Ästhetik (hat auch æsthetics oder Ästhetik buchstabiert), ist ein Zweig der Philosophie, die sich mit der Natur der Schönheit, der Kunst und des Geschmacks, und mit der Entwicklung und Anerkennung der Schönheit befasst. Es wird als die Studie von sensorischen oder sensori-emotionalen Werten, manchmal genannt Urteile des Gefühls und Geschmacks mehr wissenschaftlich definiert. Weit gehender definieren Gelehrte im Feld Ästhetik als "kritisches Nachdenken über die Kunst, Kultur und Natur."

Etymologie

Das ästhetische Wort wird aus dem Griechen  abgeleitet (aisthetikos, "ästhetisch, empfindlich, empfindungsfähig" bedeutend), der der Reihe nach  abgeleitet wurde (aisthanomai, bedeutend, dass "Ich wahrnehme, mich Sinn" fühle). Der Begriff "Ästhetik" wurde verwendet und mit der neuen Bedeutung in der deutschen Form Æsthetik (moderner sich schreibender Ästhetik) von Alexander Baumgarten 1735 ins Leben gerufen.

Geschichte der Ästhetik

Alte Ästhetik

Beispiele der vorgeschichtlichen Kunst sind selten. Der Zusammenhang ihrer Produktion und Gebrauches ist unklar; ästhetische Doktrinen, die ihre Produktion und Interpretation geführt haben, sind größtenteils unbekannt.

Alte Kunst war größtenteils, aber nicht völlig, gestützt auf den acht großen alten Zivilisationen: Ägypten, Mesopotamia, Persien, Griechenland, China, Rom, Indien, die keltischen Völker und der Maya. Jedes dieser Zentren der frühen Zivilisation hat einen einzigartigen und charakteristischen Stil in seiner Kunst entwickelt. Griechenland hatte den grössten Teil des Einflusses auf die Entwicklung der Ästhetik im Westen. Diese Periode der griechischen Kunst hat eine Verehrung der menschlichen physischen Form und die Entwicklung von entsprechenden Sachkenntnissen gesehen, Muskulatur, Gleichgewicht, Schönheit und anatomisch richtige Verhältnisse zu zeigen. Außerdem, in vielen West- und Ostkulturen gleich, werden Charakterzüge wie Körperhaar in der Kunst selten gezeichnet, die physische Schönheit anredet. Im Vergleich mit diesem ästhetischen Griechisch-Westgeschmack ist das Genre der Groteske.

Griechische Philosophen haben am Anfang gefunden, dass ästhetisch ansprechende Gegenstände in und von sich schön waren. Plato hat gefunden, dass schöne Gegenstände Verhältnis, Harmonie und Einheit unter ihren Teilen vereinigt haben. Ähnlich in der Metaphysik hat Aristoteles gefunden, dass die universalen Elemente der Schönheit Ordnung, Symmetrie und Bestimmtheit waren.

Ein Beispiel der alten Ästhetik in Griechenland durch die Dichtung ist das Zitat "Für die Autoren jener großen Gedichte, die wir bewundern, gelangen Sie zu Vorzüglichkeit durch die Regeln keiner Kunst; aber sie sprechen ihre schönen Melodien des Verses in einem Staat der Inspiration aus, und, wie es, besessen durch einen Geist nicht ihr eigenes, "Plato war. (Geschichte der Ästhetik)

Islamische Ästhetik

Islamische Kunst gehört der Religion nur nicht. Der Begriff "Islamischer" bezieht sich nicht nur auf die Religion, aber auf jede Form der Kunst, die in einer islamischen Kultur oder in einem islamischen Zusammenhang geschaffen ist. Nicht alle Moslems sind in Übereinstimmung auf dem Gebrauch der Kunst in der religiösen Einhaltung, dem richtigen Platz der Kunst in der Gesellschaft oder der Beziehung zwischen der weltlichen Kunst und den auf der weltlichen Welt gelegten Anforderungen, um sich religiösen Moralprinzipien anzupassen. Islamische Kunst nimmt oft weltliche Elemente und Elemente an, die missbilligt, wenn nicht von einigen islamischen Theologen verboten werden.

Gemäß dem Islam werden menschliche Kunstwerke im Vergleich zur Arbeit des Gottes von Natur aus rissig gemacht; so wird es von vielen geglaubt, dass das Versuchen, die Form eines Tieres oder Person realistisch zu zeichnen, Unverschämtheit dem Gott ist. Diese Tendenz hat das schmäler werdende Feld der künstlerischen Möglichkeit zu solchen Formen der Kunst als Arabeske, islamische Mosaikkalligrafie, und islamische Architektur, sowie jede Form der Abstraktion bewirkt, die den Status der Nichtvertretungskunst fordern kann.

Beschränkte Möglichkeiten sind von Künstlern als ein Ausgang zum künstlerischen Ausdruck erforscht worden, und ist kultiviert worden, um ein positiver Stil und Tradition zu werden, die dekorative Funktion der Kunst oder seine religiösen Funktionen über Nichtvertretungsformen wie Geometrische Muster, Blumenmuster und Arabesken betonend.

Mensch- oder Tierbild wird allgemein verboten. Moslems glauben, dass diese Bilder zu Skulpturstücken führen, der dann zur Anbetung dieser Skulptur oder "Idols" führt. Menschliche Beschreibungen können in frühen islamischen Kulturen mit unterschiedlichen Graden der Annahme von religiösen Behörden gefunden werden. Die menschliche Darstellung zum Zweck der Anbetung, die als Götzenkult, wie verboten, im Gesetz von Sharia gleichförmig betrachtet wird.

Die kalligrafischen Künste sind aus einer Anstrengung gewachsen, sich zur Studie von Quran zu widmen. Indem er jedes Wort des Textes geduldig abgeschrieben hat, wurde der Schriftsteller veranlasst, über die Bedeutung davon nachzudenken. Da Zeit gegangen ist, haben diese kalligrafischen Arbeiten begonnen, als Kunstwerke geschätzt zu werden, immer mehr wohl durchdacht in der Beleuchtung wachsend und vom Text stilisierend. Diese Beleuchtungen wurden auf andere Arbeiten außer Quran angewandt, und es ist eine respektierte Kunstform in und sich geworden.

Indianerästhetik

Indianerkunst hat sich mit einer Betonung auf dem Verursachen spezieller geistiger oder philosophischer Staaten im Publikum, oder mit dem Darstellen von ihnen symbolisch entwickelt. Gemäß Kapila Vatsyayan, "Haben klassische Indianerarchitektur, Skulptur, Malerei, Literatur (kāvya), Musik und das Tanzen ihre eigenen von ihren jeweiligen Medien bedingten Regeln entwickelt, aber sie haben miteinander nicht nur die zu Grunde liegenden Glaubensvorstellungen der religio-philosophischen Indianermeinung, sondern auch die Verfahren geteilt, durch die die Beziehungen des Symbols und der geistigen Staaten im Detail ausgearbeitet wurden."

Im Paninder philosophischer Gedanke ist der Begriff 'Satyam Shivam Sundaram' ein anderer Name für das Konzept des Höchsten. 'Gesessen' ist der Wahrheitswert, 'Shiv' ist der gute Wert, & 'Sundaram' ist der Schönheitswert. Der Mann durch seinen 'Srabana' oder Ausbildung, 'Manana' oder Erfahrung und Konzeptualisierung und 'Sadhana' oder Praxis, durch verschiedene Stufen des Lebens (Asramas) kommt, um die Idee von diesen drei Werten zu bilden und zu begreifen, ein Wertsystem zu entwickeln. Dieses Wertsystem hilft uns, zwei Grundideen 1) dieser von 'Daksha' oder dem Meister/Experten und 2) Mahana/Parama oder des Absoluten zu entwickeln und so irgendetwas in diesem Weltall im Licht dieser zwei Maßnahmen, bekannt als 'Adarsha' zu beurteilen. Eine Person, die große Beträge von Kenntnissen der Grammatiken, Regeln, & Sprache einer Kunstform gemeistert hat, ist Meister (Daksha), wohingegen diejenigen, die durch das ganze System gearbeitet haben und vor diesen gereist sind, um ein Gesetz zu sich zu werden, Mahana genannt werden. Die Person-Idee von 'Daksha' und 'Mahana' ist hinsichtlich jemandes Entwicklung des Konzepts von 'Satyam-Shivam-Sundaram'. Zum Beispiel sollte die Idee von Tagore von diesen zwei Konzepten Weg über jedem allgemeinen Mann sein, und viele nehmen Tagore als ein 'Mahana' Künstler im Bereich der Literatur wahr. Dieses Konzept von Satyam-Shivam-Sundaram, eine Art Werttheorie ist der Eckstein der Indianerästhetik.

