Ein Komiker (vom Griechen, kōmikos "oder der Komödie" von , kōmos "lärmende Festlichkeit, komos", über den lateinischen cōmicus gehörend), zeigt ein hybrides Medium an, das wörtliche Seite seines an seine Sehseite dicht gebundenen Vokabulars hat, um Bericht oder Information nur, die Letzteren im Falle Sachliteratur-Comics zu befördern, Synergie suchend, indem er sowohl visuelle wörtliche Seite (ohne Worte) in der Wechselwirkung verwendet. Obwohl einige Comics Bild-Only-sind, Pantomime-Streifen, wie Der Kleine König, breitet sich die wörtliche Seite gewöhnlich laut der Bilder aus, aber handelt manchmal im Kontrapunkt. Der Begriff ist auf die größtenteils humorvolle frühe Arbeit im Medium zurückzuführen und ist gekommen, um für diese Form des Mediums einschließlich derjenigen weit vom Komiker zu gelten. Die folgende Natur der Bilder und das Überwiegen von Bildern über Wörter, unterscheiden Comics aus Bilderbüchern, obwohl einige in Comic-Studien nicht übereinstimmen und behaupten, dass tatsächlich, was Comics von anderen Formen auf dem Kontinuum aus Wort-Only-Berichten, einerseits, zu Bild-Only-Berichten, auf dem anderen unterscheidet, sozialer Zusammenhang ist.

Sozialer Zusammenhang

Comics als ein echtes Massenmedium haben angefangen, in den Vereinigten Staaten am Anfang des 20. Jahrhunderts mit dem Zeitungscartoon zu erscheinen, wo seine Form begonnen hat (bildgesteuert, Rede-Ballons, usw.) zuerst in Sonntagsstreifen und später in täglichen Streifen standardisiert zu werden. Die Kombination von Wörtern und Bildern hat sich populär und schnell Ausbreitung weltweit erwiesen.

Cartoons wurden bald in preiswerte Broschüren und komische Nachdruck-Bücher gesammelt. Ursprüngliche komische Bücher sind bald gefolgt. Heute werden Comics in Zeitungen, Zeitschriften, komischen Büchern, grafischen Romanen und im Web gefunden. Historisch hat sich die Form mit humorvollem Gegenstand befasst, aber sein Spielraum hat sich ausgebreitet, um die volle Reihe von literarischen Genres zu umfassen. Siehe auch: Cartoon und Cartoon. In einigen Kreisen werden Comics noch als niedrige Kunst gesehen, obwohl es Ausnahmen, wie Krazy Kat und Barnaby gibt. Jedoch besteht solch eine elitäre "niedrige Kunst/hohe" Kunstunterscheidung in der französisch sprechenden Welt nicht (und, einigermaßen, das kontinentale Europa), wo der bandes dessinées Medium als Ganzes als "die Neunte Kunst" allgemein akzeptiert wird, gewöhnlich ein nichtunwesentlicher Raum in Buchhandlungen und Bibliotheken gewidmet wird, und regelmäßig in internationalen Ereignissen wie das Angoulême Internationale Comic-Fest gefeiert wird. Solche Unterscheidungen bestehen auch im japanischen manga, der größten Comic-Kultur in der Welt nicht. Kritische Diskussionen der Form sind schon in den 1920er Jahren erschienen, aber ernste Studien waren bis zum Ende des 20. Jahrhunderts selten.

Obwohl sich Praktiker formeller Traditionen enthalten können, verwenden sie häufig besondere Formen und Vereinbarung, um Narration und Rede zu befördern, oder emotionale oder sinnliche Antworten herbeizurufen. Geräte wie Rede-Ballons und Kästen werden verwendet, um Dialog anzuzeigen und Herstellen-Information zu geben, während Tafeln, Lay-Out, Dachrinnen und Schwirren-Zierbänder helfen können, den Fluss der Geschichte anzuzeigen. Der Comic-Gebrauch von Text, Zweideutigkeit, Symbolik, Design, Ikonographie, literarischer Technik, hat Medien gemischt, und stilistische Elemente der Kunsthilfe bauen einen Subtext von Bedeutungen. Obwohl Comics nichtlineare Strukturen sind und hart sein können, manchmal zu lesen, wird es einfach präsentiert. Jedoch hängt es "der seelischen Verfassung" des Lesers ab, um den Komiker zu lesen und zu verstehen. Verschiedene Vereinbarung wurde um den Erdball, vom manga Japans zum manhua Chinas und dem manhwa Koreas, den komischen Büchern der Vereinigten Staaten und den größeren Alben der gebundenen Ausgabe in Europa entwickelt.

Geschichte

Comics als eine Kunstform haben sich im späten 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts, neben den ähnlichen Formen des Films und Zeichentrickfilms eingerichtet. Die drei Formen teilen bestimmte Vereinbarung, am meisten merklich das Mischen von Wörtern und Bildern, und alle drei haben Schulden Teile ihrer Vereinbarung zu den technologischen Sprüngen haben die industrielle Revolution gemacht. Obwohl Zeitungen und Zeitschriften zuerst gegründete und verbreitete Comics gegen Ende der 1890er Jahre Bericht-Illustration seit vielen Jahrhunderten bestanden hat.

Frühe Berichte in der Kunst

Frühe Vorgänger des Komikers, wie sie heute bekannt sind, schließen die Säule von Trajan und die Arbeit von William Hogarth ein.

Roms Säule von Trajan, die in 113 n.Chr. gewidmet ist, ist ein frühes überlebendes Beispiel eines Berichts hat durch folgende Bilder erzählt, während ägyptische Hieroglyphen, griechische Zierstreifen, mittelalterliche Tapisserien wie die Bayeux Tapisserie und illustriert haben, dass Manuskripte auch folgende Images und Wörter verbinden, um eine Geschichte zu erzählen. Versionen der Bibel, die sich in erster Linie auf Images aber nicht Text verlässt, wurden in Europa weit verteilt, um die Lehren des Christentums dem Analphabeten zu bringen. In mittelalterlichen Bildern erscheinen viele folgende Szenen derselben Geschichte (gewöhnlich eine biblische) gleichzeitig in derselben Malerei (sieh Illustration zum linken).

Jedoch sind diese Arbeiten dem Leser nicht gereist; es hat die Erfindung von modernen Drucktechniken genommen, um die Form zu einem breiten Publikum zu bringen und ein Massenmedium zu werden.

