Caspar David Friedrich (am 5. September 1774 - am 7. Mai 1840) war ein Deutscher des 19. Jahrhunderts Romantischer Landschaft-Maler, allgemein hat den wichtigsten deutschen Künstler seiner Generation gedacht. Er ist für seine Mitte der Periode allegorische Landschaften am besten bekannt, die normalerweise nachdenkliche Zahlen silhouetted gegen Nachthimmel, Morgennebel, unfruchtbare Bäume oder gotische Ruinen zeigen. Sein primäres Interesse als ein Künstler war das Nachdenken der Natur, und seine häufig symbolische und antiklassische Arbeit bemüht sich, eine subjektive, emotionale Antwort auf die natürliche Welt zu befördern. Die Bilder von Friedrich setzen charakteristisch eine menschliche Anwesenheit in der verringerten Perspektive mitten in mitteilsamen Landschaften, die Zahlen auf eine Skala reduzierend, die, gemäß dem Kunsthistoriker Christopher John Murray, "den Blick des Zuschauers zu ihrer metaphysischen Dimension" leitet.

Friedrich ist in der schwedischen Pommerischen Stadt Greifswald geboren gewesen, wo er seine Studien in der Kunst als eine Jugend begonnen hat. Er hat in Kopenhagen bis 1798 vor dem Festsetzen in Dresden studiert. Er ist volljährig während einer Periode gekommen, als, über Europa, eine wachsende Enttäuschung mit der materialistischen Gesellschaft eine neue Anerkennung der Spiritualität verursachte. Diese Verschiebung in Idealen wurde häufig durch eine neue Abschätzung der natürlichen Welt ausgedrückt, weil Künstler wie Friedrich, sich J.M.W. Turner (1775-1851) und Polizist von John (1776-1837) bemüht haben, Natur als eine "Gottesentwicklung zu zeichnen, gegen den Kunstgriff der menschlichen Zivilisation gesetzt zu werden".

Die Arbeit von Friedrich hat ihm Ruhm früh in seiner Karriere gebracht, und Zeitgenossen wie der französische Bildhauer David d'Angers (1788-1856) haben von ihm als ein Mann gesprochen, der "die Tragödie der Landschaft" entdeckt hatte. Dennoch ist seine Arbeit von der Bevorzugung während seiner späteren Jahre gefallen, und er ist in der Zweideutigkeit, und in den Wörtern des Kunsthistorikers Philip Miller, "verrückte Hälfte gestorben". Da Deutschland an Modernisierung gegen Ende des 19. Jahrhunderts herangegangen ist, hat eine neue Dringlichkeit seine Kunst charakterisiert, und die nachdenklichen Bilder von Friedrich der Stille sind gekommen, um als die Produkte eines vergangenen Alters gesehen zu werden. Der Anfang des 20. Jahrhunderts hat eine erneuerte Anerkennung seiner Arbeit gebracht, 1906 mit einer Ausstellung von zweiunddreißig seiner Bilder und Skulpturen in Berlin beginnend. Vor den 1920er Jahren waren seine Bilder von den Expressionisten, und in den 1930er Jahren und Anfang Surrealisten der 1940er Jahre entdeckt worden, und Existenzialisten haben oft Ideen von seiner Arbeit gezogen. Der Anstieg des Nazismus am Anfang der 1930er Jahre hat wieder ein Wiederaufleben in der Beliebtheit von Friedrich gesehen, aber dem wurde von einem scharfen Niedergang gefolgt, wie seine Bilder, von der Vereinigung mit der nazistischen Bewegung, missdeutet waren als, einen nationalistischen Aspekt zu haben. Erst als das Ende der 1970er Jahre, dass Friedrich seinen Ruf als eine Ikone der deutschen Romantischen Bewegung und ein Maler der internationalen Wichtigkeit wiedergewonnen hat.

Leben

Frühe Jahre und Familie

Caspar David Friedrich ist am 5. September 1774, in Greifswald, das schwedische Pommern auf der Baltischen Küste Deutschlands geboren gewesen. Das sechste von zehn Kindern, er wurde in den strengen lutherischen Prinzipien seines Vaters Adolf Gottlieb Friedrich, eines Kerze-Schöpfers und Seife-Boilers erzogen. Aufzeichnungen der Finanzverhältnisse der Familie sind widersprechend; während einige Quellen anzeigen, dass die Kinder privat unterrichtet wurden, registrieren andere das sie wurden in der Verhältnisarmut erhoben. Caspar David war mit dem Tod durch ein frühes Alter vertraut. Seine Mutter, Sophie Dorothea Bechly, ist 1781 gestorben, als er gerade sieben Jahre alt war. Ein Jahr später ist seine Schwester Elisabeth gestorben, während eine zweite Schwester, Maria, Fleckfieber 1791 erlegen hat. Wohl war die größte Tragödie seiner Kindheit der 1787-Tod seines Bruders Johann Christoffer: Im Alter von dreizehn Jahren hat Caspar David gezeugt sein jüngerer Bruder misslingen das Eis eines eingefrorenen Sees und ertrinken. Einige Rechnungen weisen darauf hin, dass Johann Christoffer zugrunde gegangen ist, während er versucht hat, Caspar David zu retten, der auch in Gefahr auf dem Eis war.