Der besonderen Sorge zum Indianerdrama und der Literatur sind der Begriff 'Bhava' oder die Stimmung und rasa, der sich allgemein auf die emotionalen Geschmäcke/Essenz bezieht, die in die Arbeit vom Schriftsteller gefertigt sind, und hat durch einen 'empfindlichen Zuschauer' oder sahdaya oder ein mit dem positiven Geschmack und der Meinung geschmeckt. Dichter wie Kālidāsa waren gegenüber rasa aufmerksam, der zu einem völlig entwickelten ästhetischen System erblüht ist. Sogar im zeitgenössischen Indien wird der Begriff rasa Bezeichnung "des Geschmacks" oder "der Essenz" umgangssprachlich gebraucht, um die ästhetischen Erfahrungen in Filmen zu beschreiben; "Māsala-Mischung" beschreibt populäre Hindi-Kino-Filme, die eine so genannte erwogene emotionale Mahlzeit für die Massen, genossen als rasa durch diese Zuschauer servieren.

Theorie-Blüten von Rasa, die mit dem sanskritischen Text Nātyashāstra (nātya Bedeutung "des Dramas" und shāstra beginnen, der "Wissenschaft" bedeutet), eine Bharata Muni zugeschriebene Arbeit, wo die Götter erklären, dass Drama das 'Fünfte Wissen' ist, weil es für das degenerierte Alter als die beste Form der religiösen Instruktion passend ist. Während sich das Datum der Zusammensetzung wild unter Gelehrten, im Intervall vom Zeitalter von Plato und Aristoteles zum siebenten Jahrhundert CE ändert. Der Nātyashāstra präsentiert die ästhetischen Konzepte von rasas und ihrem verbundenen bhāvas in Kapiteln Sechs und Sieben beziehungsweise, die scheinen, der Arbeit als Ganzes unabhängig zu sein. Acht rasas und vereinigter bhāvas werden genannt, und ihr Vergnügen wird mit dem Genießen einer Mahlzeit verglichen: Rasa ist das Vergnügen von Geschmäcken, die aus der richtigen Vorbereitung von Zutaten und der Qualität von Zutaten entstehen. Wie rasa wirklich in einem theoretischen Sinn ist, nicht besprochen und die Nātyashāstra's markige Formulierung gegeben wird, ist davon unwahrscheinlich, dass das genaue Verstehen des ursprünglichen Autors (En) bekannt sein wird.

Die Theorie des rasas entwickelt sich bedeutsam mit dem Klassiker von Ãndandavardhana von Kashmiri aesthetician auf der Poetik, der Dhvanyāloka, der den neunten rasa, shānta-rasa als ein spezifisch religiöses Gefühl des Friedens (śānta) einführt, der aus seinem bhāva, Erschöpfung der Vergnügen der Welt entsteht. Der primäre Zweck dieses Textes ist, das literarische Konzept dhvani oder den poetischen Vorschlag, durch das Argumentieren für die Existenz von rasa-dhvani in erster Linie in Formen des Sanskrits einschließlich eines Wortes zu raffinieren, Satz oder ganze Arbeit "deuten" einen wirklichen emotionalen Staat oder bhāva "an", aber dank der ästhetischen Entfernung genießt der empfindliche Zuschauer den rasa, den ästhetischen Geschmack nach der Tragödie, dem Heldentum oder dem Roman.

Der 9. - Master des 10. Jahrhunderts des religiösen Systems bekannt als "der Nichtdoppelshaivism aus Kaschmir" (oder "Kaschmir Shaivism") und aesthetician, Abhinavagupta hat rasa Theorie zu seinem Gipfel in seinen getrennten Kommentaren zum Dhvanyāloka, der Dhvanyāloka-locana (übersetzt von Ingalls, Masson und Patwardhan, 1992) und Abhinavabharati, sein Kommentar zum Nātyashāstra gebracht, dessen Teile von Gnoli und Masson und Patwardhan übersetzt werden. Abhinavagupta bietet zum ersten Mal eine technische Definition von rasa an, der die universale Seligkeit Selbst oder durch den emotionalen Ton eines Dramas gefärbter Atman ist. Shānta-rasa fungiert als ein gleiches Mitglied des Satzes von rasas, aber ist gleichzeitig verschieden die klarste Form der ästhetischen Seligkeit zu sein. Abhinavagupta vergleicht es mit der Schnur einer juwelengeschmückten Kette; während es die meisten Menschen nicht am meisten bitten kann, ist es die Schnur, die Form der Kette gibt, den Juwelen der anderen acht rasas erlaubend, genossen zu werden. Wenn man den rasas genießt, und besonders shānta-rasa wird als "so gut seiend angedeutet wie", aber "nie gleich" der Seligkeit der von Jogis erfahrenen Selbstverwirklichung.

Chinesische Ästhetik

Chinesische Kunst hat eine lange Geschichte von verschiedenen Stilen und Betonungen. Konfuzius hat die Rolle der Künste und Geisteswissenschaften (besonders Musik und Dichtung) im Erweitern der menschlichen Natur und Helfen "li" (Etikette, die Riten) im Zurückbringen von uns dazu betont, was über die Menschheit notwendig ist. Sein Gegner Mozi hat jedoch behauptet, dass Musik und schöne Künste classist und verschwenderisch waren, den Reichen über die Armen nützend.

Vor dem 4. Jahrhundert n.Chr. debattierten Künstler schriftlich über die richtigen Absichten der Kunst ebenso. Gu Kaizhi hat 3 überlebende Bücher auf dieser Theorie der Malerei. Zum Beispiel, und ist es ziemlich üblich, spätere Künstler oder Gelehrte zu finden, die, sowohl Kunst zu schaffen, als auch über die Entwicklung davon schreiben. Religiöse und philosophische Einflüsse auf die Kunst waren üblich (und verschieden), aber nie universal.

Afrikanische Ästhetik

Afrikanische Kunst hat in vielen Formen und Stilen, und mit dem ziemlich kleinen Einfluss von der Außenseite Afrikas bestanden. Der grösste Teil davon ist traditionellen Formen gefolgt, und die ästhetischen Normen wurden mündlich weitergegeben sowie geschrieben. Skulptur und Leistungskunst sind prominent, und abstrakte und teilweise abstrahierte Formen werden geschätzt und wurden geschätzt, lange bevor der Einfluss von der Westtradition als Anzahlung begonnen hat. Die Nok Kultur ist Zeugnis dazu. Die Moschee von Timbuktu zeigt, dass spezifische Gebiete Afrikas einzigartige Ästhetik entwickelt haben.

Mittelalterliche Westästhetik

Das Überleben mittelalterlicher Kunst ist in erster Linie im Fokus religiös und größtenteils durch die kirchlichen mächtigen, kirchlichen Orthodoxen oder Römisch-katholischen Staatspersonen oder wohlhabenden weltlichen Schutzherren gefördert. Diese Kunststücke haben häufig einer liturgischen Funktion, ob als Trinkbecher oder gerade als Kirchgebäude selbst gedient. Gegenstände der feinen Kunst von dieser Periode wurden oft von seltenen und wertvollen Materialien, wie Gold und Lasurstein gemacht, dessen Kosten allgemein die Löhne des Künstlers überschritten haben.