Der 15. - 18. Jahrhunderte und Druckfortschritte

Die Erfindung der Druckpresse, beweglichen Typ erlaubend, hat eine Trennung zwischen Images und Wörtern, die zwei verlangenden verschiedenen Methoden gegründet, um wieder hervorgebracht zu werden. Früh hat sich gedrucktes Material auf religiöse Themen konzentriert, aber während der 17. und 18. Jahrhunderte haben sie begonnen, Aspekte des politischen und sozialen Lebens anzupacken, und haben auch angefangen, zu verspotten und zu karikieren. Es war auch während dieser Periode, dass die Rede-Luftblase als ein Mittel entwickelt wurde, Dialog zuzuschreiben.

William Hogarth wird häufig in Geschichten der Comic-Form erkannt. Seine Arbeit, ein Fortschritt eines Rechens, wurde aus mehreren Leinwänden, jeder wieder hervorgebracht als ein Druck zusammengesetzt, und die acht Drucke haben zusammen einen Bericht geschaffen. Da sich Drucktechniken wegen der technologischen Fortschritte der industriellen Revolution entwickelt haben, wurden Zeitschriften und Zeitungen gegründet. Diese Veröffentlichungen haben Illustrationen als ein Mittel verwertet, sich über politische und soziale Probleme, solche Illustrationen zu äußern, die bekannt als Cartoons in den 1840er Jahren werden. Bald experimentierten Künstler mit dem Herstellen einer Folge von Images, um einen Bericht zu schaffen.

Während, wie man sehen kann, das Überleben von Arbeiten dieser Perioden wie Francis Barlow Ein Wahrer Bericht des Entsetzlichen Höllischen Papistischen Anschlags (c.1682) sowie Die Strafen von Lemuel Gulliver und einem Fortschritt eines Rechens durch William Hogarth (1726), einen Bericht über mehrere Images erst als das 19. Jahrhundert gründet, das die Elemente solcher Arbeiten begonnen haben, in den Cartoon zu kristallisieren.

Der Rede-Ballon hat sich auch während dieser Periode, von den mittelalterlichen Ursprüngen des phylacter, eines Etiketts gewöhnlich in der Form einer Schriftrolle entwickelt, die einen Charakter entweder durch das Namengeben von ihnen oder durch Verwenden eines kurzen Textes identifiziert hat, um ihren Zweck zu erklären. Künstler wie George Cruikshank haben geholfen, solchen phylacters wie Ballons aber nicht Schriftrollen zu kodifizieren, obwohl in dieser Zeit sie noch Etiketten genannt wurden. Sie haben jetzt narative vertreten, aber zu Identifizierungszwecken aber nicht Dialog innerhalb der Arbeit und Künstlern hat sie bald zu Gunsten vom laufenden Dialog unter den Tafeln verworfen. Rede-Ballons wurden in die Form nicht wiedereingeführt, bis Richard F. Outcault sie für den Dialog verwendet hat.

Das 19. Jahrhundert: eine Form gegründet

Rodolphe Töpffer, ein Francophone schweizerischer Künstler, wird als die Schlüsselfigur des frühen Teils des 19. Jahrhunderts gesehen. Obwohl Rede-Ballons von der Bevorzugung während der Mitte des 19. Jahrhunderts gefallen sind, wurden die folgend illustrierten Geschichten von Töpffer, mit dem unter Images aufgeteilten Text, überall in Europa und den Vereinigten Staaten nachgedruckt. Der Mangel an Urheberrechtsgesetzen hat zurzeit diese Raubausgaben erlaubt, und hat Versionen übersetzt hat einen Markt auf beiden Kontinenten für ähnliche Arbeiten geschaffen.

1843 hat Töpffer seine Gedanken auf der Bildergeschichte in seinem Aufsatz auf Physiognomics formalisiert: "Einen bilderstöckigen zu bauen, bedeutet nicht, dass Sie sich als ein Master-Handwerker aufstellen müssen, um jedes Potenzial von Ihrem Material — häufig unten zum Bodensatz herauszuziehen! Es bedeutet nicht, dass Sie gerade Karikaturen mit einem natürlich frivolen Bleistift ausdenken. Noch es soll einfach ein Sprichwort dramatisieren oder ein Wortspiel illustrieren. Sie müssen wirklich eine Art Spiel erfinden, wo die Teile durch den Plan eingeordnet werden und einen befriedigenden Ganzen bilden. Sie pferchen keinen Witz bloß ein oder stellen einen Refrain in Reimpaaren. Sie machen ein Buch: gut oder schlecht, nüchtern oder dumm, verrückt oder gesund im Sinn."

1845 haben die satirischen Zeichnungen, die regelmäßig in Zeitungen und Zeitschriften erschienen sind, einen Namen: Cartoons gewonnen. (In der Kunst ist ein Cartoon ein Bleistift oder charcol überzumalende Skizze.) Hat die britische Zeitschrift Punch, gestartet 1841, seinen 'humorvollen pencilings' als Cartoons in einer satirischen Verweisung auf das Parlament des Tages gekennzeichnet, die selbst eine Ausstellung von Cartoons oder Vorbereitungszeichnungen zurzeit organisierten. Dieser Gebrauch ist allgemeiner Sprachgebrauch geworden, bis zu den heutigen Tag dauernd. Ähnliche Zeitschriften, die Cartoons im kontinentalen Europa enthalten, haben Fliegende Blätter und Le Charivari eingeschlossen, während im amerikanischen Richter und Puck populär waren.

1865 hat die Veröffentlichung von Max und Moritz durch Wilhelm Busch durch eine deutsche Zeitung gesehen. Busch hat die Vereinbarung der folgenden Kunst raffiniert, und seine Arbeit war ein Schlüsseleinfluss innerhalb der Form, Rudolph Dirks wurde durch den Streifen angeregt, Die Katzenjammer Kinder 1897 zu schaffen.

