Igor Fyodorovich Stravinsky (hat manchmal Strawinsky oder Stravinskii buchstabiert; Russisch: Игорь Фёдорович Стравинский, transliteriert: Igor  Fëdorovič Stravinskij;; am 6. April 1971) war ein Russe, und später französischer und amerikanischer Komponist, Pianist und Leiter. Er wird von vielen als einer der wichtigsten und einflussreichen Komponisten des 20. Jahrhunderts anerkannt.

Die compositional Karriere von Stravinsky war für seine stilistische Ungleichheit bemerkenswert. Er hat zuerst internationale Berühmtheit mit drei Balletten erreicht, die vom Impresario Sergei Diaghilev beauftragt sind, und hat zuerst in Paris durch die Ballette von Diaghilev Russes durchgeführt: Der Baltimore-Trupial (1910), Petrushka (1911) und Der Ritus des Frühlings (1913). Der Ritus des Frühlings, der einen Aufruhr während seiner Premiere provoziert hat, hat den Weg umgestaltet, auf den nachfolgende Komponisten an rhythmische Struktur gedacht haben und für den fortdauernden Ruf von Stravinsky als ein Musikrevolutionär größtenteils verantwortlich waren, der die Grenzen des Musikdesigns gestoßen hat. Seiner so genannten russischen Phase wurde in den 1920er Jahren vor einer Periode gefolgt, in der er sich neoklassizistischer Musik zugewandt hat. Die Arbeiten von dieser Periode haben dazu geneigt, von traditionellen Musikformen (Konzert grosso, Fuge und Symphonie) Gebrauch zu machen. Sie haben oft eine Ader des intensiven Gefühls unter einem Oberflächenäußeren des Abstands oder der Strenge verborgen und haben häufig Anerkennung der Musik von früheren Mastern, zum Beispiel J.S. Bach und Tchaikovsky gezollt. In den 1950er Jahren hat Stravinsky Serienverfahren angenommen. Seine Zusammensetzungen dieser Periode haben Charakterzüge mit Beispielen seiner früheren Produktion geteilt: rhythmische Energie, der Aufbau von verlängerten melodischen Ideen aus einigen zwei - oder Drei-Zeichen-Zellen und Klarheit der Form, der Instrumentierung und der Äußerung.

Leben und Karriere

Frühes Leben in Russland

Stravinsky ist am 17. Juni 1882 in der russischen Ferienort-Stadt Oranienbaum geboren gewesen und wurde in St. Petersburg erzogen. Seine Eltern waren Fyodor Stravinsky, ein Basssänger am Mariinsky Theater in St. Petersburg und Anna Kholodovsky. Er hat seinen schooldays als einsam seiend zurückgerufen, später sagend, dass "Ich nie auf irgendjemanden gestoßen bin, der jede echte Anziehungskraft für mich hatte". Während seines Knabenalters hat Stravinsky Klavier-Lehren, studierte Musik-Theorie begonnen und hat eine Zusammensetzung versucht. 1890 wurde er durch seine erste Aussetzung von einem Orchester mesmerisiert, als er eine Leistung des Balletts von Tchaikovsky Das Dornröschen am Mariinsky Theater gesehen hat: Durch das Alter fünfzehn hatte er das Klavier-Konzert von Mendelssohn im G Minderjährigen gemeistert und hat die Klavier-Verminderung eines Streichquartetts durch Glazunov beendet, der gedacht hat, dass der junge Stravinsky unmusikalisch war, und wenig von seinen Zusammensetzungssachkenntnissen gedacht hat.