Mittelalterliche Ästhetik im Bereich der auf den Klassischen Gedanken gebauten Philosophie, die Praxis von Plotinus durch die Beschäftigung theologischer Fachsprache in seinen Erklärungen fortsetzend. St. Bonaventure "Zurückverfolgen der Künste zur Theologie", ein primäres Beispiel dieser Methode, bespricht die Sachkenntnisse des Handwerkers als Geschenke, die vom Gott zum Zweck gegeben sind, Gott zur Menschheit bekannt zu geben, welcher Zweck durch vier Lichter erreicht wird: Das Licht der Sachkenntnis in mechanischen Künsten, die die Welt von Kunsterzeugnissen bekannt gibt; welches Licht durch das Licht der Sinneswahrnehmung geführt wird, die die Welt von natürlichen Formen bekannt gibt; welches Licht folglich durch das Licht der Philosophie geführt wird, die die Welt der intellektuellen Wahrheit bekannt gibt; schließlich wird dieses Licht durch das Licht des Gottesverstands geführt, der die Welt der sparenden Wahrheit bekannt gibt.

Ästhetischer Heiliger Thomas Aquinas ist wahrscheinlich die berühmteste und einflussreiche Theorie unter mittelalterlichen Autoren, das Thema von viel genauer Untersuchung im Gefolge des neo scholastischen Wiederauflebens der späten 19. und frühen 20. Jahrhunderte gewesen und sogar die Genehmigung des berühmten Modernist-Schriftstellers, James Joyces erhalten. Thomas, wie viele andere medievals, gibt nie eine systematische Rechnung der Schönheit selbst, aber mehrere Gelehrte haben seinen Gedanken — obwohl nicht immer mit gleichförmigen Beschlüssen — das Verwenden relevanter Beobachtungen herkömmlich eingeordnet, die das komplette Korpus seiner Arbeit abmessen. Während die Theorie von Aquinas allgemein dem Modell von Aristoteles folgt, entwickelt er eine einzigartige Ästhetik, die zu seinem Gedanken einzigartige Elemente vereinigt. Umberto Eco Die Ästhetik von Thomas Aquinas identifiziert die drei Haupteigenschaften der Schönheit in der Philosophie von Aquinas: integritas sive perfectio, consonantia sive debita proportio, und claritas sive Pracht formae. Während Aristoteles ebenfalls die ersten zwei Eigenschaften identifiziert, empfängt St. Thomas das dritte als eine Aneignung von von neoplatonischen und Augustinerdenkern entwickelten Grundsätzen.

Mit der Verschiebung vom Mittleren Alter bis zur Renaissance hat Kunst ebenfalls seinen Fokus so viel in seinem Inhalt geändert wie in seiner Weise des Ausdrucks.

Moderne Ästhetik

Vom späten 17. bis den Anfang des 20. Jahrhunderts hat Westästhetik eine langsame Revolution darin erlebt, was häufig Modernismus genannt wird. Deutsche und britische Denker haben Schönheit als der Schlüsselbestandteil der Kunst und der ästhetischen Erfahrung betont, und haben Kunst als das notwendige Zielen auf absolute Schönheit gesehen.

Für Alexander Gottlieb Baumgarten ist Ästhetik die Wissenschaft der Empfindungen, eine jüngere Schwester der Logik, und Schönheit ist so die vollkommenste Art von Kenntnissen, dass Empfindung haben kann. Für Immanuel Kant ist die ästhetische Erfahrung der Schönheit ein Urteil einer subjektiven, aber ähnlichen menschlichen Wahrheit, da alle Leute zugeben sollten, dass "sich das erhoben hat, ist schön", wenn es tatsächlich ist. Jedoch kann Schönheit auf nicht mehr den grundlegenden Satz von Eigenschaften reduziert werden. Für Friedrich Schiller ist die ästhetische Anerkennung der Schönheit die vollkommenste Versöhnung der sinnlichen und vernünftigen Teile der menschlichen Natur.

Für Friedrich Wilhelm Joseph Schelling ist die Philosophie der Kunst der "organon" der Philosophie bezüglich der Beziehung zwischen Mann und Natur. So hat Ästhetik jetzt begonnen, der Name für die Philosophie der Kunst zu sein. Friedrich von Schlegel, August Wilhelm Schlegel, Friedrich Schleiermacher und Georg Wilhelm Friedrich Hegel haben auch Vorträge auf der Ästhetik als Philosophie der Kunst nach 1800 gegeben.

Für Hegel ist die ganze Kultur eine Sache des "absoluten Geistes" kommend, um Manifest zu sich, Bühne durch die Bühne zu sein, sich zu einer Vollkommenheit ändernd, der sich nur Philosophie nähern kann. Kunst ist die erste Stufe, in der der absolute Geist Manifest sofort zur Sinneswahrnehmung ist, und so eine objektive aber nicht subjektive Enthüllung der Schönheit ist.

Für Arthur Schopenhauer ist das ästhetische Nachdenken der Schönheit am freisten, dass das reine Intellekt vom Diktieren des Willens sein kann; hier denken wir über Vollkommenheit der Form ohne jede Art der weltlichen Tagesordnung nach, und so würde jedes Eindringen des Dienstprogrammes oder der Politik den Punkt der Schönheit zerstören. Es ist so für Schopenhauer eine Weise, mit dem Leiden zu kämpfen.

Die Briten wurden in intuitionist und analytische Lager größtenteils geteilt. Der intuitionists hat geglaubt, dass ästhetische Erfahrung durch ein einzelnes Denkvermögen von einer Art bekannt gegeben wurde. Für Anthony Ashley-Cooper, den 3. Grafen von Shaftesbury war das zum Gewissen identisch, Schönheit ist gerade die Sinnesversion der moralischen Güte. Für Ludwig Wittgenstein hat Ästhetik in der Beschreibung einer ganzen Kultur bestanden, die eine Sprachunmöglichkeit ist. Das, das Ästhetik einsetzt, liegt ergreifen der Bereich des Sprachspiels Partei.

Für Oskar Wilde war das Nachdenken der Schönheit für den sake der Schönheit nicht nur das Fundament für viel von seiner literarischen Karriere, aber wurde "Ästhetizismus zitiert ist eine Suche nach den Zeichen des schönen. Es ist die Wissenschaft des schönen, durch das Männer die Korrelation der Künste suchen. Es ist, um mehr genau, die Suche nach dem Geheimnis des Lebens zu sprechen.".

Wilde hat berühmt die Vereinigten Staaten 1882 bereist. Er ist über die Vereinigten Staaten gereist, die die Idee von der Ästhetik in einer Rede genannt "Die englische Renaissance ausbreiten." In seiner Rede hat er vorgeschlagen, dass Schönheit und Ästhetik "nicht schwach, aber energisch waren. Indem man die äußeren Aspekte des Lebens verschönert, würde man die inneren verschönern." Die englische Renaissance war, er, hat "wie die italienische Renaissance davor, eine Art Wiedergeburt des Geistes des Mannes gesagt".

Für Francis Hutcheson wird Schönheit durch einen inneren geistigen Sinn bekannt gegeben, aber ist eine subjektive Tatsache aber nicht eine objektive. Analytische Theoretiker wie Henry Home, Herr Kames, William Hogarth und Edmund Burke haben gehofft, Schönheit auf eine Liste von Attributen zu reduzieren. Hogarth denkt zum Beispiel, dass Schönheit aus (1) Fitness der Teile zu einem Design besteht; (2) Vielfalt auf so viele Weisen wie möglich; (3) Gleichförmigkeit, Regelmäßigkeit oder Symmetrie, die nur schön ist, wenn es hilft, den Charakter der Fitness zu bewahren; (4) Einfachheit oder Klarheit, die nicht an sich, aber durch sein Ermöglichen das Auge Freude bereitet, Vielfalt mit der Bequemlichkeit zu genießen; (5) Kompliziertheit, die Beschäftigung für unsere aktiven Energien zur Verfügung stellt, das Auge auf "einer mutwilligen Art der Verfolgung" führend; und (6) Menge oder Umfang, der unsere Aufmerksamkeit lenkt und Bewunderung und Ehrfurcht erzeugt. Später hat sich analytischer aestheticians gemüht, Schönheit mit einer wissenschaftlichen Theorie der Psychologie (wie Mühle von James) oder Biologie (wie Herbert Spencer) zu verbinden.