Es ist um diese Zeit, dass Manhua, die chinesische Form von Comics, angefangen hat, ein Prozess zu formalisieren, der herauf bis 1927 gedauert hat. Die Einführung von Steindruckdrucktechniken ist auf den Westen zurückzuführen gewesen war ein kritischer Schritt in der Erweiterung der Form innerhalb Chinas während des Anfangs des 20. Jahrhunderts. Wie Europa und die Vereinigten Staaten erschienen satirische Zeichnungen in Zeitungen und Zeitschriften, die am Anfang auf Arbeiten aus jenen Ländern gestützt sind. Eine der ersten Zeitschriften von satirischen Cartoons hat auf Vereinigten Königreichs Schlag, bissig wiedergebrandmarkt als "Der chinesische Schlag" basiert. Das erste von einer Person der chinesischen Staatsbürgerschaft gezogene Stück war "Die Situation im Fernen Osten" von Tse Tsan-Tai, gedruckter 1899 in Japan. Vor den 1920er Jahren wurde ein Markt für betaste-große Bilderbücher wie Lianhuanhua gegründet.

1884 wurde die Hälfte von Ally Sloper des Urlaubs, eine Zeitschrift veröffentlicht, deren Verkauf des Punkts ein Streifen war, der den Titelcharakter zeigt, und weit als die erste Cartoon-Zeitschrift betrachtet hat, um einen wiederkehrenden Charakter zu zeigen. 1890 haben zwei komischere Zeitschriften zum britischen Publikum, den Komischen Kürzungen und den Illustrierten Chips debütiert, die Tradition des britischen Komikers als eine Anthologie periodisch gründend, Cartoons enthaltend.

In den Vereinigten Staaten ist die Arbeit von R.F. Outcault in sich verbindenden Rede-Ballons und Images auf der Allee von Hogan und Dem Gelben Kind als das Herstellen der Form und Vereinbarung des Cartoons kreditiert worden, obwohl Akademiker frühere Arbeiten aufgedeckt haben, die Rede-Luftblasen und einen Vielbildbericht verbinden. Jedoch behalten die Beliebtheit der Arbeit von Outcalt und die Position des Streifens in einer Zeitung Kredit als eine treibende Kraft der Form.

Das 20. Jahrhundert und das Massenmedium

Die 1920er Jahre und die 1930er Jahre haben weitere Booms innerhalb der Industrie gesehen. In China wurde ein Markt für betaste-große Bilderbücher wie Lianhuanhua gegründet, während sich der Markt für komische Anthologien in Großbritannien dem Zielen von Kindern durch den jugendlichen Humor, mit Dem Dandy und Dem gestarteten Schmaus zugewandt hatte. In Belgien hat Hergé den Zeitungsstreifen von Tintin für eine komische Ergänzung geschaffen; das wurde in einem bestimmten Album erfolgreich gesammelt und hat einen Markt für weiter solche Arbeiten geschaffen. Dieselbe Periode in den Vereinigten Staaten hatte Zeitungsstreifen gesehen ihren Gegenstand außer dem Humor, mit der Handlung, dem Abenteuer und den gestarteten Mysterium-Streifen ausbreiten. Die Sammlung solchen Materials hat auch, mit Dem Funnies, einer Nachdruck-Sammlung von Zeitungsstreifen begonnen, die in der Boulevardblatt-Größe 1929 veröffentlicht sind.

Ein Markt für solche komischen Bücher ist bald gefolgt, und vor 1938 druckten Herausgeber ursprüngliches Material im Format. Es war an diesem Punkt, dass Handlung Comics#1 mit dem Übermenschen als die Deckel-Eigenschaft losgefahren ist. Die Beliebtheit des Charakters hat schnell den Superhelden als das Definieren-Genre von amerikanischen Comics eingeschlossen. Das Genre hat Beliebtheit in den 1950er Jahren verloren, aber hat seine Überlegenheit der Form von den 1960er Jahren bis zum Ende des 20. Jahrhunderts wieder hergestellt.

In Japan, einem Land mit einer langen Tradition für die Illustration, und dessen, aus Bildern entwickeltes System schreibend, Comics ungeheuer populär waren. Verwiesen auf als manga wurde die japanische Form nach dem Zweiten Weltkrieg von Osamu Tezuka gegründet, der die Seitenzählung einer Arbeit zur Zahl in den Hunderten ausgebreitet hat, und wer einen filmic Stil schwer unter Einfluss der Zeichentrickfilme von Disney der Zeit entwickelt hat. Der japanische Markt hat seine Reihe ausgebreitet, um Arbeiten in vielen Genres von der jugendlichen Fantasie bis Roman zu erwachsenen Fantasien zu bedecken. Japanischer manga wird normalerweise in großen Anthologien veröffentlicht, mehrere hundert Seiten enthaltend, und die Geschichten haben erzählt sind lange als Quellen für die Anpassung in den belebten Film verwendet worden. In Japan werden solche Filme anime genannt, und viele Schöpfer arbeiten in beiden Formen gleichzeitig, zu einer inneren Verbindung der zwei Formen führend.

Während der letzten Hälfte des 20. Jahrhunderts sind die Comics ein sehr populärer Artikel für Sammler geworden, und von den amerikanischen Comics der 1970er Jahre haben die Herausgeber aktiv dazu ermuntert sich zu versammeln und einen großen Teil des Comic-Veröffentlichens und der Produktion ausgewechselt, um direkt an die Gemeinschaft des Sammlers zu appellieren.

1972 schreibend, hat Herr Ernst Gombrich gefunden, dass Töpffer eine neue bildliche Sprache, diesen eines abgekürzten Kunststils entwickelt hatte, der dem Publikum erlaubt hat, Lücken mit ihrer Einbildungskraft auszufüllen.

Der moderne doppelte Gebrauch des Begriffes Komiker, weil ein adjektivisches Beschreiben eines Genres und eines Substantivs, das ein komplettes Medium benennt, als verwirrend und irreführend kritisiert worden ist. In den 1960er Jahren und 1970er Jahren haben unterirdische Karikaturisten die Rechtschreibung comix verwendet, um ihre Arbeit von Hauptströmungszeitungsstreifen und jugendlichen komischen Büchern zu unterscheiden. Ihre Arbeit wurde für ein erwachsenes Publikum geschrieben, aber war gewöhnlich comedic, so war das "komische" Etikett noch passend. Der Begriff grafischer Roman wurde gegen Ende der 1970er Jahre verbreitet, mindestens zwei vorherige Jahrzehnte ins Leben gerufen, um das Material von dieser Verwirrung überzuholen.