Trotz seiner Begeisterung für die Musik haben seine Eltern angenommen, dass er ein Rechtsanwalt geworden ist. Stravinsky hat sich eingeschrieben, um Gesetz an der Universität St. Petersburgs 1901 zu studieren, aber er hat weniger als fünfzig Klassensitzungen während seiner vier Jahre der Studie beigewohnt. Im Sommer 1902 ist Stravinsky beim Komponisten Nikolai Rimsky-Korsakov und seiner Familie in der deutschen Stadt Heidelberg geblieben, wo Rimsky-Korsakov, wohl der russische Hauptkomponist damals, angedeutet Stravinsky, dass er ins Sankt-Petersburger Konservatorium nicht eingehen sollte, aber stattdessen das Bestehen studieren, indem er Privatunterricht im großen Teil wegen seines Alters nimmt. Der Vater von Stravinsksy ist an Krebs in diesem Jahr gestorben, durch die Zeit sein Sohn bereits begonnen hatte, mehr Zeit auf seinen Musikstudien zu verbringen, als auf dem Gesetz. Die Universität wurde seit zwei Monaten im Frühling 1905 nach dem Blutigen Sonntag geschlossen: Stravinsky wurde gehindert, seine Endgesetzprüfungen abzulegen, und hat später ein Halbkurs-Diplom im April 1906 erhalten. Danach hat er sich auf die studierende Musik konzentriert. 1905 hat er begonnen, zweimal die Woche Privatunterricht von Rimsky-Korsakov zu nehmen, den er gekommen ist, um als ein zweiter Vater zu betrachten. Diese Lehren haben bis zum Tod von Rimsky-Korsakov 1908 weitergegangen.

1905 war er Verlobter seinem Vetter Katerina (Catherine) Gabrielovna Nossenko, den er seit der frühen Kindheit gekannt hatte. Trotz der Opposition der Orthodoxen Kirche gegen die Ehe zwischen Cousins ersten Grades hat sich das Paar am 23. Januar 1906 verheiratet: Ihre ersten zwei Kinder, Fyodor (Theodore) und Ludmilla, sind 1907 und 1908 geboren gewesen.

Im Februar 1909 wurden zwei Orchesterarbeiten, und (Feuerwerk) auf einem Konzert in St. Petersburg durchgeführt, wo sie von Sergei Diaghilev gehört wurden, der damals an der Planung beteiligt wurde, russische Oper und Ballett in Paris zu präsentieren. Diaghilev war durch das Feuerwerk genug beeindruckt, um Stravinsky zu beauftragen, einige Orchesterbearbeitungen auszuführen und dann eine lebensgroße Ballett-Kerbe, Den Baltimore-Trupial zusammenzusetzen.

Leben in der Schweiz

Stravinsky ist nach Paris 1910 gereist, um den Endproben und der Premiere Des Baltimore-Trupials beizuwohnen. Seine Familie hat sich ihm vor dem Ende der Ballett-Jahreszeit in diesem Jahr angeschlossen, und sie haben sich dafür entschieden, im Westen einige Zeit zu bleiben, weil seine Frau ihr drittes Kind erwartete. Sie haben sich in die Schweiz bewegt, in Clarens und dann Lausanne lebend, wo, im September 1910, ihr zweiter Sohn Siatoslav Soulima geboren gewesen ist. Eine zweite Tochter, Maria Milena, ist 1913 geboren gewesen. Während schwanger, mit Maria Milena, wie man fand, hatte Catherine Tuberkulose, und sie wurde in ein schweizerisches Sanatorium in Leysin für ihre Beschränkung gelegt.

Im Laufe der nächsten vier Jahre haben Stravinsky und seine Familie in Russland während der Sommermonate gelebt und haben jeden Winter in der Schweiz ausgegeben, die ein zweites Haus für sie geworden ist. Während dieser Periode hat Stravinsky drei weitere Arbeiten für die Ballette Russes — Petrushka, ein Ballett in vier Szenen (1911), das zweiteilige Ballett Der Ritus des Frühlings (1913) und sein 'Ballett mit dem Lied' in einer Tat, Pulcinella (1920) zusammengesetzt. Er ist kurz nach Russland im Juli 1914 gereist, um Forschungsmaterialien für seine Tanzkantate Les noces vor dem Zurückbringen in die Schweiz zu sammeln, kurz bevor die nationalen Grenzen im Anschluss an den Ausbruch des Ersten Weltkriegs geschlossen haben. Er sollte zu seinem Heimatland seit fast fünfzig Jahren nicht zurückkehren.