Postmoderne Ästhetik und Psychoanalyse

Anfang Künstler des zwanzigsten Jahrhunderts haben Dichter und Komponisten vorhandene Begriffe der Schönheit herausgefordert, das Spielraum der Kunst und Ästhetik verbreiternd. 1941 hat Eli Siegel, amerikanischer Philosoph und Dichter, Ästhetischen Realismus, die Philosophie gegründet, dass Wirklichkeit selbst ästhetisch ist, und dass "Die Welt, Kunst, und selbst einander erklärt: Jeder ist die ästhetische Einheit von Gegenteilen."

Verschiedene Versuche sind gemacht worden, Postmoderne Ästhetik zu definieren. Die Herausforderung an die Annahme, dass Schönheit zur Kunst und Ästhetik, vorgehabt zentral war, ursprünglich zu sein, ist mit der älteren ästhetischen Theorie wirklich dauernd; Aristoteles war in der Westtradition erst, "um Schönheit" in Typen als in seiner Theorie des Dramas zu klassifizieren, und Kant hat eine Unterscheidung zwischen der Schönheit und dem erhabenen gemacht. Was neu war, war eine Verweigerung, den höheren Status von bestimmten Typen zu kreditieren, wo die Taxonomie eine Vorliebe für die Tragödie und das erhabene zur Komödie und dem Rokoko einbezogen hat.

Croce hat vorgeschlagen, dass "Ausdruck" in der Weise zentral ist, wie, wie man einmal dachte, Schönheit zentral war. George Dickie hat vorgeschlagen, dass die soziologischen Einrichtungen der Kunstwelt der Leim verbindliche Kunst und Feingefühl in Einheiten waren. Marshall McLuhan hat vorgeschlagen, dass Kunst immer fungiert, weil eine "Gegenumgebung" vorgehabt hat, sichtbar zu machen, was gewöhnlich über eine Gesellschaft unsichtbar ist. Theodor Adorno hat gefunden, dass Ästhetik nicht weitergehen konnte, ohne der Rolle der Kulturindustrie im commodification der ästhetischen und Kunsterfahrung gegenüberzustehen. Hal Foster hat versucht, die Reaktion gegen die Schönheits- und Modernist-Kunst im Antiästhetischen zu porträtieren: Aufsätze auf der Postmodernen Kultur. Arthur Danto hat diese Reaktion als "kalliphobia" (nach dem griechischen Wort für die Schönheit - 'kalos') beschrieben. André Malraux erklärt, dass der Begriff der Schönheit mit einer besonderen Vorstellung der Kunst verbunden wurde, die mit der Renaissance entstanden ist und noch im achtzehnten Jahrhundert dominierend war (aber wurde später verdrängt). Die Disziplin der Ästhetik, die im achtzehnten Jahrhundert entstanden ist, hat diese vergängliche Lage der Dinge mit einer Enthüllung der dauerhaften Natur der Kunst verwechselt. Brian Massumi schlägt vor, Schönheit im Anschluss an den ästhetischen Gedanken in der Philosophie von Deleuze und Guattari nachzuprüfen.

Daniel Berlyne hat das Feld der experimentellen Ästhetik in den 1970er Jahren geschaffen, für die er noch die am meisten zitierte Person wenige Jahrzehnte nach seinem Tod ist.

Ästhetizismus von Pneumaist ist eine Theorie der Kunst und einer hoch experimentellen Annäherung an historische verneinende vorgefasste Kunstmeinungen des ästhetischen.

Jean-François Lyotard ruft die kantische Unterscheidung zwischen dem Geschmack und dem erhabenen wiederan. Erhabene Malerei, verschieden vom kitschigen Realismus, "wird uns... ermöglichen, nur durch das Bilden davon unmöglich zu sehen, zu sehen; es wird nur durch das Verursachen des Schmerzes erfreuen."

Sigmund Freud hat das ästhetische Denken in der Psychoanalyse hauptsächlich über das "Unheimliche" eröffnet, weil ästhetisch betreffen. Folgender Freud und Merleau-Ponty, Jacques Lacan hat Ästhetik in Bezug auf die Sublimierung und das Ding theoretisiert

Guy Sircello hat für Anstrengungen in der analytischen Philosophie den Weg gebahnt, um eine strenge Theorie der Ästhetik zu entwickeln, sich auf die Konzepte der Schönheit, Liebe und Erhabenheit konzentrierend. Im Gegensatz zu romantischen Theoretikern hat Sircello für die Objektivität der Schönheit argumentiert und hat eine Theorie der Liebe auf dieser Basis formuliert.

Entwicklungsästhetik

Entwicklungsästhetik bezieht sich auf Entwicklungspsychologie-Theorien, in denen die grundlegenden ästhetischen Einstellungen des Homo Sapiens diskutiert werden, um sich entwickelt zu haben, um Überleben und Fortpflanzungserfolg zu erhöhen. Ein Beispiel, das das ist, Menschen werden diskutiert, um schön zu finden und Landschaften zu bevorzugen, die gute Habitate in der Erbumgebung waren. Ein anderes Beispiel ist, dass Körpersymmetrie ein wichtiger Aspekt des physischen Reizes ist, der wegen dieser anzeigenden guten Gesundheit während des Körperwachstums sein kann. Entwicklungserklärungen für ästhetische Einstellungen sind wichtige Teile der Entwicklungsmusikwissenschaft, darwinistischen literarischen Studien und der Studie der Evolution des Gefühls.

Ästhetik und Information

In den 1970er Jahren waren Abraham Moles und Frieder Nake unter dem ersten, um Verbindungen zwischen der Ästhetik, Informationsverarbeitung und Informationstheorie zu analysieren.

In den 1990er Jahren hat Jürgen Schmidhuber eine algorithmische Theorie der Schönheit beschrieben, die die Subjektivität des Beobachters und der Postulate in Betracht zieht: Unter mehreren Beobachtungen klassifiziert als vergleichbar durch einen gegebenen subjektiven Beobachter ist der ästhetisch angenehmste derjenige mit der kürzesten Beschreibung, in Anbetracht der vorherigen Kenntnisse des Beobachters und seiner besonderen Methode, für die Daten zu verschlüsseln. Das ist nah mit den Grundsätzen der algorithmischen Informationstheorie und minimalen Beschreibungslänge verbunden. Eines seiner Beispiele: Mathematiker genießen einfache Beweise mit einer kurzen Beschreibung auf ihrer formellen Sprache. Ein anderes sehr konkretes Beispiel beschreibt ein ästhetisch angenehmes menschliches Gesicht, dessen Verhältnisse durch sehr wenige Bit der Information beschrieben werden können, Inspiration von weniger ausführlichen Verhältnis-Studien des 15. Jahrhunderts von Leonardo da Vinci und Albrecht Dürer ziehend. Die Theorie von Schmidhuber unterscheidet ausführlich dazwischen, was schön ist, und was interessant ist, feststellend, dass Interessantkeit der ersten Ableitung der subjektiv wahrgenommenen Schönheit entspricht. Hier ist die Proposition, dass jeder Beobachter ständig versucht, die Voraussagbarkeit und Verdichtbarkeit der Beobachtungen zu verbessern, indem er Regelmäßigkeit wie Wiederholungen und symmetries und fractal Selbstähnlichkeit entdeckt. Wann auch immer der Lernprozess des Beobachters (der ein prophetisches Nervennetz sein kann - sehen auch Neuroesthetics), zu verbesserter solcher Datenkompression führt, dass die Beobachtungsfolge durch weniger Bit beschrieben werden kann als vorher, entspricht die vorläufige Interessantkeit der Daten der Zahl von gesparten Bit. Dieser Kompressionsfortschritt ist zur inneren Belohnung des Beobachters, auch genannt Wissbegierde-Belohnung proportional. Ein Verstärkungslernalgorithmus wird verwendet, um erwartete Belohnung der Zukunft zu maximieren, indem er gelernt wird, Handlungsfolgen durchzuführen, die zusätzliche interessante Eingangsdaten mit noch der unbekannten, aber erlernbaren Voraussagbarkeit oder Regelmäßigkeit verursachen. Die Grundsätze können auf künstlichen Agenten durchgeführt werden, die dann eine Form der künstlichen Wissbegierde ausstellen.