In den 1980er Jahren hat Comic-Gelehrsamkeit angefangen, in den Vereinigten Staaten zu blühen, und ein Wiederaufleben in der Beliebtheit von Comics, wurde mit Alan Moore und Frank Miller gesehen, der bemerkenswerte Superheld-Arbeiten und Calvin & Hobbes von Bill Watterson erzeugt, der zu einem Syndikat wird vereinigt.

2005 wurde die Arbeit von Robert Crumb in Galerien beide Seiten des Atlantiks ausgestellt, und Die Wächter-Zeitung hat seine Boulevardblatt-Ergänzung eine Woche lang Erforschung seiner Arbeit und Idiome gewidmet.

Comics sind eine populäre Quelle für den Film und die Fernsehanpassungen gewesen. Für eine Liste von Filmanpassungen, sieh Liste von auf Comics gestützten Filmen.

Formen

Comics sind innerhalb einer breiten Zahl des Veröffentlichens und der typografischen Formate vom sehr kurzen Tafel-Cartoon bis den längeren grafischen Roman präsentiert worden. Der Cartoon, traditionell satirischen oder humorvollen Inhalt auf diese Art derjenigen enthaltend, die im New-Yorker oder Privaten Auge gesehen sind, entsteht aus der Mitte des neunzehnten Jahrhunderts. Diese Form von Comics ist noch populär, obwohl die letzten paar Jahre die Verminderung der Zahl von in den US-Medien angestellten Herausgeberkarikaturisten gesehen haben. Es gibt Streit betreffs, ob der Cartoon eine Form von Comics, einem Vorgänger oder einer zusammenhängenden Form ist - aber einige behaupten, dass seit den Cartoon-Vereinigungswörtern mit dem Image und einen Bericht baut, ist es eine Form des Komikers.

Der Cartoon ist einfach eine Folge von Cartoons, die sich vereinigen, um eine Geschichte zu erzählen. Ursprünglich, der Begriff Cartoon, der auf jede Folge von Cartoons, macht dir nichts aus dem Treffpunkt der Veröffentlichung oder der Länge der Folge, aber jetzt hauptsächlich in den Vereinigten Staaten angewandt ist, bezieht sich der Begriff auf die Streifen, die in Zeitungen als am Sonntag oder tägliche Streifen veröffentlicht sind. Diese Streifen sind jetzt normalerweise humorvolle oder satirische Streifen, wie Hägar Horrible und Doonesbury, aber sind häufig Handlung unter einem bestimmten Thema stehend, pädagogisch oder sogar biografisch gewesen. In den Vereinigten Staaten wird der Begriff "Comics" manchmal gebraucht, um die Seite einer Zeitung zu beschreiben, laut deren Cartoons, mit dem Begriff "Komiker" gefunden werden, der schnell durch den populären Gebrauch annimmt, um sich auf die Form aber nicht den Inhalt zu beziehen. Gesagte Seiten werden auch die "komischen Seiten" genannt, und Comics werden folglich manchmal "den funnies" genannt. Im Vereinigten Königreich gilt der Begriff Cartoon noch für längere Geschichten, die in Comics, wie 2000 n.Chr. oder Der Schmaus erscheinen.

Veröffentlichungsformate

Mit der Zeit sind mehrere Formate, vom komischen Buch bis den webcomic, nah vereinigt mit der Form geworden. Das amerikanische komische Buch, das im frühen Teil des 20. Jahrhunderts hervorgebracht ist, und ist aus Zeitschriften gewachsen, die Zeitungscartoons wiederpaketiert haben. Schließlich haben Herausgeber ursprüngliche Arbeit und das von seinen humorvollen Ursprüngen entwickelte Material beauftragt, Abenteuer-Geschichten, Roman, Krieg und Superhelden mit dem letzten Genre zu umfassen, das das Veröffentlichen des komischen Buches bis zum Ende des 20. Jahrhunderts beherrscht. Obwohl genannt komische Bücher, diese Veröffentlichungen mehr Zeitschriften ähnlich sind, weiche Deckel auf Kunstdruckpapier, mit dem Innere des Zeitungspapiers oder höheren Rang-Papiers druckend. In Europa waren Zeitschriften immer ein Treffpunkt für das ursprüngliche Material in der Form, und solche komischen Zeitschriften oder komische Bücher sind bald in Anthologien hineingewachsen, die mehrere Geschichten in Fortsetzungen veröffentlicht haben. Im kontinentalen Europa hat sich ein Markt bald sich eingerichtet, um Sammlungen dieser Streifen zu unterstützen. Alle diese Veröffentlichungen werden allgemein "Comics" für den kurzen, mit typischen amerikanischen und britischen komischen Büchern oder Zeitschriften genannt, die 32 Seiten, einschließlich Anzeigen und Brief-Säule führen. (Diese sind manchmal als 36-seitige Bücher bekannt, die Deckel aufzählend.) Haben europäische komische Zeitschriften wild unterschiedliche Seitenzahlen, zurzeit sich größtenteils zwischen 52 und 120 Seiten erstreckend, während europäische komische Alben traditionell zwischen 32 und 62 Seiten hatten.

In den Vereinigten Staaten, wenn ein Herausgeber vorher in Fortsetzungen veröffentlichte Geschichten sammelt, wird solch eine Sammlung allgemein entweder ein Handelspaperback oder als ein grafischer Roman genannt. Das sind Bücher, normalerweise squarebound und veröffentlicht mit einem Karte-Deckel, keine Anzeigen enthaltend. Sie sammeln allgemein eine einzelne Geschichte, die in mehrere Kapitel gebrochen worden ist, die vorher in komischen Büchern mit den als ein Geschichte-Kreisbogen insgesamt bekannten Problemen in Fortsetzungen veröffentlicht sind. Solche Handelspaperbacks können überall von vier Problemen enthalten (zum Beispiel, es gibt Königreich, das von Mark Waid und Alex Ross gekommen ist), zu nicht weniger als zwanzig (Der Tod des Übermenschen). Im kontinentalen Europa, besonders Belgien und Frankreich, sind solche Sammlungen gewöhnlich in der Größe etwas größer und mit einem Deckel des eingebundenen Buches, ein Format veröffentlicht, das von Tintin' Reihe in den 1930er Jahren gegründet ist. Diese werden komische Alben, ein Begriff genannt, der sich in den Vereinigten Staaten auf Anthologie-Bücher bezieht. Das Vereinigte Königreich hat keine große Tradition solcher Sammlungen, obwohl während des Kolosses der 1980er Jahre das Veröffentlichen eine Linie gestartet hat, die Geschichten vorher veröffentlicht 2000 n.Chr. sammelt.