Die Familie hat finanziell während dieser Periode gekämpft. Russland (und sein Nachfolger die UDSSR) hat an der Berner Tagung nicht geklebt, und das hat Probleme für Stravinsky geschaffen, als es Lizenzgebühren für die Leistungen seines ganzen Balletts Russes Zusammensetzungen gesammelt hat. Stravinsky hat Diaghilev für seine Finanical-Schwierigkeiten verantwortlich gemacht, den er des Scheiterns angeklagt hat, den Begriffen eines Vertrags zu entsprechen, den sie unterzeichnet hatten. Er hat sich dem schweizerischen Philanthropen Werner Reinhart für die Finanzhilfe während der Zeit genähert, die er Histoire du soldat (das Märchen des Soldaten) schrieb. Reinhart hat gesponsert und hat größtenteils seine erste Leistung unterschrieben, die von Ernest Ansermet am 28. September 1918 am Theatre Municipal de Lausanne geführt wurde. In der Dankbarkeit hat Stravinsky die Arbeit Reinhart gewidmet und hat ihm das ursprüngliche Manuskript gegeben. Reinhart hat Stravinsky weiter unterstützt, als er eine Reihe von Konzerten seiner Kammermusik 1919 finanziell unterstützt hat: Eingeschlossen war ein Gefolge von Histoire du soldat hat für Geige, Klavier und Klarinette Vorkehrungen getroffen, die zuerst am 8. November 1919 in Lausanne durchgeführt wurde. In der Dankbarkeit seinem Wohltäter hat Stravinsky auch seine Drei Stücke für die Klarinette (Oktober-November 1918) Reinhart gewidmet, der ein ausgezeichneter Amateurklarinettist war.

Leben in Frankreich

Stravinsky hat sich mit seiner Familie nach Frankreich 1920 bewegt, Er hat eine Geschäfts- und Musikbeziehung mit dem französischen Klavier Produktionsgesellschaft Pleyel gebildet. Pleyel hat im Wesentlichen als sein Agent im Sammeln mechanischer Lizenzgebühren für seine Arbeiten gehandelt und hat ihn mit einem Monatseinkommen und einem Studio-Raum an seinem Hauptquartier versorgt, in dem er arbeiten und Freunde und Geschäftsbekanntschaften unterhalten konnte. In Form von seinem Vertrag mit der Gesellschaft ist Stravinsky bereit gewesen, sich zu einigen (und einigermaßen wieder zusammenzusetzen), viele seiner frühen Arbeiten für Pleyela, die Marke von Pleyel des Spieler-Klaviers. Er hat so in einem Weg getan, der vollen Gebrauch von allen achtundachtzig Zeichen des Klaviers, ohne Rücksicht auf menschliche Finger oder Hände gemacht hat. Die Rollen wurden nicht registriert, aber wurden stattdessen von einer Kombination von Manuskript-Bruchstücken und handschriftlichen Zeichen vom französischen Musiker Jacques Larmanjat, dem Musikdirektor der Rollenabteilung von Pleyel erhöht. Unter den Zusammensetzungen, die auf den Klavier-Rollen von Pleyela ausgegeben wurden, sind Der Ritus des Frühlings, Petrushka, Des Baltimore-Trupials und Liedes der Nachtigall. Während der 1920er Jahre hat Stravinsky mit dem Duettkunstrollen für Aeolian Company sowohl in London als auch in New York, nicht registriert, von denen alle überlebt haben.

Schirmherrschaft war nie weit weg. Am Anfang der 1920er Jahre hat Leopold Stokowski Stravinsky regelmäßige Unterstützung durch einen pseudonymous 'Wohltäter' gegeben. Der Komponist ist auch im Stande gewesen, Kommissionen anzuziehen: Der grösste Teil seiner Arbeit vom Baltimore-Trupial wurde vorwärts für spezifische Gelegenheiten geschrieben und wurde für großzügig bezahlt.

Stravinsky hat Vera de Bosset in Paris im Februar 1921 getroffen, als sie mit dem Maler und Bühnenbildner Serge Sudeikin verheiratet gewesen ist, und sie eine Angelegenheit begonnen haben, die zu Vera geführt hat, die ihren Mann verlässt. Von da an bis zum Tod seiner Frau 1939 hat Stravinsky ein doppeltes Leben geführt, etwas von seiner Zeit mit seiner ersten Familie und dem Rest mit Vera verbringend. Langweilige Angelegenheit von Catherine die Untreue ihres Mannes "mit einer Mischung von magnaminity, Bitterkeit und Mitfühlen", passiv es als unvermeidlich und dauerhaft akzeptierend.

Danach lebend in der Nähe von Paris seit einer kurzen Zeit hat sich die Familie von Stravinsky nach Süden Frankreichs bewegt, französische Bürger 1934 werdend und nach Paris in diesem Jahr zurückkehrend, um am bereuen du Faubourg Saint-Honoré zu leben. Stravinsky hat sich später an diese letzte europäische Adresse als sein unglücklichstes, als die Tuberkulose seiner Frau angesteckt sowohl er als auch seine älteste Tochter Ludmila erinnert. Ludmila ist 1938 und Catherine gestorben, mit der er seit 33 Jahren verheiratet gewesen war, ist an tubercolosis ein Jahr später gestorben. Stravinsky selbst hat fünf Monate im Krankenhaus ausgegeben, während deren Zeit seine Mutter gestorben ist.