Angewandte Ästhetik

Sowie auf die Kunst angewandt, kann Ästhetik auch auf kulturelle Gegenstände angewandt werden. Die ästhetische Kopplung zwischen Kunstgegenständen und medizinischen Themen wurde von Sprechern gemacht, die für die US-Informationsstelle arbeiten, Diese Kopplung wurde gemacht, das Lernparadigma zu verstärken, als Englischsprachige Sprecher Übersetzer verwendet haben, um Zuschauer in ihrem eigenen Land anzureden. Diese Zuschauer waren allgemein auf der englischen Sprache nicht fließend. Es kann auch in Themen so verschieden verwendet werden wie Mathematik, Kochkunst, Mode und Website-Design.

Ästhetische Ethik

Ästhetische Ethik bezieht sich auf die Idee, dass menschliches Verhalten und Verhalten dadurch geregelt werden sollten, was schön und attraktiv ist. John Dewey hat darauf hingewiesen, dass die Einheit der Ästhetik und Ethik tatsächlich in unserem Verstehen des Verhaltens widerspiegelt wird, das - das Wort "schön" ist, das eine doppelte Bedeutung von attraktiven und moralisch annehmbaren hat. Mehr kürzlich hat James Page vorgeschlagen, dass ästhetische Ethik gebracht werden könnte, um ein philosophisches Grundprinzip für die Friedensausbildung zu bilden.

Wahrheit als Schönheit, Mathematik, analytische Philosophie und Physik

Mathematische Rücksichten, wie Symmetrie und Kompliziertheit, werden für die Analyse in der theoretischen Ästhetik verwendet. Das ist von den ästhetischen Rücksichten der angewandten in der Studie der mathematischen Schönheit verwendeten Ästhetik verschieden. Ästhetische Rücksichten wie Symmetrie und Einfachheit werden in Gebieten der Philosophie, wie Ethik und theoretische Physik und Kosmologie verwendet, um Wahrheit außerhalb empirischer Rücksichten zu definieren. Schönheit und Wahrheit sind diskutiert worden, um fast synonymisch zu sein, wie widerspiegelt, in der Behauptung "Ist Schönheit Wahrheit, Wahrheitsschönheit" im Gedicht Ode auf einer griechischen Urne durch John Keats. Die Tatsache, dass Urteile der Schönheit und Urteile der Wahrheit beide unter Einfluss der in einer Prozession gehenden Geläufigkeit sind, die die Bequemlichkeit ist, mit der Information bearbeitet werden kann, ist als eine Erklärung dafür präsentiert worden, warum Schönheit manchmal mit der Wahrheit ausgeglichen wird. Tatsächlich hat neue Forschung gefunden, dass Leute Schönheit als eine Anzeige für die Wahrheit in mathematischen Muster-Aufgaben verwenden.

Rechenbetonte Schlussfolgerung der Ästhetik

Ungefähr seit 2005 haben Computerwissenschaftler versucht, automatisierte Methoden zu entwickeln, ästhetische Qualität von Images abzuleiten. Gewöhnlich folgen diese Annäherungen einer Maschinenlernannäherung, wo die große Anzahl manuell steuerpflichtiger Fotographien verwendet wird, um einen Computer darüber "zu unterrichten", was Seheigenschaften der Relevanz zur ästhetischen Qualität sind. Der Acquine Motor, der an der Staatlichen Universität von Penn, Raten natürliche Fotographien entwickelt ist, von Benutzern geladen.

Bemerkenswert in diesem Gebiet ist Michael Leyton, Professor der Psychologie an der Rutgers Universität. Leyton ist der Präsident der Internationalen Gesellschaft für die Mathematische und Rechenbetonte Ästhetik und den

Die internationale Gesellschaft für die Gruppentheorie in der Erkenntnistheorie und hat eine generative Theorie der Gestalt entwickelt.

Es hat auch relativ erfolgreiche Versuche hinsichtlich des Schachs und der Musik gegeben.

Ästhetisches Urteil

Urteile des ästhetischen Werts verlassen sich auf unsere Fähigkeit, an einem Sinnesniveau zu unterscheiden. Ästhetik untersucht unsere affective Bereichsantwort auf einen Gegenstand oder Phänomen.

Immanuel Kant, 1790 schreibend, beobachtet von einem Mann, "Wenn er sagt, dass hellgelber Wein angenehm ist, ist er ziemlich zufrieden, wenn jemand anderer seine Begriffe korrigiert und ihn daran erinnert, stattdessen zu sagen: Es ist für mich angenehm," weil "Jeder sein eigenes (Sinn) Geschmack hat". Der Fall "der Schönheit" ist von der bloßen "Gemütlichkeit" verschieden, weil ", Wenn er etwas verbietet, dann schön zu sein, er dieselbe Zuneigung von anderen verlangt; er urteilt dann nicht nur für sich, aber für jeden, und spricht von der Schönheit, als ob es ein Eigentum von Dingen war."

Ästhetische Urteile übertreffen gewöhnlich Sinnesurteilsvermögen. Für David Hume ist die Feinheit des Geschmacks nicht bloß "die Fähigkeit, alle Zutaten in einer Zusammensetzung", sondern auch unsere Empfindlichkeit "zu Schmerzen sowie Vergnügen zu entdecken, die dem Rest der Menschheit entkommen." (Aufsatz-Moral Politisch und Literarisch. Indianapolis, Literarische Klassiker 5, 1987.) So wird das Sinnesurteilsvermögen mit der Kapazität für das Vergnügen verbunden. Für Kant "Vergnügen" ist das Ergebnis, wenn Vergnügen aus der Sensation entsteht, aber das Schätzen von etwas, "schön" zu sein, hat eine dritte Voraussetzung: Sensation muss Vergnügen durch das Engagieren unserer Kapazitäten des reflektierenden Nachdenkens verursachen. Urteile der Schönheit sind sensorisch, emotional und plötzlich intellektuell.

Zuschauer-Interpretationen der Schönheit besitzen zwei Konzepte des Werts: Ästhetik und Geschmack. Ästhetik ist der philosophische Begriff der Schönheit. Geschmack ist ein Ergebnis eines Ausbildungsprozesses und Bewusstsein von kulturellen Auslesewerten, die durch die Aussetzung von der Massenkultur erfahren sind. Bourdieu hat untersucht, wie die Elite in der Gesellschaft die ästhetischen Werte wie Geschmack definiert, und wie unterschiedliche Niveaus der Aussetzung von diesen Werten auf Schwankungen durch die Klasse, den kulturellen Hintergrund und die Ausbildung hinauslaufen können. Gemäß Kant ist Schönheit objektiv und universal; so sind bestimmte Dinge zu jedem schön. Die zeitgenössische Ansicht von der Schönheit basiert auf angeborenen Qualitäten, aber eher auf kulturellen Details und individuellen Interpretationen nicht.

Am ästhetischen Urteil beteiligte Faktoren

Urteile von ästhetischen Werten scheinen häufig, viele andere Arten von Problemen ebenso einzuschließen. Antworten wie Ekel-Show, dass Sinnesentdeckung auf instinktive Weisen zu Gesichtsausdrücken und sogar Handlungsweisen wie der Knebel-Reflex verbunden wird. Und doch kann Ekel häufig ein gelehrtes oder kulturelles Problem auch sein; da Darwin hingewiesen hat, sehend, dass ein Streifen der Suppe in einem Bart eines Mannes widerlich ist, wenn auch weder Suppe noch Bärte selbst widerlich sind. Ästhetische Urteile können mit Gefühlen oder wie Gefühle verbunden werden, haben teilweise in unsere physischen Reaktionen aufgenommen. Das Sehen einer erhabenen Ansicht von einer Landschaft kann uns eine Reaktion der Ehrfurcht geben, die physisch als eine vergrößerte Herzrate erscheinen könnte oder Augen breiter gemacht hat. Diese unbewussten Reaktionen können sogar davon teilweise bestimmend sein, was unser Urteil ein Urteil macht, dass die Landschaft erhaben ist.