Friedrich hat seine formelle Studie der Kunst 1790 als ein privater Student des Künstlers Johann Gottfried Quistorp an der Universität von Greifswald begonnen. Quistorp hat seine Studenten auf Außenzeichnungsausflügen genommen; infolgedessen wurde Friedrich dazu ermuntert, vom Leben in einem frühen Alter eine Skizze zu machen. Durch Quistorp hat sich Friedrich getroffen und war nachher unter Einfluss des Theologen Ludwig Gotthard Kosegarten, der gelehrt hat, dass Natur eine Enthüllung des Gottes war. Quistorp hat Friedrich in die Arbeit des deutschen Künstlers des 17. Jahrhunderts Adam Elsheimer vorgestellt, dessen Arbeiten häufig religiöse Themen eingeschlossen haben, die durch die Landschaft und nächtlichen Themen beherrscht sind. Während dieser Periode hat er auch Literatur und Ästhetik mit dem schwedischen Professor Thomas Thorild studiert. Vier Jahre später ist Friedrich in die renommierte Akademie Kopenhagens eingegangen, wo er seine Ausbildung begonnen hat, indem er Kopien von Würfen von antiken Skulpturen vor dem Verfahren zur Zeichnung vom Leben gemacht hat. Das Leben in Kopenhagen hat den jungen Maler-Zugang zur Sammlung der Galerie Royal Picture der holländischen Landschaft-Malerei des 17. Jahrhunderts gewährt. An der Akademie hat er unter Lehrern wie Christian August Lorentzen und der Landschaft-Maler Jens Juel studiert. Diese Künstler wurden durch Sturm und Drang Bewegung begeistert und haben einen Mittelpunkt zwischen der dramatischen Intensität und ausdrucksvollen Weise des Knospens Romantisch ästhetisch und das abnehmende neoklassizistische Ideal vertreten. Stimmung war oberst, und Einfluss wurde von solchen Quellen wie die isländische Legende von Edda, die Gedichte von Ossian und skandinavischer Mythologie gezogen.

Friedrich hat sich dauerhaft in Dresden 1798 niedergelassen. Während dieser frühen Periode hat er in printmaking mit dem Ätzen und den Designs für Holzschnitte experimentiert, die sein Möbelschöpfer-Bruder geschnitten hat. Vor 1804 hatte er 18 Ätzen und vier Holzschnitte erzeugt; sie wurden anscheinend in kleinen Zahlen gemacht und nur Freunden verteilt. Trotz dieser Raubzüge in andere Medien ist er vom Arbeiten in erster Linie mit Tinte, Aquarellfarbe und Sepia angezogen geworden. Mit Ausnahme von einigen frühen Stücken, solcher als (1797), hat er umfassend mit Ölen nicht gearbeitet, bis sein Ruf mehr gegründet wurde. Landschaften waren sein bevorzugtes Thema, das durch häufige Reisen begeistert ist, 1801, zur Baltischen Küste, Bohemia, dem Riesen und den Harz Bergen beginnend. Größtenteils gestützt auf den Landschaften des nördlichen Deutschlands zeichnen seine Bilder Wälder, Hügel, Häfen, Morgennebel und andere auf einer nahen Beobachtung der Natur gestützte Lichteffekte. Diese Arbeiten wurden auf Skizzen und Studien von landschaftlichen Punkten, wie die Klippen auf Rügen, den Umgebungen Dresdens und des Flusses Elbe modelliert. Er hat seine Studien fast exklusiv mit Bleistift durchgeführt, sogar topografische Auskunft gebend, noch wurde die feine atmosphärische Effekten-Eigenschaft der Bilder der Mitte der Periode von Friedrich auswendig gemacht. Diese Effekten haben ihre Kraft vom Bild des Lichtes, und der Beleuchtung der Sonne und des Monds auf Wolken und Wasser genommen: Optische Phänomene, die der Baltischen Küste eigenartig sind, die mit solch einer Betonung nie vorher gemalt worden war.

Bewegen Sie sich nach Dresden

Friedrich hat seinen Ruf als ein Künstler eingesetzt, als er einen Preis 1805 auf der Weimarer Konkurrenz gewonnen hat, die vom Schriftsteller, Dichter und Dramatiker Johann Wolfgang von Goethe organisiert ist. Zurzeit hat die Weimarer Konkurrenz dazu geneigt, mittelmäßig und jetzt längst vergessene Künstler zu ziehen, die abgeleitete Mischungen von neoklassizistischen und pseudogriechischen Stilen präsentieren. Die schlechte Qualität der Einträge hat begonnen, sich zerstörend zum Ruf von Goethe so zu erweisen, als Friedrich in zwei Sepia-Zeichnungen — Umzug bei Tagesanbruch und Fischer-Leute durch das Meer eingegangen ist — hat der Dichter enthusiastisch geantwortet und hat geschrieben, "Wir müssen die Findigkeit des Künstlers in diesem Bild ziemlich loben. Die Zeichnung wird gut getan, der Umzug ist genial und passend... seine Behandlung verbindet sehr viel Entschlossenheit, Fleiß und Ordentlichkeit... die geniale Aquarellfarbe ist auch... des Lobs würdig."

Friedrich hat das erste von seinen Hauptbildern 1807 im Alter von 34 Jahren vollendet. Das Kreuz in den Bergen, die heute als der Tetschen Altar bekannt sind (Galerie Neue Meister, Dresden), ist eine Altarbild-Tafel, die von der Gräfin von Thun für die Kapelle ihrer Familie in Tetschen, Bohemia beauftragt ist. Es sollte eine der wenigen Kommissionen sein, die der Künstler empfangen hat. Die Altar-Tafel zeichnet den gekreuzigten Christus im Profil an der Oberseite von einem Berg, der allein und durch die Natur umgeben ist. Das Kreuz erreicht den höchsten Punkt im bildlichen Flugzeug, aber wird von einem schiefen und einem entfernten Gesichtspunkt präsentiert, der für eine Kreuzigungsszene in der Westkunst ungewöhnlich ist. Natur beherrscht die Szene und zum ersten Mal in der christlichen Kunst, ein Altarbild präsentiert eine Landschaft. Gemäß dem Kunsthistoriker Linda Siegel ist das Design des Altarbildes der "logische Höhepunkt von vielen früheren Zeichnungen von seinem, der ein Kreuz in der Welt der Natur gezeichnet hat."