Während seiner späteren Jahre in Paris hatte Stravinsky Berufsbeziehungen mit Schlüsselleuten in den Vereinigten Staaten entwickelt: Er arbeitete bereits an seiner Symphonie in C für das Chikagoer Sinfonieorchester, und er war bereit gewesen, Vorträge an Harvard während 1939 zu liefern. Ein paar Monate, nachdem Zweiter Weltkrieg im September 1939 ausgebrochen ist, hat sich Stravinsky in die Vereinigten Staaten bewegt. Vera ist ihm im nächsten Jahr gefolgt, und sie sind in Bedford, Massachusetts am 9. März 1940 verheiratet gewesen.

Leben in Amerika

Stravinsky hat sich in Los Angeles niedergelassen, in 1260 die North Wetherly Drive, Westliches Hollywood lebend. Er hat mehr Zeit verbracht, in Los Angeles lebend, als in jeder anderen Stadt. Er ist ein naturalisierter USA-Bürger 1945 geworden.

Stravinsky hatte sich an das Leben in Frankreich angepasst, aber sich nach Amerika bewegend, war im Alter von 58 Jahren eine sehr verschiedene Aussicht. Eine Zeit lang hat er einen Kreis von Kontakten und emigré Freunden von Russland aufrechterhalten, aber er hat schließlich gefunden, dass das sein intellektuelles und berufliches Leben nicht gestützt hat. Er wurde zum wachsenden kulturellen Leben Los Angeles besonders während des Zweiten Weltkriegs angezogen, als sich so viele Schriftsteller, Musiker, Komponisten und Leiter im Gebiet niedergelassen haben: Diese haben Otto Klemperer, Thomas Mann, Franz Werfel, George Balanchine und Arthur Rubinstein eingeschlossen. Er hat in der Nähe von Arnold Schoenberg gelebt, obwohl er keine nahe Beziehung mit ihm hatte. Bernard Holland bemerkt, dass er besonders britische Schriftsteller geliebt hat, die ihn häufig in Beverly Hills, "wie W. H. Auden, Christopher Isherwood, Dylan Thomas besucht haben. Sie haben den Geschmack des Komponisten für harte Geister - besonders Aldous Huxley geteilt, mit dem Stravinsky in Französisch gesprochen hat". Stravinsky hat manchmal Konzerte mit der Philharmonie von Los Angeles an der berühmten Schüssel von Hollywood geführt, und er hat andere Orchester überall in den Vereinigten Staaten geführt. Seine Pläne, einer Oper mit W. H. Auden zu schreiben, sind mit einer Sitzung mit dem Musikwissenschaftler Robert Craft zusammengefallen, der der Dolmetscher von Stravinsky, Chronist, Helfer-Leiter und für unzählige musikalische und soziale Aufgaben geworden ist, mit ihm bis zu seinem Tod lebend.

Der unkonventionelle siebente Hauptakkord von Stravinsky in seiner Einordnung "Der Sternenbesäten Schlagzeile" hat zu einem Ereignis mit der Bostoner Polizei am 15. Januar 1944 geführt, aber er wurde nur gewarnt, dass die Behörden eine Geldstrafe von 100 $ jeder "Neuordnung der Nationalhymne im Ganzen oder teilweise" auferlegen konnten. Das Ereignis hat sich bald sich als ein Mythos eingerichtet, in dem Stravinsky vermutlich angehalten wurde, wegen die Musik zu spielen.