Das grafische neuartige Format ist dem typischen Buchveröffentlichen mit Arbeiten ähnlich, die sowohl im eingebundenen Buch als auch in den Paperback-Ausgaben veröffentlichen werden. Der Begriff hat einen schwierigen bewiesen, um völlig zu definieren, und bezieht sich nicht nur auf die Fiktion sondern auch sachlichen Arbeiten, und wird auch gebraucht, um Sammlungen vorher in Fortsetzungen veröffentlichter Arbeiten sowie ursprünglichen Materials zu beschreiben. Einige Herausgeber unterscheiden zwischen solchem Material, den Begriff "ursprünglicher grafischer Roman" für die Arbeit beauftragt besonders für die Form gebrauchend.

Zeitungsstreifen werden auch gesammelt sowohl in Europa als auch in den Vereinigten Staaten. In den Vereinigten Staaten ist die Auswahl an in Büchern nachzudruckenden Streifen häufig etwas willkürlich gewesen, aber es hat mehrere neue Anstrengungen gegeben, ganze Sammlungen der populäreren Zeitungsstreifen zu erzeugen.

Im Vereinigten Königreich ist es für den Comic-Markt der Kinder traditionell, komische Jahrbücher zu veröffentlichen, die Bücher des eingebundenen Buches sind, die Streifen, sowie Textgeschichten und Rätsel und Spiele enthalten. In den Vereinigten Staaten war das komische Jahrbuch eine Sommerveröffentlichung, normalerweise ein verlängertes komisches Buch mit über eine Linie eines Herausgebers von Comics häufig verbundenen Handlungen der Geschichte.

In Japan werden Comics gewöhnlich zuerst in manga Zeitschriften und im Tankōbon-Format kompilierten Letzteren in Fortsetzungen veröffentlicht. In Südafrika, Supa Strikas, einem wöchentlichen komischen Buch, das mehr als eine Million Leser weltweit, in jedem Rahmen des Cartoons eingebettete Gebrauch-Werbung erreicht, um Einnahmen zu erzeugen, anstatt seine Leser zu beladen.

Webcomics, auch bekannt als Online-Comics, sind Comics, die im Internet verfügbar sind. Viele webcomics werden online exklusiv veröffentlicht, während einige im Druck veröffentlicht werden, aber ein Webarchiv entweder aus kommerziellen oder aus künstlerischen Gründen unterstützen. Mit dem leichten Zugang des Internets zu einem Publikum laufen webcomics das gesamte Spektrum von traditionellen Cartoons bis grafische Romane und darüber hinaus durch.

Webcomics sind selbstveröffentlichten Druckcomics darin ähnlich fast jeder kann ihren eigenen webcomic schaffen und ihn im Web veröffentlichen. Zurzeit gibt es Tausende von webcomics verfügbar online, mit etwas Erzielen populärer, kritischer oder kommerzieller Erfolg. Die Bibel-Kameradschaft von Perry wird im Druck zu einem Syndikat vereinigt, während der Krebs der Mama von Brian Fies den Eröffnungspreis von Eisner für Digitalcomics 2005 gewonnen hat und nachher gesammelt und im eingebundenen Buch veröffentlicht wurde.

Die Comic-Form kann auch verwertet werden, um Information in Mischmedien zu befördern. Zum Beispiel haben Streifen zu erzieherischen oder informativen Zwecken, namentlich die Instruktionen auf eine Sicherheitskarte eines Flugzeuges entwickelt. Diese Streifen werden allgemein Unterrichtscomics genannt. Die Comic-Form wird auch im Film und der Zeichentrickfilm-Industrie durch storyboarding verwertet. Storyboards sind Illustrationen, die in der Folge zum Zweck gezeigt sind, sich einen belebten oder Film der lebenden Handlung zu vergegenwärtigen. Ein storyboard ist im Wesentlichen ein großer Komiker des Films oder eine Abteilung des Films erzeugt im Voraus, um den Direktoren zu helfen, und Kameramänner vergegenwärtigen sich die Szenen und finden potenzielle Probleme, bevor sie vorkommen. Häufig schließen storyboards Pfeile oder Instruktionen ein, die Bewegung anzeigen.

Wie viele andere Medien können Comics auch selbstveröffentlicht werden. Ein typisches Format für Selbstherausgeber und strebende Fachleuten ist das minikomische, normalerweise kleine, häufig fotokopiert und geheftet oder mit einer handgefertigten Schwergängigkeit. Das ist ein allgemeiner billiger Weg für diejenigen, die ihre eigenen Comics auf einem sehr kleinen Budget mit größtenteils informellen Mitteln des Vertriebs machen wollen. Mehrere Karikaturisten haben diesen Weg angefangen und sind zu traditionelleren Typen des Veröffentlichens weitergegangen, während andere mehr feststehende Künstler fortsetzen, Minicomics auf der Seite zu erzeugen. In Japans selbstveröffentlichten Comics, wissen Sie als dōjinshi, haben Sie ihre eigene sehr populäre komische Tagung, Comiket, der eine Bedienung der mehr als Hälfte der Million Menschen hat.

Künstlerisches Medium

Das Definieren von Comics

Gelehrte stimmen auf der Definition von Comics nicht überein; ein Anspruch sein gedrucktes Format ist entscheidend, betonen einige die Korrelation des Images und Textes und anderer seine folgende Natur. Der Begriff als eine Verweisung auf das Medium ist auch diskutiert worden.

1996 hat Will Eisner Grafische Erzählkunst veröffentlicht, in der er Comics als "die gedruckte Einordnung der Kunst und Ballons in der Folge besonders in komischen Büchern definiert hat." Die frühere, einflussreichere Definition von Eisner von Comics und Folgender Kunst (1985) hat die Technik und Struktur von Comics als folgende Kunst, "die Einordnung von Bildern oder Images und Wörtern beschrieben, um eine Geschichte zu erzählen oder eine Idee zu dramatisieren."

