen, für eine zweite oder dritte Runde von Hörvermögen zurückzukehren, die dem Leiter und der Tafel erlaubt, die besten Kandidaten zu vergleichen. Darsteller können gebeten werden, gelesene Orchestermusik zu sichten. Die Endbühne des Hörvermögen-Prozesses in einigen Orchestern ist eine Testwoche, in der der Darsteller mit dem Orchester seit einer Woche oder zwei spielt, der dem Leiter und den Hauptspielern erlaubt zu sehen, ob die Person gut in einer wirklichen Leistungseinstellung fungieren kann.

Leistungsjobs schließen das Spielen als ein freier Mitarbeiter in kleinen Gruppen, großen Ensembles oder dem Durchführen der Solomusik, entweder lebend auf der Bühne oder als ein Sitzungsspieler für das Radio oder die Fernsehsendungen oder für Aufnahmen ein; und das Arbeiten als der Angestellte eines Orchesters, Big Band, oder die Aufnahme des Studios (als der Hausbassist des Studios). Viele Bassspieler finden Extraarbeit, indem sie ("subbing") für Bassisten vertreten, die doppelt eingeschrieben werden oder schlecht. Es ist für Bassspieler hart im Stande zu sein, ganztägige, voll-jährige Arbeit bei einem einzelnen Job zu finden. Über das nächste, dass ein Bassspieler dazu kommen kann, ist im Fall von klassischen Bassspielern, die ein Hörvermögen an einem Berufsorchester oder der winzigen Zahl der Spitzensitzung pros gewinnen, die durch die Aufnahme des Studios gemietet werden. Sogar ganztägige Orchester-Jobs dauern für das komplette Jahr nicht gewöhnlich. Wenn das Orchester aufhört zu spielen (der häufig im Sommer ist), müssen Orchesterbassisten andere Arbeit, entweder als ein Lehrer oder als Trainer, oder in einer anderen Gruppe finden.

Das Unterrichten der Arbeit für den doppelten Bassisten schließt das Geben des Privatunterrichts zuhause oder in Universitäten und Universitäten ein; das Trainieren von Bassspielern, die sich auf Aufnahmen oder Hörvermögen vorbereiten; das Tun des Gruppentrainierens an Musik-Lagern oder für Jugendensembles; und das Arbeiten als ein Musik-Lehrer der Höheren Schule.

Im Jazz, der Niedergeschlagenheit, rockabilly und den anderen Genres, können die meisten Bassisten kein Leben davon verdienen, in einer einzelnen Gruppe zu spielen (mit Ausnahme von der kleinen Anzahl von Bassisten in Spitzenreisebands oder Gruppen mit der Aufnahme von Verträgen), so arbeiten sie in verschiedenen Bändern und ergänzen ihr Einkommen mit dem Sitzungsspielen und Unterrichten. Wegen der begrenzten Zahl von Vollzeitorchesterjobs sind viele klassische Bassisten ähnlich nicht fähig, Vollzeitarbeit mit einem einzelnen Orchester zu finden. Einige Bassisten vergrößern ihre Arbeitsfähigkeit, indem sie mehrere verschiedene Stile, solcher als klassisch und Jazz- oder rockabilly und Wiesenrispengras erfahren.

In einigen Fällen ergänzen Bassisten ihr Durchführen und lehrendes Einkommen mit anderen zusammenhängenden Musik-Jobs, solch so arbeitend wie ein Bassausbesserer (luthier); als ein Auftragnehmer, der Musiker für Orchester oder Big Bands anstellt, Musik (z.B, Dave Holland), songwriting zusammensetzend, (z.B, David Currie) führend oder als ein bandleader (z.B, Charles Mingus) handelnd. In einigen Gebieten kann es nicht genug Arbeit in der Musik geben, um ein Leben zu machen, selbst wenn ein Bassist mehrere Stile spielen kann und er oder sie Aufnahmen und das Unterrichten tut. Als solcher, in einigen Gebieten, können Bassisten ihre Musikarbeit mit dem Einkommen von einem anderen Feld außerhalb der Musik ergänzen müssen.

Siehe auch

• Elektrischer aufrechter Bass
• Liste von Jazzbassisten
• Liste von historischen klassischen Kontrabass-Spielern
• Liste von zeitgenössischen klassischen Kontrabass-Spielern
• Liste von Kontrabass-Konzerten
• Octobass
• Pikkoloflöte-Bass
• Internationale Gesellschaft von Bassisten
• Bazantar
• Cello, das zweitgrößte gebeugte Saiteninstrument

Außenverbindungen

• EarlyBass.com durch Jerry Fuller