Die Arbeit wurde zuerst am Ersten Weihnachtsfeiertag, 1808 ausgestellt. Obwohl es allgemein kalt erhalten wurde, war es dennoch die erste Malerei von Friedrich, um breite Werbung zu erhalten. Die Freunde des Künstlers haben öffentlich die Arbeit verteidigt, während Kunstkritiker Basilius von Ramdohr einen langen Artikel veröffentlicht hat, der den Gebrauch von Friedrich der Landschaft in solch einem Zusammenhang zurückweist; er hat geschrieben, dass es "eine wahre Annahme sein würde, wenn Landschaft-Malerei in die Kirche schleichen und auf den Altar kriechen sollte". Ramdohr hat im Wesentlichen das Konzept herausgefordert, dass reine Landschaft-Malerei ausführliche Bedeutung befördern konnte. Friedrich hat mit einem Programm erwidert, das seine Absichten beschreibt. In seinem 1809-Kommentar zur Malerei hat er die Strahlen der Abendsonne zum Licht des Heiligen Vaters verglichen. Das Sinken der Sonne weist darauf hin, dass das Zeitalter, als Gott sich direkt dem Mann offenbart hat, gegangen ist. Diese Behauptung hat die einzige Zeit gekennzeichnet Friedrich hat eine ausführliche Interpretation seiner eigenen Arbeit registriert.

Friedrich wurde zu einem Mitglied der Berliner Akademie 1810 im Anschluss an den Kauf von zwei seiner Bilder vom preußischen Kronprinzen gewählt. Und doch 1816 hat er sich bemüht, sich von der preußischen Autorität zu distanzieren, und in diesem Juni hat sich um sächsische Staatsbürgerschaft beworben. Die Bewegung war durch seine Freunde unerwartet, weil die sächsische Regierung der Zeit pro-französisch war, während die Bilder von Friedrich bis heute als allgemein patriotisch und ausgesprochen antifranzösisch gesehen wurden. Dennoch, mithilfe von seinem Dresdener Freund Graf Vitzthum von Eckstädt, hat Friedrich nicht nur Staatsbürgerschaft, aber 1818, ein Platz in der sächsischen Akademie als ein Mitglied mit einer jährlichen Dividende von 150 thalers erreicht. Obwohl er gehofft hat, eine volle Professur zu erhalten, wurde sie ihm als gemäß der deutschen Bibliothek der Information nie zuerkannt, "es wurde gefühlt, dass seine Malerei, sein Gesichtspunkt zu persönlich war, der zu individuell ist, um als ein fruchtbares Beispiel Studenten zu dienen." Politik kann auch eine Rolle im Einstellen seiner Karriere gespielt haben: Die entschieden germanische Wahl von Friedrich des Themas und costuming hat sich oft mit den vorherrschenden pro-französischen Einstellungen der Zeit gestritten.

Ehe

Am 21. Januar 1818 hat Friedrich Caroline Bommer, die fünfundzwanzigjährige Tochter eines Färbers von Dresden geheiratet. Das Paar hatte drei Kinder, mit ihrem ersten, Emma, 1820 ankommend. Physiologe und Maler Carl Gustav Carus bemerken in seinen biografischen Aufsätzen, dass Ehe bedeutsam entweder auf das Leben oder auf Persönlichkeit von Friedrich, noch seine Meinungsumfragen von dieser Periode, einschließlich Kreide-Klippen auf Rügen — gemalt nicht eingewirkt hat, nachdem seine Flitterwochen — einen neuen Sinn des Leichtsinns zeigen, während seine Palette heller und weniger streng ist. Menschliche Zahlen erscheinen mit der zunehmenden Frequenz in den Bildern dieser Periode, die Siegel als ein Nachdenken interpretiert, dass "die Wichtigkeit vom menschlichen Leben, besonders seine Familie, jetzt seine Gedanken immer mehr, und seine Freunde, seine Frau besetzt, und seine Städter als häufige Themen in seiner Kunst erscheinen."

Um diese Zeit hat der Künstler Unterstützung von zwei Quellen in Russland gefunden. 1820 hat Großartiger Duke Nikolai Pavlovich, auf das Geheiß seiner Frau Alexandra Feodorovna, das Studio von Friedrich besucht und ist nach St. Petersburg mit mehreren seinen Bildern zurückgekehrt. Der Austausch hat den Anfang einer Schirmherrschaft gekennzeichnet, die viele Jahre lang weitergegangen hat. Nicht lange danach hat der Dichter Vasily Zhukovsky, Privatlehrer Alexander II, Friedrich 1821 getroffen und hat in ihm einen verwandten Geist gefunden. Seit Jahrzehnten hat Zhukovsky Friedrich geholfen, sowohl indem er seine Arbeit selbst gekauft hat, als auch indem er seine Kunst der königlichen Familie empfohlen hat; seine Hilfe zum Ende der Karriere von Friedrich hat sich unschätzbar dem kränklichen und verarmten Künstler erwiesen. Zhukovsky hat bemerkt, dass die Bilder seines Freunds "uns durch ihre Präzision, jeden von ihnen erfreuen, ein Gedächtnis in unserer Meinung erweckend."

Friedrich hat Philipp Otto Runge (1777-1810), einen anderen deutschen Hauptmaler der Romantischen Periode gekannt. Er war auch ein Freund von Georg Friedrich Kersting (1785-1847), wer ihn bei der Arbeit in seinem schmucklosen Studio, und des norwegischen Malers Johann Christian Dahl (1788-1857) gemalt hat. Dahl ist Friedrich während der letzten Jahre des Künstlers nah gewesen, und er hat Betroffenheit ausgedrückt, dass zum kunstkaufenden Publikum die Bilder von Friedrich nur "Wissbegierde" waren. Während der Dichter Zhukovsky die psychologischen Themen von Friedrich geschätzt hat, hat Dahl die beschreibende Qualität der Landschaften von Friedrich gelobt, kommentierend, dass "Künstler und Kenner in der Kunst von Friedrich nur eine Art Mystiker gesehen haben, weil sie selbst nur auf den Mystiker aufpassten... Sie haben die treue und gewissenhafte Studie von Friedrich der Natur in allem nicht gesehen, was er vertreten hat".