Im Verstehen von Comics (1993) hat Scott McCloud folgende Kunst und Comics als "nebeneinander gestellte bildliche und andere Images in der absichtlichen Folge, beabsichtigt definiert, um Information zu befördern und/oder eine ästhetische Antwort im Zuschauer zu erzeugen." diese Definition schließt Illustrationen der einzelnen Tafel wie Die Weite Seite, Der Familienzirkus und die meisten politischen Cartoons von der Kategorie aus, diejenigen als Cartoons klassifizierend. Im Vergleich hat Die Comic-Zeitschrift "100 Beste Comics des 20. Jahrhunderts" hat die Arbeiten von mehreren Karikaturisten der einzelnen Tafel und einem Karikaturisten und akademischer Studie von Comics eingeschlossen, politische Cartoons eingeschlossen.

R. C. Harvey, in seinem Aufsatz Komödie am Zeitpunkt des Wortes und Images, hat eine konkurrierende Definition in der Verweisung auf McCloud angeboten: "... Comics bestehen aus bildlichen Berichten oder Ausstellungen, in denen Wörter (häufig gelehrt ins Bildergebiet innerhalb von Rede-Ballons) gewöhnlich zur Bedeutung der Bilder und umgekehrt beitragen." Das ignoriert jedoch die Existenz von Pantomime-Comics wie Henry von Carl Anderson.

Die meisten geben zu, dass Zeichentrickfilm, der die optische Täuschung der Bewegung innerhalb eines statischen physischen Rahmens schafft, eine getrennte Form ist, obwohl ImageTexT, eine von Experten begutachtete akademische Zeitschrift, die sich auf Comics konzentriert, Vorlagen in Zusammenhang mit dem Zeichentrickfilm ebenso akzeptiert, und sich die dritte jährliche Konferenz für Comics an der Universität Floridas auf Comics und Zeichentrickfilm konzentriert hat.

Kunststile

Während fast die ganze Comic-Kunst in einem Sinn abgekürzt, und auch ist, während jeder Künstler, der Comic-Arbeit erzeugt hat, ihrer eigenen individuellen Ansprache dazu bringt zu tragen, sind einige breitere Kunststile identifiziert worden. Cartoon-Künstler Cliff Sterrett und Gus Arriola haben häufig ungewöhnliche, bunte Hintergründe verwendet, manchmal sich in die abstrakte Kunst drehend.

Die grundlegenden Stile sind als realistisch und cartoony mit einem riesigen Mittelgrund identifiziert worden, für den R. Fiore den liberalen Ausdruck ins Leben gerufen hat. Fiore hat auch Abneigung mit den Begriffen realistisch und cartoony ausgedrückt, die Begriffe Druckfehler und Freistil beziehungsweise bevorzugend.

Scott McCloud hat Das Große Dreieck als ein Werkzeug geschaffen, um an Comic-Kunst zu denken. Er legt die realistische Darstellung in die Ecke unten links, mit der ikonischen Darstellung oder cartoony Kunst, im untersten Recht, und einem dritten Bezeichner, der Abstraktion des Images an der Spitze des Dreiecks. Das erlaubt Stellen und Gruppierung von Künstlern durch die Triangulation.

• Der cartoony Stil verwendet komische Effekten und eine Schwankung von Linienbreiten für den Ausdruck. Charaktere neigen dazu, Anatomie rund gemacht zu haben, vereinfacht zu haben. Bekannte Hochzahlen dieses Stils sind Carl Barks und Jeff Smith.
• Der realistische Stil, auch gekennzeichnet als der Abenteuer-Stil ist derjenige, der für den Gebrauch innerhalb der Abenteuer-Streifen der 1930er Jahre entwickelt ist. Sie haben weniger Cartoony-Blick verlangt, sich mehr auf die realistische Anatomie und Gestalten konzentrierend, und haben die Illustrationen verwendet, die in Fruchtfleisch-Zeitschriften als eine Basis gefunden sind. Dieser Stil ist die Basis des Superheld-Stils des komischen Buches geworden, seitdem Joe Shuster und Jerry Siegel ursprünglich Übermenschen für die Veröffentlichung als ein Abenteuer-Streifen verarbeitet haben.

McCloud bemerkt auch, dass in mehreren Traditionen es eine Tendenz gibt, die Hauptcharaktere gezogen ziemlich vereinfacht und cartoony zu haben, während die Hintergründe und Umgebung realistisch gezeichnet werden. So streitet er, der Leser identifiziert sich leicht mit den Charakteren, (weil sie jemandes Idee von selbst ähnlich sind), während man in eine Welt versenkt wird, ist es dreidimensional und strukturiert. Gute Beispiele dieses Phänomenes schließen Herge Die Abenteuer von Tintin (in seiner "persönlichen Handelsmarke" Stil von Ligne claire), der Geist von Will Eisner und Buddha von Osamu Tezuka, unter vielen anderen ein.

Sprache

Wie bemerkt, oben sind zwei verschiedene Definitionen verwendet worden, um Comics als eine Kunstform zu definieren: die Kombination sowohl des Wortes als auch Images; und das Stellen von Images in der folgenden Ordnung. Beide Definitionen fehlen, in dem das erste jede Folge von wortlosen Images ausschließt; und das zweite schließt einzelne Tafel-Cartoons wie Herausgebercartoons aus. Der Zweck von Comics ist sicher der der Narration, und so dass ein wichtiger Faktor im Definieren der Kunstform sein muss.

Comics, als folgende Kunst, betonen die bildliche Darstellung eines Berichts. Das bedeutet, dass Comics nicht eine illustrierte Version der Standardliteratur sind, und während einige Kritiker behaupten, dass sie eine Mischform der Kunst und Literatur sind, behaupten andere, dass Comics eine neue und getrennte Kunst sind; ein einheitlicher Ganzer, Wörter und Images beide, wo die Bilder wirklich nicht nur die Geschichte zeichnen, aber ein Teil des Erzählens sind. In Comics übersenden Schöpfer Ausdruck durch die Einordnung und Nebeneinanderstellung entweder von Bildern allein, oder von Wort (Ern) und Bild (Ern), um einen Bericht zu bauen.

Die Narration eines Komikers wird durch das Lay-Out der Images, und während, als in Filmen dargelegt, es kann viele Menschen geben, die an einer Arbeit arbeiten, führt eine Vision des Berichts die Arbeit. Künstler können das Lay-Out von Images auf einer Seite verwenden, um Zeitablauf zu befördern, Spannung oder Höhepunkt-Handlung zu bauen.