Ebenfalls können ästhetische Urteile einigermaßen kulturell bedingt werden. Viktorianer in Großbritannien haben häufig afrikanische Skulptur als hässlich gesehen, aber gerade ein paar Jahrzehnte später haben Zuschauer aus der Zeit Eduards VII dieselben Skulpturen wie schön seiend gesehen. Einschätzungen der Schönheit können mit der Erwünschtheit vielleicht sogar zur sexuellen Erwünschtheit gut verbunden werden. So können Urteile des ästhetischen Werts verbunden mit Urteilen des wirtschaftlichen, politischen oder moralischen Werts werden. In einem aktuellen Zusammenhang könnte man Lamborghini schätzen, teilweise schön zu sein, weil es als ein Statussymbol wünschenswert ist, oder wir es schätzen könnten, teilweise abstoßend zu sein, weil es für uns Überverbrauch bedeutet und unsere politischen oder moralischen Werte verletzt.

"Teil und Paket im Tier und den Menschlichen Gesellschaften". in Studien im Tier und menschlichen Verhalten, vol. 2. Seiten 115-195. Cambridge, Massachusetts: Harvard Oben, 1971 (ursprünglich Bar. 1950.)

Ästhetische Urteile können häufig sehr feinkörnig und innerlich widersprechend sein. Ebenfalls scheinen ästhetische Urteile häufig, mindestens teilweise intellektuell und erläuternd zu sein. Es ist, was ein Ding bedeutet oder für uns symbolisiert, der häufig ist, was wir beurteilen. Moderne aestheticians haben behauptet, dass das wird und Wunsch fast in der ästhetischen Erfahrung schlafend waren, noch sind Vorliebe und Wahl wichtige Ästhetik einigen Denkern des 20. Jahrhunderts geschienen. Das Argument wird bereits von Hume angebracht, aber sieh Mary Mothersill, "Schönheit und das Urteil des Kritikers", im Handbuch von Blackwell zur Ästhetik, 2004. So, wie man sehen könnte, haben ästhetische Urteile auf den Sinnen basiert, Gefühle, intellektuelle Meinungen, werden, Kultur, Einstellungen, Werte, unterbewusstes Verhalten, bewusste Entscheidung, Ausbildung, Instinkt, soziologische Einrichtungen oder eine komplizierte Kombination von diesen je nachdem genau zu wünschen, welche Theorie man verwendet.

verschiedene Kunstformen schön, widerlich, oder ebenso langweilig?

Ein drittes Hauptthema in der Studie von ästhetischen Urteilen ist, wie sie über Kunstformen vereinigt werden. Wir können eine Person, ein Haus, eine Symphonie, einen Duft und einen mathematischen Beweis schön nennen. Welche Eigenschaften teilen sie, welche geben ihnen diesen Status? Welche mögliche Eigenschaft konnte ein Beweis und ein Duft beider Anteil auf Grund von welch sie beide Zählung als schön? Was eine Malerei schön macht, ist davon ziemlich verschieden, was Musik schön macht, der darauf hinweist, dass jede Kunstform seine eigene Sprache für das Urteil der Ästhetik hat.

Zur gleichen Zeit gibt es anscheinend ganz einen Mangel an Wörtern, um sich genau zu äußern, wenn es ein ästhetisches Urteil macht. Ein ästhetisches Urteil kann kein empirisches Urteil sein. Deshalb, wegen der Unmöglichkeit für die Präzision, gibt es Verwirrung darüber, welche Interpretationen kulturell verhandelt werden können. Wegen der Ungenauigkeit auf der englischen Standardsprache können zwei völlig verschiedene von zwei verschiedenen Menschen erfahrene Gefühle durch einen identischen wörtlichen Ausdruck vertreten werden. Wittgenstein hat das in seinen Vorträgen auf der Ästhetik und den Sprachspielen festgesetzt.

Eine gesammelte Identifizierung der Schönheit, mit bereiten Teilnehmern in einem gegebenen sozialen Spektrum, kann ein sozial verhandeltes Phänomen sein, das in einer Kultur oder Zusammenhang besprochen ist. Gibt es eine zu Grunde liegende Einheit zum ästhetischen Urteil und ist dort eine Weise, die Ähnlichkeiten eines schönen Hauses, schönen Beweises und schönen Sonnenuntergangs zu artikulieren? Das Definieren davon verlangt eine Beschreibung des kompletten Phänomenes, wie Wittgenstein in seinen Vorträgen auf der Ästhetik behauptet hat. Ebenfalls hat es lange Debatte darüber gegeben, wie sich die Wahrnehmung der Schönheit in der natürlichen Welt, besonders Wahrnehmung der menschlichen Form als schön, auf das Wahrnehmen der Schönheit in der Kunst oder den Artefakten beziehen soll. Das geht mindestens Kant mit einigen Echos sogar in St. Bonaventure zurück.

Ästhetik und die Philosophie der Kunst

Für einige wird Ästhetik als ein Synonym für die Philosophie der Kunst seit Hegel betrachtet, während andere darauf bestehen, dass es eine bedeutende Unterscheidung zwischen diesen nah zusammenhängenden Feldern gibt. In der Praxis bezieht sich ästhetisches Urteil auf das Sinnesnachdenken oder die Anerkennung eines Gegenstands (nicht notwendigerweise ein Kunstgegenstand), während sich künstlerisches Urteil auf die Anerkennung, Anerkennung oder Kritik der Kunst oder eine Kunstarbeit bezieht.

Philosophische Ästhetik muss über die Kunst nicht nur sprechen und Urteile über Kunstarbeiten zu erzeugen, aber muss auch eine Definition dessen geben, wie Kunst ist. Kunst ist eine autonome Entität für die Philosophie, weil sich Kunst mit den Sinnen befasst (d. h. die Etymologie der Ästhetik) und Kunst als solcher frei von jedem moralischen oder politischen Zweck ist. Folglich gibt es zwei verschiedene Vorstellungen der Kunst in der Ästhetik: Die Kunst als Kenntnisse oder Kunst als Handlung, aber Ästhetik ist weder Erkenntnistheorie noch Ethik.

Was ist "Kunst"?

Wie man am besten den Begriff "Kunst" definiert, ist ein Thema des unveränderlichen Streits; viele Bücher und Zeitschriftenartikel sind veröffentlicht worden, sogar die Grundlagen dessen diskutierend, was wir durch den Begriff "Kunst" vorhaben. Theodor Adorno hat 1969 gefordert "Es ist selbstverständlich, dass nichts bezüglich der Kunst selbstverständlich ist." Künstler, Philosophen, Anthropologen, Psychologen und Programmierer der ganze Gebrauch der Begriff der Kunst in ihren jeweiligen Feldern, und gibt ihm betriebliche Definitionen, die sich beträchtlich ändern. Außerdem ist es klar, dass sich sogar die grundlegende Bedeutung des Begriffes "Kunst" mehrere Male im Laufe der Jahrhunderte geändert hat und fortgesetzt hat, sich während des 20. Jahrhunderts ebenso zu entwickeln.

Die wichtige neue Bedeutung des Wortes "Kunst" ist grob als eine Abkürzung für die kreative Kunst oder "feine Kunst." Hier meinen wir, dass Sachkenntnis verwendet wird, um die Kreativität des Künstlers auszudrücken, oder die ästhetischen Feingefühle des Publikums zu verpflichten, oder das Publikum zur Rücksicht der "feineren" Dinge anzuziehen. Häufig, wenn die Sachkenntnis in einem funktionellen Gegenstand verwendet wird, werden Leute es als ein Handwerk statt der Kunst, ein Vorschlag betrachten, der von vielen Zeitgenössischen Handwerk-Denkern hoch diskutiert wird. Ebenfalls, wenn die Sachkenntnis auf eine kommerzielle oder industrielle Weise verwendet wird, wie es als Design statt der Kunst betrachtet werden kann, oder im Gegenteil diese verteidigt werden können, weil sich Kunst, vielleicht genannt angewandte Kunst formt. Einige Denker haben zum Beispiel behauptet, dass der Unterschied zwischen dem feinen Kunst- und gegolten hat, hat Kunst mehr, um mit der wirklichen Funktion des Gegenstands zu tun, als jeder klare definitorische Unterschied. Kunst bezieht gewöhnlich keine Funktion anders ein als, eine Idee zu befördern oder mitzuteilen.