Während dieser Periode hat Friedrich oft Gedächtnisdenkmäler und Skulpturen für Mausoleen skizziert, seine Obsession mit dem Tod und dem Leben nach dem Tod widerspiegelnd; er hat sogar Designs für etwas von der Begräbniskunst in Dresdens Friedhöfen geschaffen. Einige dieser Arbeiten wurden im Feuer verloren, das Münchens Glaspalast (1931) und später in der 1945-Bombardierung Dresdens zerstört hat.

Späteres Leben und Tod

Der Ruf von Friedrich hat sich fest im Laufe der letzten fünfzehn Jahre seines Lebens geneigt. Da die Ideale der frühen Romantik von der Mode gegangen sind, ist er gekommen, um als ein exzentrischer Charakter und Melancholie-Charakter, ohne Verbindung mit den Zeiten angesehen zu werden. Allmählich sind seine Schutzherren gesunken. Vor 1820 lebte er als ein Einsiedler und wurde von Freunden als "am einsamsten des einsamen" beschrieben. Zum Ende seines Lebens hat er in der Verhältnisarmut gelebt und war von der Wohltätigkeit von Freunden immer abhängiger. Er ist isolierte und verausgabte lange Zeiträume des Tages und der Nacht geworden, allein durch Wälder und Felder spazieren gehend, häufig seine Spaziergänge vor dem Sonnenaufgang beginnend.

Im Juni 1835 hat Friedrich seinen ersten Schlag ertragen, der ihn mit geringer Gliederlähmung verlassen hat und außerordentlich seine Fähigkeit reduziert hat zu malen. Infolgedessen war er unfähig, in Öl zu arbeiten; stattdessen wurde er auf die Aquarellfarbe, die Sepia und das Überarbeiten älterer Zusammensetzungen beschränkt. Obwohl seine Vision stark geblieben ist, hatte er die volle Kraft seiner Hand verloren. Und doch ist er im Stande gewesen, eine schwarze 'Endmalerei', Seeküste durch das Mondlicht (1835-36), beschrieben von Vaughan als "am dunkelsten aller seiner Uferlinien zu erzeugen, in denen der Reichtum der Klangfarbe den Mangel an seiner ehemaligen Finesse ersetzt". Symbole des Todes sind in seiner anderen Arbeit von dieser Periode erschienen. Bald nach seinem Schlag hat die russische königliche Familie mehrere seine frühere Arbeiten gekauft, und der Erlös hat ihm erlaubt, zu Teplitz — im heutigen Tschechien zu reisen —, um zu genesen.

Während der Mitte der 1830er Jahre hat Friedrich eine Reihe von Bildnissen begonnen, und er ist zum Beobachten von sich in der Natur zurückgekehrt. Wie der Kunsthistoriker William Vaughan jedoch bemerkt hat, "Kann er sich als ein außerordentlich geänderter Mann sehen. Er ist nicht mehr die aufrechte, unterstützende Zahl, die in Zwei Männern erschienen ist, die über den Mond 1819 Nachdenken. Er ist alt und steif... er bewegt sich mit einem Beugen". Vor 1838 war er nur zum Arbeiten in einem kleinen Format fähig. Er und seine Familie lebten in Armut und sind immer abhängiger für die Unterstützung auf der Wohltätigkeit von Freunden gewachsen.

Als Friedrich im Mai 1840 gestorben ist, wurde sein Übergang wenig innerhalb der künstlerischen Gemeinschaft bemerkt. Bis dahin nahmen sein Ruf und Berühmtheit ab. Seine Gestaltungsarbeit war sicher während seiner Lebenszeit, aber nicht weit anerkannt worden. Während die nahe Studie der Landschaft und einer Betonung auf den geistigen Elementen der Natur in der zeitgenössischen Kunst gewöhnlich war, war seine Arbeit zu ursprünglich und persönlich, um gut verstanden zu werden. Vor 1838 hat seine Arbeit nicht mehr verkauft oder hat Aufmerksamkeit von Kritikern erhalten; die Romantische Bewegung war vom frühen Idealismus abgerückt, dem der Künstler gefunden geholfen hatte. Nach seinem Tod hat Carl Gustav Carus eine Reihe von Artikeln geschrieben, die Anerkennung der Transformation von Friedrich der Vereinbarung der Landschaft-Malerei gezollt haben. Jedoch haben die Artikel von Carus Friedrich fest in seiner Zeit gelegt, und haben den Künstler innerhalb einer ständigen Tradition nicht gelegt. Nur ein seiner Bilder waren als ein Druck wieder hervorgebracht worden, und das wurde in sehr wenigen Kopien erzeugt.

Themen

Landschaft und das erhabene

Die Visualisierung und Beschreibung der Landschaft auf eine völlig neue Weise waren die Schlüsselneuerung von Friedrich. Er hat sich nicht nur bemüht, das glückliche Vergnügen einer schönen Ansicht, als in der klassischen Vorstellung zu erforschen, aber eher einen Moment der Erhabenheit, einer Wiedervereinigung mit dem geistigen selbst durch das Nachdenken der Natur zu untersuchen. Friedrich war in der sich verwandelnden Landschaft in der Kunst von einer Kulisse instrumental, die dem menschlichen Drama zu einem geschlossenen gefühlsbetonten Thema untergeordnet ist. Die Bilder von Friedrich haben allgemein Rückenfigur — eine Person angestellt, die von hinten gesehen ist, über die Ansicht nachdenkend. Der Zuschauer wird dazu ermuntert, sich in der Position von Rückenfigur, dadurch aufzustellen, was bedeutet, dass er das erhabene Potenzial der Natur erfährt, verstehend, dass die Szene als wahrgenommen und von einem Menschen idealisiert wird. Friedrich hat den Begriff einer Landschaft geschaffen, die mit dem romantischen Gefühl voll ist — sterben romantische Stimmungslandschaft. Seine Kunstdetails eine breite Reihe von geografischen Eigenschaften, wie Felsen-Küsten, Wälder und Bergszenen. Er hat häufig die Landschaft verwendet, um religiöse Themen auszudrücken. Während seiner Zeit wurden die meisten am besten bekannten Bilder als Ausdrücke einer religiösen Mystik angesehen.