Für eine vollere Erforschung der Sprache, sieh Comic-Vokabular.

Komische Entwicklung

Comic-Künstler skizzieren gewöhnlich eine Zeichnung mit Bleistift vor dem Durchgehen der Zeichnung in Tusche, mit entweder einem Kugelschreiber des kurzen Bades oder einer Bürste. Künstler können auch einen lightbox verwenden, um das Endimage in Tinte zu schaffen. Einige Künstler, Brian Bolland zum Beispiel, verwenden Computergrafik mit der veröffentlichten Arbeit als das erste physische Äußere der Gestaltungsarbeit. Durch viele Definitionen (einschließlich McClouds oben) streckt sich die Definition von Comics bis zu Digitalmedien wie webcomics und der bewegliche Komiker aus.

Die Natur der Comic-Arbeit, die wird schafft, bestimmt die Anzahl der Leute, die an seiner Entwicklung, mit erfolgreichen Cartoons und komischen Büchern arbeiten, die durch ein Studio-System erzeugen werden, in dem ein Künstler eine Mannschaft von Helfern versammelt, um zu helfen, die Arbeit zu schaffen. Jedoch, Arbeiten von unabhängigen Gesellschaften, können Selbstherausgeber oder diejenigen einer persönlicheren Natur von einem einzelnen Schöpfer erzeugt werden.

Innerhalb der Industrie des komischen Buches der Vereinigten Staaten ist das Studio-System gekommen, um die Hauptmethode der Entwicklung zu sein. Durch seinen Gebrauch durch die Industrie sind die Rollen schwer kodifiziert geworden, und das Handhaben des Studios ist die Verantwortung der Gesellschaft mit einem Redakteur geworden, der die Verwaltungsaufgaben entlädt. Der Redakteur versammelt mehrere Schöpfer und beaufsichtigt die Arbeit zur Veröffentlichung.

Jede Anzahl der Leute kann bei der Entwicklung eines komischen Buches auf diese Weise, von einem Verschwörer, einem Durchbruchskünstler, einem penciller, einem inker, einem Texter, einem letterer und einem Farbenkünstler mit einigen Rollen helfen, die durch dieselbe Person durchführen werden.

Im Gegensatz neigt ein Cartoon dazu, die Arbeit eines alleinigen Schöpfers zu sein, gewöhnlich hat einen Karikaturisten genannt. Jedoch ist es für einen Karikaturisten ziemlich üblich, die Studio-Methode besonders zu verwenden, wenn ein Streifen erfolgreich wird. Mort Walker hat ein Studio angestellt, während sich Bill Watterson der Studio-Methode enthalten hat, es vorziehend, den Streifen selbst zu schaffen. Knebel, politische und redaktionelle Karikaturisten neigen dazu, allein ebenso zu arbeiten, obwohl ein Karikaturist Helfer verwenden kann.

Werkzeuge

Künstler verwenden eine Vielfalt von Bleistiften, Papier, normalerweise Bristoler Ausschuss und eine wasserdichte Tinte. Als sie mit Tinte geschwärzt haben, haben viele Künstler es vorgezogen, Winsor & Newton Series 7, #3 Bürste als das Hauptwerkzeug zu verwenden, das in Verbindung mit anderen Bürsten, Kugelschreibern des kurzen Bades, einem Füllfederhalter und/oder einer Vielfalt von technischen Kugelschreibern oder Anschreibern verwendet werden konnte. Mechanische Tönungen können verwendet werden, um grauen Ton zu einem Image hinzuzufügen. Ein Künstler könnte mit Acryl, Guasch, Plakatfarben oder Wasserfarben malen. Farbe kann auch durch Farbstifte, Pastelle oder Farbstifte erreicht werden.

Radiergummi, Lineale, Schablonen, Zeichenwinkel und eine Reißschiene helfen beim Schaffen von Linien und Gestalten. Ein Zeichnungstisch versorgt eine winklige Arbeitsoberfläche mit dem Tisch manchmal beigefügten Lampen. Ein leichter Kasten erlaubt einem Künstler, seine Bleistift-Arbeit zu verfolgen, wenn er mit Tinte schwärzt, einen loseren Schluss berücksichtigend. Messer und Skalpelle füllen eine Vielfalt von Bedürfnissen, einschließlich des Schneidausschusses oder der abkratzenden Fehler. Eine Schneidmatte hilft dem Papierzurichten. Weißer Prozess ist ein dickes undurchsichtiges weißes Material, um Fehler zu bedecken. Bindemittel und Bänder helfen Zusammensetzung ein Image von verschiedenen Quellen.

Computererzeugte Comics

Computer haben drastisch die Industrie geändert, und heute schaffen viele Karikaturisten und Illustratoren Digitalillustrationen mit Computern, Grafikblöcken und Scannern. Digitalkunst hat traditionelle Kugelschreiber-Und-Tintenzeichnungen auf einer steigenden Zahl von komischen Büchern und Streifen ersetzt. Historisch waren die ersten völlig computererzeugten Comics Brechen durch Peter B. Gillis und Mike Saenz 1985, und durch Pepe Moreno 1990 In Stücke. Schriftsteller Sharon Bowers hat mit dem Künstler Adrian Sinnott am Kurzen Märchen des Hunny Häschens, kurzen Gutenachtgeschichten für Kinder zusammengearbeitet; zu einem Syndikat vereinigt von König Features Mitte zu den späten 1990er Jahren war die Eigenschaft einer der ersten Tafel-Cartoons geliefert elektronisch.

Einige Illustratoren tun eine Bleistift-Skizze, scannen sie und verwenden dann verschiedene Softwareprogramme, um die beendete Kunst durchzuführen, Abteilungen der Zeichnung für die ausführliche nahe Arbeit vergrößernd. Um Deckel des komischen Buches zu schaffen, überträgt Jim McDermott seine Zeichnungen seinem Computer und entwickelt dann Digitalbilder, die das Äußere des Acryls oder der Ölgemälde vortäuschen. Dave McKean hat auch sowohl traditionelle als auch digitale Methoden verbunden. Schöpfer von Lackadaisy Tracy Butler hat ihre Methode erklärt:

:When, der linework tut, meine Vorliebe soll darüber der altmodische Weg mit einem einfachen mechanischen Bleistift und etwas kräftigem Papier gehen. Sobald eine Seite völlig pencilled ist, scanne ich sie und beginne, digital an der Reinigung zu arbeiten, sich entzündend und harmonierend. Dafür verlasse ich mich allgemein auf Adobe Photoshop, einen vertrauensvollen Block und Kugelschreiber und viel Kaffee.