Gerade als spät als 1912 es im Westen normal war anzunehmen, dass die ganze Kunst auf Schönheit, und so zielt, dass irgendetwas, was nicht versuchte, schön zu sein, als Kunst nicht zählen konnte. Die Kubisten, dadaists, Stravinsky, und viele spätere Kunstbewegungen haben gegen diese Vorstellung gekämpft, dass Schönheit zur Definition der Kunst mit solchem Erfolg zentral war, dass, gemäß Danto, "War Schönheit nicht nur von der fortgeschrittenen Kunst der 1960er Jahre, aber von der fortgeschrittenen Philosophie der Kunst dieses Jahrzehnts ebenso verschwunden." Vielleicht kann ein Begriff wie "Ausdruck" (in den Theorien von Croce) oder "Gegenumgebung" (in der Theorie von McLuhan) die vorherige Rolle der Schönheit ersetzen. Brian Massumi hat "Schönheit" in die Rücksicht zusammen mit "dem Ausdruck" zurückgebracht. Eine andere Ansicht, die so für die Philosophie der Kunst wichtig ist wie "Schönheit", ist die der "erhabenen", sorgfältig ausgearbeiteten auf im zwanzigsten Jahrhundert durch den postmodernen Philosophen Jean-François Lyotard. Eine weitere Annäherung, die von André Malraux in Arbeiten wie Die Stimmen des Schweigens sorgfältig ausgearbeitet ist, besteht darin, dass Kunst im Wesentlichen eine Antwort auf eine metaphysische Frage ist ('Kunst', schreibt er, 'ist ein 'Antischicksal'). Malraux behauptet, dass, während Kunst manchmal zur Schönheit und dem erhabenen (hauptsächlich in der Postrenaissance europäische Kunst) diese Qualitäten orientiert worden ist, weil die breitere Geschichte der Kunst demonstriert, sind dafür keineswegs notwendig.

Vielleicht (als in der Theorie von Kennick) ist keine Definition der Kunst mehr möglich. Vielleicht sollte von Kunst als eine Traube von zusammenhängenden Konzepten in Wittgensteinian Mode (als in Weitz oder Beuys) gedacht werden. Eine andere Annäherung soll sagen, dass "Kunst" grundsätzlich eine soziologische Kategorie ist, dass was auch immer Kunstschulen und Museen und Künstler definieren, weil Kunst als Kunst unabhängig von formellen Definitionen betrachtet wird. Diese "Institutionsdefinition der Kunst" (sieh auch Institutionskritik), ist von George Dickie verfochten worden. Die meisten Menschen haben nicht gedacht, dass das Bild eines Brillo Kastens oder einer Lager-gekauften Bedürfnisanstalt Kunst bis zu Andy Warhol war, und Marcel Duchamp hat sie (beziehungsweise) in den Zusammenhang der Kunst gelegt (d. h., die Kunstgalerie), der dann die Vereinigung dieser Gegenstände mit den Vereinigungen versorgt hat, die Kunst definieren.

Proceduralists schlagen häufig vor, dass es der Prozess ist, durch den ein Kunststück geschaffen wird oder angesehen hat, der es Kunst, nicht jede innewohnende Eigenschaft eines Gegenstands macht, oder wie gut erhalten es durch die Einrichtungen der Kunstwelt nach seiner Einführung in die Gesellschaft auf freiem Fuß ist. Wenn ein Dichter mehrere Linien niederschreibt, sie als ein Gedicht beabsichtigend, macht das wirkliche Verfahren, durch das es geschrieben wird, es ein Gedicht. Wohingegen, wenn ein Journalist genau denselben Satz von Wörtern schreibt, sie als Schnellschrift-Zeichen beabsichtigend, um ihm zu helfen, einen längeren Artikel später zu schreiben, das kein Gedicht sein würde. Leo Tolstoy behauptet andererseits, dass, was entscheidet, ob etwas Kunst ist, ist, wie sie von seinem Publikum erfahren wird, nicht durch die Absicht seines Schöpfers. Functionalists wie Monroe Beardsley behaupten, dass, ob ein Stück zählt, weil Kunst davon abhängt, was fungiert, spielt es in einem besonderen Zusammenhang; dieselbe griechische Vase kann eine nichtkünstlerische Funktion in einem Zusammenhang spielen (Wein tragend) und eine künstlerische Funktion in einem anderen Zusammenhang (uns helfend, die Schönheit der menschlichen Zahl zu schätzen).'

Was sollten wir beurteilen, wenn wir Kunst beurteilen?

Kunst kann an den metaphysischen und ontologischen Niveaus sowie am Werttheorie-Niveau schwierig sein. Wenn wir eine Leistung von Hamlet sehen, wie viele Kunstwerke erfahren wir, und welchen sollten wir beurteilen? Vielleicht gibt es nur ein relevantes Kunststück, die ganze Leistung, zu der viele verschiedene Menschen beigetragen haben, und die kurz bestehen und dann verschwinden wird. Vielleicht ist das Manuskript durch Shakespeare ein verschiedenes Kunststück vom Spiel durch die Truppe, die auch von der Leistung des Spieles durch diese Truppe in dieser Nacht verschieden ist, und alle drei beurteilt werden können, aber durch verschiedene Standards beurteilt werden sollen.

Vielleicht sollte jeder Beteiligte getrennt auf seinen oder ihren eigenen Verdiensten beurteilt werden, und jedes Kostüm oder Linie sind sein eigenes Kunststück (mit vielleicht dem Direktor, der den Job des Vereinheitlichens von ihnen allen hat). Ähnliche Probleme entstehen für Musik, Film, Tanz und sogar Malerei. Soll man die Malerei selbst, die Arbeit des Malers, oder vielleicht die Malerei in seinem Zusammenhang der Präsentation durch die Museum-Arbeiter beurteilen?

Diese Probleme sind noch schwieriger durch den Anstieg der Begriffskunst seit den 1960er Jahren gemacht worden. Die berühmten Brillo Kästen von Warhol sind fast von wirklichen Kästen von Brillo zurzeit nicht zu unterscheidend. Es würde ein Fehler sein, Warhol für das Design seiner Kästen zu loben (die von Steve Harvey entworfen wurden), noch die Begriffsbewegung, diese Kästen auszustellen, weil die Kunst in einem Museum zusammen mit anderen Arten von Bildern Warhol ist. Beurteilen wir das Konzept von Warhol? Seine Ausführung des Konzepts im Medium? Die Scharfsinnigkeit des Museumsdirektoren im Lassen von Warhol die Kästen zeigen? Das Gesamtergebnis? Unsere Erfahrung oder Interpretation des Ergebnisses? Ontologisch wie sollen wir an das Kunststück denken? Ist es ein physischer Gegenstand? Mehrere Gegenstände? Eine Klasse von Gegenständen? Ein geistiger Gegenstand? Ein erfundener Gegenstand? Ein abstrakter Gegenstand? Ein Ereignis? Oder einfach ein Gesetz?

Wem sollte Kunst ähnlich sein?