Friedrich hat gesagt, "Der Künstler sollte nicht nur malen, was er vor ihm sieht, sondern auch was er innerhalb seiner sieht. Wenn, jedoch, er nichts innerhalb seiner sieht, dann sollte er auch davon Abstand nehmen, das zu malen, das er vor ihm sieht. Sonst werden seine Bilder denjenigen ähnlich sein, die Schirme falten, hinter denen annimmt, nur das kranke oder die Toten zu finden." Mitteilsame Himmel, Stürme, Nebel, Wälder, Ruinen und Kreuze, die zur Anwesenheit des Gottes bestätigen, sind häufige Elemente in den Landschaften von Friedrich. Obwohl Tod symbolischen Ausdruck in Booten findet, die von der Küste — einem Charon ähnlichen Motiv — und im Pappel-Baum abrücken, wird darin mehr direkt in Bildern wie Die Abtei im Eichenholz (1808-10) Verweise angebracht, in dem Mönche einen Sarg vorbei an einem offenen Grab, zu einem Kreuz, und durch das Portal einer Kirche in Ruinen tragen.

Er war einer der ersten Künstler, um Winterlandschaften zu porträtieren, in denen das Land als steif und tot gemacht wird. Die Winterszenen von Friedrich sind ernst und noch — gemäß dem Kunsthistoriker Hermann Beenken, Friedrich hat Winterszenen gemalt, in denen "kein Mann noch einen Fuß gesetzt hat. Das Thema fast aller älteren Winterbilder war weniger Winter selbst gewesen als Leben im Winter. In den 16. und 17. Jahrhunderten wurde es unmöglich gedacht, solche Motive wie die Menge von Schlittschuhläufern, dem Wanderer auszulassen... Es war Friedrich, der zuerst die ganz distanzierten und unterscheidenden Merkmale eines natürlichen Lebens gefühlt hat. Statt vieler Töne hat er denjenigen gesucht; und so, in seiner Landschaft, hat er den zerlegbaren Akkord in ein einzelnes grundlegendes Zeichen untergeordnet".

Bloße Eichenbäume und Baumstümpfe, wie diejenigen in (c. 1822), (c. 1833), und Willow Bush unter einer Untergehenden Sonne (c. 1835), kehren Elemente der Bilder von Friedrich wieder, Tod symbolisierend. Das Widersprechen des Verzweiflungsgefühls ist die Symbole von Friedrich für die Tilgung: Das Kreuz und der Abrechnungshimmel versprechen ewiges Leben, und der schlanke Mond deutet Hoffnung und die wachsende Nähe von Christus an. In seinen Bildern des Meeres erscheinen Anker häufig an der Küste, auch eine geistige Hoffnung anzeigend. Deutscher Literaturgelehrter Alice Kuzniar findet in der Malerei von Friedrich einen temporality — eine Anrufung des Zeitablaufs — der in den bildenden Künsten selten hervorgehoben wird. Zum Beispiel, in Der Abtei im Eichenholz, gibt die Bewegung der Mönche weg vom offenen Grab und zum Kreuz und dem Horizont die Nachricht von Friedrich, dass der endgültige Bestimmungsort des Lebens des Mannes außer dem Grab liegt.

Mit der Morgendämmerung und dem Halbdunkel, das prominente Themen seiner Landschaften einsetzt, wurden die eigenen späteren Jahre von Friedrich durch einen wachsenden Pessimismus charakterisiert. Seine Arbeit wird dunkler, einen schrecklichen monumentality offenbarend. Das Wrack der Hoffnung — auch bekannt als Das Polare Meer oder Das Meer des Eises (1823-24) — fasst vielleicht am besten die Ideen von Friedrich zusammen und zielt auf diesen Punkt, obwohl auf solch eine radikale Weise, wie die Malerei nicht gut erhalten wurde. Vollendet 1824 hat es ein grimmiges Thema, einen Schiffbruch in Nordpolarmeer gezeichnet; "das Image, das er, mit seinen Schleifplatten des Travertin-farbigen Eisscholle-Eises das Ausschimpfen eines Holzschiffs erzeugt hat, übertrifft Dokumentarfilm in die Allegorie: Das zerbrechliche Rinde des menschlichen Ehrgeizes hat durch die riesige und Eisteilnahmslosigkeit in der Welt zerknittert."

Der schriftliche Kommentar von Friedrich zur Ästhetik wurde auf eine Sammlung von 1830 abgesetzten Sprichwörtern beschränkt, in dem er das Bedürfnis nach dem Künstler erklärt hat, natürliche Beobachtung mit einer introspektiven genauen Untersuchung seiner eigenen Persönlichkeit zu vergleichen. Seine am besten bekannte Bemerkung empfiehlt dem Künstler, Ihr körperliches Auge "zu schließen, so dass Sie Ihr Bild zuerst mit dem geistigen Auge sehen können. Dann bringen Sie zum Licht des Tages das, was Sie in der Dunkelheit gesehen haben, so dass es auf andere von außen nach innen einwirken kann." Er hat die zu weit gehenden Beschreibungen der Natur in seiner "Gesamtheit", wie gefunden, in der Arbeit von zeitgenössischen Malern wie Adrian Ludwig Richter (1803-84) und Joseph Anton Koch (1768-1839) zurückgewiesen.