1998 hat Pete Nash völlig digitalisierte Gestaltungsarbeit auf seinem Streikender-Cartoon für Die Sonne gezeigt. Computer werden jetzt sowohl für das Färben als auch für die Beschriftung weit verwendet, ein komisches Buch letterers zwingend, anderswohin für die Arbeit zu schauen. Karikaturist von Snuffy Smith Fred Lasswell, ein fruchtbarer Erfinder und früher Adoptierender der neuen Technologie, war einer der ersten Karikaturisten, um Cartoons zum Syndikat von König Features per E-Mail zu schicken, und er hat auch für den Gebrauch der computererzeugten Beschriftung den Weg gebahnt.

Auf dem Cartoon Blondie macht Computertechnologie es möglich für den Schriftsteller Dean Young, den Karikaturisten John Marshall und den Kunsthelfer Frank Cummings, um zusammenzuarbeiten, wenn auch sie in drei verschiedenen Staaten leben. Das Studio von Marshall ist in Binghamton, New York und Leben von Cummings in Birmingham, Alabama, während Young zwischen Vermont und Florida abwechselt. Um die fein polierten in Blondie gesehenen Einfärben-Details zu gewinnen, arbeitet Marshall an einem mit seinem Macintosh verbundenen Block von Wacom. Zuerst zieht er einen rauen, gesandtes Young für die Rezension, und dann ist es zurück zum Computer für die beendete Kunst, geliefert elektronisch an König Features. Künstler Sophy Khon davon verwendet Unten Unten Studio von Manga, das gerade eines mehrerer Softwarepakete ist, spezifisch hat darauf gezielt, Webcomics auf eine schnelle und leichte Weise zu schaffen. Die Software Movie2Comics verändert Filmklammern in Comics als die Schöpfer, erklärt:

:As ein Typ der Gestaltungsarbeit, Comics sind überwiegend und um die Welt populär. Jedoch, trotz der Verfügbarkeit der assistive Software und Werkzeuge, ist die Entwicklung von Comics noch ein arbeitsintensiver und zeitraubender Prozess. Dieses Papier schlägt ein Schema vor, das im Stande ist, eine Filmbüroklammer zu Comics automatisch zu drehen. Zwei Grundsätzen wird im Schema gefolgt: (1) Optimierung der Informationsbewahrung des Films; und (2) Erzeugen-Produktionen im Anschluss an die Regeln und die Stile von Comics. Das Schema enthält hauptsächlich drei Bestandteile: Schrift-Gesicht kartografisch darstellende, beschreibende Bilderförderung und cartoonization. Das kartografisch darstellende Schrift-Gesicht verwertet Gesichtsverfolgen- und Anerkennungstechniken, um zu vollbringen, zwischen Charakter-Gesichtern und ihren Schriften kartografisch darzustellen. Die beschreibende Bilderförderung erzeugt dann eine Folge von Rahmen für die Präsentation. Schließlich wird der cartoonization über drei Schritte vollbracht: Tafel-Schuppen, Stilisierung und Comic-Lay-Out-Design. Experimente werden auf einer Reihe von Filmbüroklammern durchgeführt, und die Ergebnisse haben die Nützlichkeit und die Wirksamkeit des Schemas demonstriert.

In der Hochschulbildung

Eine steigende Zahl von Universitäten um die Welt erkennt die akademische Gesetzmäßigkeit von Comic-Studien an, zu einem größeren Betrag von Comic-Kursen führend, die am Universitätsniveau anbieten werden.

Siehe auch

• Billy Cartoon von Irland Library & Museum
• Comic-Vokabular
• Liste von Zeitungscartoons
• Sachliteratur-Comics

Kommentare

Bibliografie

• Fiore. R (2005).
• Santos, Derek (1998)
• Williams, Jeff. "Comics: Ein Werkzeug des Umsturzes?" Zeitschrift des Strafrechts und der Populären Kultur, 2 (6) (1994) 129-146

Weiterführende Literatur

• Transportunternehmen von David, Die Ästhetik von Comics, Staatlicher Presse von Penn, 2002 internationale Standardbuchnummer 0-271-02188-8
• Comics von Will Eisner und Folgende internationale Kunsthospiz-Presse-1985-Standardbuchnummer 0-9614728-0-4
• Will Eisner Grafische internationale Erzählkunst-Hospiz-Presse-1995-Standardbuchnummer 0-9614728-3-9
• Gary Groth & R. Fiore Die Neuen Comics internationale Buch-1988-Standardbuchnummer von Berkley 0-425-11366-3
• Hrsg. von Maurice Horn Die Weltenzyklopädie von Comics Avon internationale 1977-Standardbuchnummer 0-87754-323-2
• Scott McCloud, der Comics - die Unsichtbare internationale Kunst-1994-Standardbuchnummer von HarperCollins 0-613-02782-5 Versteht
• Comics von Robert S. Petersen, Manga und Grafische Romane - Eine Geschichte des Grafischen Berichts Praeger internationale 2010-Standardbuchnummer 0-313-36330-7
• Roger Sabin Comics, Comix und Graphic Novels: eine Geschichte der Phaidon Komischen internationalen Kunst-1996-Standardbuchnummer 0-7148-3993-0
• Coulton Waugh Die Comics, Macmillan, 1947 internationale Standardbuchnummer 0-87805-499-5
• Richard O'Brien Das Goldene Zeitalter von Comics, Ballantine Büchern, 1977. Internationale Standardbuchnummer 0-345-25535-6

Links

Billy Cartoon von Irland Library & Museum

• Michiganer Komiker der staatlichen Universität Kunstsammlung
• Komische Kunstsammlung an der Universität Missouris
• Datenbank des komischen Buches
• Großartige Comic-Datenbank
• Inducks - Die Comic-Datenbank von Disney
• Comic-Archive und Herausgebercartoons
• Cartoon-Kunstmuseum San Franciscos
• Zeit die Sammlung von Archiven von Comics
• Sammler-Führer von GetSlabbed: Information über sich versammelnde Comics
• Historieta y Animación
• Tägliche Cartoons Indexer