Viele Absichten sind für die Kunst diskutiert worden, und aestheticians behaupten häufig, dass eine Absicht oder ein anderer irgendwie höher sind. Clement Greenberg hat zum Beispiel 1960 behauptet, dass jedes künstlerische Medium das suchen sollte, das es einzigartig unter den möglichen Medien macht und dann reinigen Sie sich von etwas anderem als Ausdruck seiner eigenen Einzigartigkeit als eine Form. Der Dadaist Tristan Tzara hat andererseits die Funktion der Kunst 1918 als die Zerstörung einer verrückten Gesellschaftsordnung gesehen. "Wir müssen kehren und reinigen. Versichern Sie die Reinheit der Person nach dem Staat des Wahnsinn, aggressiven ganzen Wahnsinn einer den Händen von Banditen überlassenen Welt." Formelle Absichten, kreative Absichten, Selbstausdruck, politische Absichten, geistige Absichten, philosophische Absichten, und noch mehr perceptual oder ästhetische Absichten sind alle populäre Bilder dessen gewesen, wem Kunst ähnlich sein sollte.

Der Wert der Kunst

Tolstoy hat Kunst definiert (und durch keinen Zufall hat auch seinen Wert charakterisiert) als der folgende: "Kunst ist eine menschliche Tätigkeit, die darin besteht, dass ein Mann bewusst, mittels bestimmter Außenzeichen, zu anderen Gefühle weitergibt, die er miterlebt hat, und dass andere Leute durch diese Gefühle angesteckt werden und sie auch erfahren."

Der Wert der Kunst ist dann ein mit dem Wert der Empathie.

Andere mögliche Ansichten sind diese: Kunst kann als ein Mittel zu einer speziellen Art von Kenntnissen handeln. Kunst kann Scharfsinnigkeit in die menschliche Bedingung geben. Kunst bezieht sich auf die Wissenschaft und Religion. Kunst dient als ein Werkzeug der Ausbildung, oder Indoktrination oder enculturation. Kunst macht uns mehr Moral. Es hebt uns geistig empor. Kunst ist Politik durch andere Mittel. Kunst hat den Wert, Katharsis zu erlauben. Jedenfalls kann der Wert der Kunst die Eignung einer Kunstform bestimmen. Unterscheiden sie sich bedeutsam in ihren Werten, oder (wenn nicht) in ihrer Fähigkeit, den einheitlichen Wert der Kunst zu erreichen?

Aber sich der Frage des Werts der Kunst systematisch zu nähern, sollte man fragen: für wen? Für den Künstler? Für das Publikum? Für die Gesellschaft auf freiem Fuß, und/oder für Personen außer dem Publikum? Ist der "Wert" der Kunst in jedem dieser verschiedenen Zusammenhänge verschieden?

Das Arbeiten auf dem beabsichtigten Wert der Kunst neigt dazu zu helfen, die Beziehungen zwischen Kunst und anderen Taten zu definieren. Kunst hat klar geistige Absichten in vielen Zusammenhängen, aber wie ist genau der Unterschied zwischen religiöser Kunst und Religion per se? Die Wahrheit ist kompliziert; Kunst ist in einem funktionellen Sinn als auch der wichtigsten menschlichen Tätigkeit sowohl nutzlos.

Ein Argument für den Wert der Kunst, die in der erfundenen Arbeit 'Das Tramper-Handbuch zur Milchstraße verwendet ist' geht weiter, dass, sollte eine Außenkraft, die nahe bevorstehende Zerstörung der Erde präsentiert, die Einwohner, davon zu fragen, welcher Gebrauch ist Menschheit, wie sollte die Antwort der Menschheit sein? Das Argument setzt das fort die einzige Rechtfertigungsmenschheit konnte für seine fortlaufende Existenz geben würde die vorige Entwicklung sein und hat Entwicklung von Dingen wie ein Spiel von Shakespeare, einer Malerei von Rembrandt oder einem Konzert von Bach fortgesetzt. Der Vorschlag ist, dass das die Dinge des Werts sind, die Menschheit definieren.

Ästhetischer universals

Der Philosoph Denis Dutton hat sechs universale Unterschriften in der menschlichen Ästhetik identifiziert:

1. Gutachten oder Virtuosität. Menschen kultivieren, erkennen an, und bewundern technische künstlerische Sachkenntnisse.
2. Nichtnützlichkeitsvergnügen. Leute genießen Kunst für den sake der Kunst und fordern nicht, dass es sie warmes oder gestelltes Essen auf dem Tisch hält.
3. Stil. Künstlerische Gegenstände und Leistungen befriedigen Regeln der Zusammensetzung, die sie in einen erkennbaren Stil legen.
4. Kritik. Leute legen Gewicht darauf, Kunstwerke zu beurteilen, zu schätzen, und zu interpretieren.
5. Imitation. Mit einigen wichtigen Ausnahmen wie abstrakte Malerei täuschen Kunstwerke Erfahrungen der Welt vor.
6. Spezieller Fokus. Kunst wird beiseite vom gewöhnlichen Leben gesetzt und ein dramatischer Fokus der Erfahrung gemacht.

Es könnte jedoch eingewandt werden, dass es eher zu viele Ausnahmen zu den Kategorien von Dutton gibt. Zum Beispiel enthalten sich die Installationen des zeitgenössischen Künstlers Thomas Hirschhorn absichtlich technischer Virtuosität. Leute können eine Renaissancemadonna aus ästhetischen Gründen schätzen, aber solche Gegenstände hatten häufig (und haben Sie manchmal noch) spezifische religiöse Funktionen." Regeln der Zusammensetzung", die in den Brunnen von Duchamp oder die 433  von John Cage gelesen werden könnte, machen die Arbeiten in einem erkennbaren Stil (oder sicher nicht einem Stil nicht ausfindig, der zur Zeit der Realisierung der Arbeiten erkennbar ist). Außerdem scheinen einige von den Kategorien von Dutton zu breit: Ein Physiker könnte hypothetische Welten in seiner/ihrer Einbildungskraft im Laufe der Formulierung einer Theorie unterhalten. Ein anderes Problem besteht darin, dass sich die Kategorien von Dutton bemühen, traditionelle europäische Begriffe der Ästhetik und Kunst allgemein gültig zu machen, vergessend, dass als André Malraux, und auf den andere hingewiesen haben, es große Anzahl von Kulturen gegeben hat, in denen solche Ideen (einschließlich der Idee "Kunst" selbst) nicht existierend waren.

Zunehmend achten Akademiker sowohl in den Wissenschaften als auch in den Geisteswissenschaften auf Entwicklungspsychologie und Erkenntnistheorie, um die Verbindung zwischen Psychologie und Ästhetik zu verstehen. Beiseite von Dutton schließen andere, die diesen Bereich erforschen, David Bordwell, Brian Boyd, Christine Buci-Glucksmann, Noël Carroll, Ellen Dissanayake, Nancy Easterlin, Bracha Ettinger, David Evans, Jonathan Gottschall, Torben Grodal, Paul Hernadi, Patrick Hogan, Carl Plantinga, Rolf Reber, Elaine Scarry, Murray Smith, Wendy Steiner, Robert Storey, Frederick Turner und Mark Turner ein.

Kritik

Die Philosophie der Ästhetik als eine Praxis ist von einigen Soziologen und Schriftstellern der Kunst und Gesellschaft kritisiert worden. Raymond Williams behauptet, dass es nicht einzigartigen und oder individuellen ästhetischen Gegenstand gibt, der von der Kunstwelt extrapoliert werden kann, aber dass es ein Kontinuum von kulturellen Formen gibt, und dessen Erfahrung gewöhnliche Rede und Erfahrungen als Kunst signalisieren können. Durch "die Kunst" können wir mehrere künstlerische "Arbeiten" oder "Entwicklungen" als so einrahmen, obwohl diese Verweisung innerhalb der Einrichtung oder des speziellen Ereignisses bleibt, das es schafft und das einige Arbeiten oder andere mögliche "Kunst" außerhalb der Rahmenarbeit oder andere Interpretationen wie anderes Phänomen verlässt, das als "Kunst" nicht betrachtet werden darf.

Pierre Bourdieu stimmt mit der Idee von Kant vom "ästhetischen" nicht überein. Er behauptet, dass Kant "ästhetisch" bloß eine Erfahrung vertritt, die das Produkt einer Hochklasse habitus und wissenschaftliche Freizeit im Vergleich mit anderen möglichen und ebenso gültigen "ästhetischen" Erfahrungen ist, die außerhalb der schmalen Definition von Kant liegen.

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Links

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