Einsamkeit und Tod

Sowohl das Leben als auch Kunst von Friedrich werden mit einem überwältigenden Sinn der Einsamkeit gekennzeichnet. Das wird mehr offenbar in seinen späteren Arbeiten von einer Zeit, als Freunde, Mitglieder seiner Familie und Mitpioniere der frühen Romantik begonnen haben, entfernt von ihm entweder zu werden oder zu sterben.

Kunsthistoriker und einige seiner Zeitgenossen schreiben die Melancholie in seiner Kunst zu den Verlusten zu, die während seiner Jugend zur düsteren Meinung seines Erwachsenseins ertragen sind, während das blasse und zurückgezogene Äußere von Friedrich geholfen hat, den populären Begriff des "schweigsamen Mannes aus dem Norden" zu verstärken.

Friedrich hat depressive Episoden 1799, 1803-1805, c.1813, 1816 und zwischen 1824 und 1826 ertragen. Es gibt erkennbare thematische Verschiebungen in den Arbeiten, die er während dieser Episoden erzeugt hat, die das Erscheinen solcher Motive und Todessymbole als Geier, Eulen, Kirchhöfe und Ruinen sehen. Von 1826 sind diese Motive eine dauerhafte Eigenschaft seiner Produktion geworden, während sein Gebrauch der Farbe dunkler und gedämpft geworden ist. Carus hat 1929 geschrieben, dass Friedrich "durch eine dicke, düstere Wolke der geistigen Unklarheit umgeben wird", während 2004 der Psychiater Carsten Spitzer geschrieben hat, dass er während seines Lebens geglaubt hat, hat Friedrich verlängerte Trägheit, einen Selbstmordversuch ertragen, und was der Künstler selbst als eine "schreckliche Erschöpfung" beschrieben hat.

Germanische Volkskunde

Den Patriotismus von Friedrich und Ressentiment während des französischen 1813-Berufs der Herrschaft Pommerns widerspiegelnd, sind Motive von der deutschen Volkskunde immer prominenter in seiner Arbeit geworden. Ein antifranzösischer deutscher Nationalist, Friedrich hat Motive von seiner heimischen Landschaft verwendet, um germanische Kultur, Zoll und Mythologie zu feiern. Er war durch die antinapoleonische Dichtung von Ernst Moritz Arndt und Theodor Körner und der patriotischen Literatur von Adam Müller und Heinrich von Kleist beeindruckt. Bewegt durch die Todesfälle von drei Freunden hat im Kampf gegen Frankreich getötet, sowie vor 1808 von Kleist Stirbt das Drama Hermannsschlacht, Friedrich hat mehrere Bilder übernommen, in denen er vorgehabt hat, politische Symbole allein mittels der Landschaft — ein erster in der Geschichte der Kunst zu befördern.

In (1812) ruft eingeschriebener "Arminius" eines verfallenen Denkmals den germanischen Anführer, ein Symbol des Nationalismus an, während die vier Grabstätten von gefallenen Helden ein bisschen eine Hand breit offen stehen, ihre Geister für die Ewigkeit befreiend. Zwei französische Soldaten erscheinen als kleine Zahlen vor einer Höhle, tiefer und tief in einer durch den Felsen umgebenen Felsenhöhle, als ob weiter vom Himmel. Eine zweite politische Malerei, (c. 1813), zeichnet einen verlorenen französischen durch einen dichten Wald übergeragten Soldaten, während auf einem Baumstumpf ein Rabe — ein Unheilsverkünder aufgesetzt wird, den vorausgesehenen Misserfolg Frankreichs symbolisierend.

Vermächtnis

Einfluss

Neben anderen Romantischen Malern hat Friedrich Positionslandschaft geholfen, als ein Hauptgenre innerhalb der Westkunst malend. Seiner Zeitgenossen, der Stil von Friedrich am meisten beeinflusst die Malerei von Johan Christian Dahl (1788-1857). Unter späteren Generationen war Arnold Böcklin (1827-1901) stark unter Einfluss seiner Arbeit, und die wesentliche Anwesenheit der Arbeiten von Friedrich in russischen Sammlungen hat viele russische Maler in besonderem Arkhip Kuindzhi beeinflusst (c. 1842-1910) und Ivan Shishkin (1832-98). Die Spiritualität von Friedrich hat amerikanische Maler wie Albert Pinkham Ryder (1847-1917), Ralph Blakelock (1847-1919), die Maler der Flussschule von Hudson und Neuenglands Luminists vorausgesehen.

Am Ende des 20. Jahrhunderts wurde Friedrich vom norwegischen Kunsthistoriker Andreas Aubert (1851-1913) wieder entdeckt, dessen Schreiben moderne Gelehrsamkeit von Friedrich, und durch die symbolistischen Maler begonnen hat, die seine visionären und allegorischen Landschaften geschätzt haben. Der norwegische Symbolist Edvard Munch (1863-1944) hätte die Arbeit von Friedrich während eines Besuchs nach Berlin in den 1880er Jahren gesehen. 1899 von Munch druckt Den Einsamen-Echo-Rückenfigur von Friedrich (zurück Zahl), obwohl in der Arbeit von Munch sich der Fokus weg von der breiten Landschaft und zum Sinn der Verlagerung zwischen den zwei Melancholie-Zahlen im Vordergrund bewegt hat.

Die Landschaften von Friedrich haben einen starken Einfluss auf die Arbeit des deutschen Künstlers Max Ernst (1891-1976) ausgeübt, und infolgedessen sind andere Surrealisten gekommen, um Friedrich als ein Vorgänger zu ihrer Bewegung anzusehen. 1934 hat der belgische Maler René Magritte (1898-1967) Anerkennung in seiner Arbeit Die Menschliche Bedingung gezollt, die direkt Motive von der Kunst von Friedrich in seinem Verhör der Wahrnehmung und der Rolle des Zuschauers zurückwirft. Ein paar Jahre später hat die surrealistische Zeitschrift Minotaure Friedrich in einem 1939-Artikel vom Kritiker Marie Landsberger gezeigt, dadurch seine Arbeit zu einem viel breiteren Kreis von Künstlern ausstellend. Der Einfluss Des Wrackes der Hoffnung (oder Das Meer des Eises) ist in den 1940-41 Malerei-Totalisatoren Meer durch Paul Nash (1889-1946), einen leidenschaftlichen Bewunderer von Ernst offensichtlich. Die Arbeit von Friedrich ist als eine Inspiration von anderen Hauptkünstlern des 20. Jahrhunderts, einschließlich Mark Rothkos (1903-70), Gotthard Graubner zitiert worden (b. 1930), Gerhard Richter (b. 1932), HA Schult (b. 1939) und Anselm Kiefer (b. 1945) und ist vom Schriftsteller Samuel Beckett (1906-89) ausgesucht worden, wer, Stehen vor dem Mann und der Frau, die über den Mond Nachdenkt, gesagt hat, dass "Das die Quelle des Wartens für Godot war, wissen Sie."

In seinem 1961-Artikel "The Abstract Sublime", der ursprünglich in ARTnews veröffentlicht ist, hat der Kunsthistoriker Robert Rosenblum Vergleiche zwischen den Romantischen Landschaft-Bildern sowohl von Friedrich als auch von Turner mit den Abstrakten expressionistischen Bildern von Mark Rothko angestellt. Rosenblum beschreibt spezifisch 1809 von Friedrich, Den Mönch durch das Meer, Turner Der Abendstern und das 1954-Licht von Rothko, die Erde und Blau als enthüllende Sympathien der Vision und des Gefühls malend. Gemäß Rosenblum, "legt Rothko, wie Friedrich und Turner, uns auf der Schwelle jener formlosen durch den aestheticians des Erhabenen besprochenen Unendlichkeit. Der winzige Mönch im Friedrich und dem Fischer im Turner setzt eine scharfe Unähnlichkeit zwischen der unendlichen Weite eines pantheistischen Gottes und der unendlichen Kleinheit Seiner Wesen ein. Auf der abstrakten Sprache von Rothko ist solches wörtliches Detail — eine Brücke der Empathie zwischen dem echten Zuschauer und der Präsentation einer transzendentalen Landschaft — nicht mehr notwendig; wir selbst sind der Mönch vor dem Meer, Stehen still und nachdenklich vor diesen riesigen und lautlosen Bildern, als ob wir auf einen Sonnenuntergang oder eine mondbeschienene Nacht schauten."

Kritische Meinung

Bis 1890, und besonders nachdem seine Freunde gestorben waren, die Arbeit von Friedrich legen nahe Vergessenheit seit Jahrzehnten an. Und doch, vor 1890, hat die Symbolik in seiner Arbeit begonnen, wahr mit der künstlerischen Stimmung des Tages besonders in Mitteleuropa zu klingeln. Jedoch, trotz eines erneuerten Interesses und einer Anerkennung seiner Originalität, hat sein Mangel an der Rücksicht für die "malerische Wirkung" und dünn gemachten Oberflächen mit den Theorien der Zeit gekreischt.

Während der 1930er Jahre wurde die Arbeit von Friedrich in der Promotion der nazistischen Ideologie verwendet, die versucht hat, den Romantischen Künstler innerhalb nationalistischen Blut und Boden anzupassen. Man hat Jahrzehnte für den Ruf von Friedrich gebraucht, um sich von dieser Vereinigung mit dem Nazismus zu erholen. Sein Vertrauen auf der Symbolik und der Tatsache, dass seine Arbeit außerhalb der schmalen Definitionen des Modernismus gefallen ist, hat zu seinem Fall von der Bevorzugung beigetragen. 1949 hat Kunsthistoriker Kenneth Clark geschrieben, dass Friedrich "in der kalten Technik seiner Zeit gearbeitet hat, die eine Schule der modernen Malerei kaum begeistern konnte" und darauf hingewiesen hat, dass der Künstler versuchte, in der Malerei auszudrücken, was am besten zur Dichtung verlassen wird. Die Entlassung von Clark von Friedrich hat den Schaden der während des Endes der 1930er Jahre gestützte Ruf des Künstlers widerspiegelt.

Der Ruf von Friedrich hat weiteren Schaden gelitten, als seine Bilder von mehreren Direktoren von Hollywood wie Walt Disney angenommen wurden, hat auf die Arbeit solcher deutschen Kino-Master als Fritz Lang und F. W. Murnau, innerhalb des Entsetzens und der Fantasie-Genres gebaut. Seine Rehabilitation war langsam, aber hat durch die Schriften solcher Kritiker und Gelehrter als Werner Hofmann erhöht, Helmut Börsch-Supan und Sigrid Hinz, die erfolgreich zurückgewiesen hat und die politischen Vereinigungen widerlegt hat, die seiner Arbeit zugeschrieben sind, und haben es innerhalb eines rein kunsthistorischen Zusammenhangs gelegt. Vor den 1970er Jahren wurde er wieder in Hauptgalerien überall in der Welt ausgestellt, als er mit einer neuen Generation von Kritikern und Kunsthistorikern Gefallen gefunden hat.

Heute wird sein internationaler Ruf gut gegründet. Er ist eine nationale Ikone in seinem heimischen Deutschland, und hoch angesehen durch Kunsthistoriker und Kunstkenner über die Westwelt. Er wird allgemein als eine Zahl der großen psychologischen Kompliziertheit, und gemäß Vaughan angesehen, "ein Gläubiger, der mit Zweifeln, einem Lobpreiser der durch die Dunkelheit umgegangenen Schönheit gekämpft hat. Schließlich überschreitet er Interpretation, über Kulturen durch die zwingende Bitte seiner Bilder reichend. Er ist als ein Schmetterling — hoffentlich derjenige aufrichtig erschienen, der nie wieder von unserem Anblick verschwinden wird".

Arbeit

Friedrich war ein fruchtbarer Künstler, der mehr als 500 zugeschriebene Arbeiten erzeugt hat. In Übereinstimmung mit den Romantischen Idealen seiner Zeit hat er seine Bilder beabsichtigt, um als reine ästhetische Behauptungen zu fungieren, so war er vorsichtig, dass die seiner Arbeit gegebenen Titel nicht allzu beschreibend oder sinnträchtig waren. Es ist wahrscheinlich, dass einige von heutigen mehr wörtliche Titel, wie "Die Stufen des Lebens", vom Künstler selbst nicht gegeben wurden, aber stattdessen während einen des Wiederauflebens von Interesse in Friedrich angenommen wurden. Komplikationen entstehen, wenn sie auf die Arbeit von Friedrich teilweise datieren, weil er häufig nicht direkt genannt oder auf seine Leinwände datiert hat. Er hat ein sorgfältig ausführliches Notizbuch auf seiner Produktion jedoch behalten, der von Gelehrten verwendet worden ist, um Bilder an ihre Fertigstellungstermine zu binden.

Image:Caspar David Friedrich 021.jpg|Old die Gräber von Helden, (1812), 49.5 x 70.5 Cm. Kunsthalle, Hamburg. Eingeschriebener "Arminius" eines verfallenen Denkmals ruft den germanischen Anführer, ein Symbol des Nationalismus an, während die vier Grabstätten von gefallenen Helden ein bisschen eine Hand breit offen stehen, ihre Geister für die Ewigkeit befreiend. Zwei französische Soldaten erscheinen als kleine Zahlen vor einer Höhle, tiefer und tief in einer durch den Felsen umgebenen Felsenhöhle, als ob weiter vom Himmel.

Image:Caspar David Friedrich 024.jpg|The Kreuz Neben Der Ostsee (1815), 45 × 33.5-Cm-Schloss Charlottenburg, Berlin. Diese Malerei hat eine Bewegung weg durch Friedrich von Bildern am helllichten Tage und eine Rückkehr zu nächtlichen Szenen, Zwielicht und einer tieferen Bitterkeit der Stimmung gekennzeichnet.

File:Caspar_David_Friedrich_-_Mondaufgang_am_Meer_-_Google_Art_Project.jpg|Moonrise In Übersee (1822). 55 × 71-Cm-Alte Nationalgalerie, Berlin. Während des Anfangs der 1820er Jahre erscheinen menschliche Zahlen mit der zunehmenden Frequenz in den Bildern. Dieser Periode schreibt Linda Siegel, "die Wichtigkeit vom menschlichen Leben, besonders seine Familie, besetzt jetzt seine Gedanken immer mehr, und seine Freunde als häufige Themen in seiner Kunst erscheinen."

Image:Caspar David Friedrich 052.jpg|Graveyard unter dem Schnee (1826). 31 × 25 Cm. Museum der bildenden Künste, Leipzig. Friedrich hat Gedächtnisdenkmäler und Skulpturen für Mausoleen skizziert, seine Obsession mit dem Tod und dem Leben nach dem Tod widerspiegelnd. Er hat auch etwas von der Begräbniskunst in Dresdens Friedhöfen geschaffen.

Image:Oak Baum im Eichenbaum des Schnees jpg|The im Schnee (1829). 71 × 48-Cm-Alte Nationalgalerie, Berlin. Friedrich war einer der ersten Künstler, um Winterlandschaften als steif und tot zu porträtieren. Seine Winterszenen sind ernst und noch — gemäß dem Kunsthistoriker Hermann Beenken, Friedrich hat Winterszenen gemalt, in denen "kein Mann noch einen Fuß gesetzt hat".

Image:Caspar David Friedrich 013.jpg|The Stufen des Lebens (Sterben Lebensstufen (1835). Museum der Bildenden Künste, Leipzig. Die Stufen des Lebens sind eine Meditation auf der eigenen Sterblichkeit des Künstlers, fünf Schiffe in verschiedenen Entfernungen von der Küste zeichnend. Der Vordergrund zeigt ähnlich fünf Zahlen in verschiedenen Stufen des Lebens.

Image:Caspar David Friedrich 016.jpg|The Riesige Berge (1830-35). 72 × 102-Cm-Alte Nationalgalerie, Berlin. Friedrich hat sich nicht nur bemüht, das glückliche Vergnügen einer schönen Ansicht, als in der klassischen Vorstellung zu erforschen, aber eher einen Moment der Erhabenheit, einer Wiedervereinigung mit dem geistigen selbst durch das Nachdenken der Natur zu untersuchen.

Image:Caspar David Friedrich 073.jpg|Seashore durch das Mondlicht (1835-36). 134 × 169 Cm. Kunsthalle, Hamburg. Seine schwarze "Endmalerei", Seeküste durch das Mondlicht, wird von William Vaughan als "am dunkelsten aller seiner Uferlinien beschrieben."

Zitate

Bibliografie

• (Aufsätze)

Links

• Fundament von Caspar David Friedrich
• Lebensbeschreibung von Casper David Friedrich, Stil und Gestaltungsarbeiten
• Klause-Museum-Archiv
• CasparDavidFriedrich.org - 89 Bilder von Caspar David Friedrich
• Biografische Zeitachse, Hamburg Kunsthalle
• Caspar David Friedrich und die deutsche romantische Landschaft