Stravinsky war auf dem Los von Paramount Pictures während der Aufnahme der Musikkerbe zum 1956-Film Hofnarr. Die rote 'Aufnahme im Fortschritt' Licht wurde illuminiert, um Unterbrechungen zu verhindern, und Vic Schoen, der Komponist der Kerbe, hatte angefangen, ein Stichwort zu führen, aber in diesem Moment hat er gesehen, dass sich das komplette Orchester gedreht hatte, um auf Stravinsky zu schauen, der gerade ins Studio spazieren gegangen war. Schoen hat gesagt, "Das komplette Zimmer wurde überrascht, diesen kurzen kleinen Mann mit einer großen Brust zu sehen, um hereinzugehen und unserer Sitzung zuzuhören. Ich habe später mit ihm gesprochen, nachdem wir getan wurden registrierend. Wir sind gegangen und haben eine Tasse von Kaffee zusammengebracht. Nach dem Zuhören meiner Musik hat Stravinsky mir erzählt, "Sie haben alle Regeln gebrochen". Zurzeit habe ich seine Anmerkung nicht verstanden, weil ich selbstunterrichtet worden war. Ich habe Jahre gebraucht, um auszurechnen, was er vorgehabt hatte".

Das Berufsleben von Stravinsky hat den grössten Teil des 20. Jahrhunderts einschließlich vieler seiner modernen klassischen Musik-Stile umfasst, und er hat Komponisten beide während und nach seiner Lebenszeit beeinflusst. 1959 wurde er dem Sonning-Preis, Dänemarks höchster Musikehre zuerkannt. 1962 hat er eine Einladung akzeptiert, nach Leningrad für eine Reihe von Konzerten zurückzukehren. Während seines Aufenthalts in der UDSSR hat er Moskau besucht und hat mehrere sowjetische Hauptkomponisten, einschließlich Dmitri Shostakovichs und Aram Khachaturians getroffen.

1969 hat sich Stravinsky zum Haus von Essex in New York bewegt, wo er bis zu seinem Tod 1971 im Alter von 88 Jahren gelebt hat. Er wurde in Venedig auf der Friedhof-Insel San Michele in der Nähe von der Grabstätte seines langfristigen Mitarbeiters Diaghilev begraben.

Er hat einen Stern auf dem Spaziergang von Hollywood der Berühmtheit, und 1987 wurde er dem Grammy-Preis für das Lebenszu-Stande-Bringen postum zuerkannt. Er wurde ins Nationale Museum des Tanzes Ruhmeshalle von C.V. Whitney 2004 eingeweiht.

Persönlichkeit

Stravinsky hat einen unerschöpflichen Wunsch gezeigt, zu erforschen und über die Kunst, die Literatur und das Leben zu erfahren, das sich in mehreren seiner Pariser Kollaborationen geäußert hat. Nicht nur war er der Hauptkomponist für die Ballette von Diaghilev Russes, aber er hat auch mit Picasso (Pulcinella, 1920), Jean Cocteau (1927) und George Balanchine (1928) zusammengearbeitet. Sein Geschmack in der Literatur war breit und hat seinen unveränderlichen Wunsch nach neuen Entdeckungen widerspiegelt. Die Texte und literarischen Quellen für seine Arbeit haben mit einer Periode von Interesse in der russischen Volkskunde begonnen, die klassischen Autoren und der lateinischen Liturgie fortgeschritten ist und nach dem zeitgenössischen Frankreich (André Gide, in Persephone) und schließlich englische Literatur, einschließlich Auden, T. S. Eliots und mittelalterlichen englischen Verses weitergegangen ist.

Gemäß Robert Craft ist Stravinsky ein ratifizierter Monarchist überall in seinem Leben geblieben und hat die Bolschewiken vom allerersten Augenblick verabscheut. 1930 hat er sich geäußert, "Ich glaube nicht, dass jeder Mussolini mehr verehrt als I... Ich kenne viele begeisterte Rollen, und die Meinung meines Künstlers weicht vor politischen und sozialen Problemen nicht zurück. So, so viele Ereignisse und so viele mehr oder weniger vertretende Männer gesehen, habe ich einen Überwältigen-Drang, Huldigung zu Ihrem Duce zu machen. Er ist der Retter Italiens, und - lassen uns - Europa hoffen". Später, nach einem privaten Publikum mit Mussolini, hat er beigetragen, "Wenn meine Ohren mich nicht täuschen, ist die Stimme Roms die Stimme von Il Duce. Ich habe ihm gesagt, dass ich zu einem Faschisten selbst aufgelegt gewesen bin... Trotz, äußerst beschäftigt zu sein, hat Mussolini mich die große Ehre des Unterhaltens mit mir für drei Viertel einer Stunde getan. Wir haben über die Musik, Kunst und Politik gesprochen". Als die Nazis die Arbeiten von Stravinsky an der Liste von "Entartete Musik" gelegt haben, hat er einen formellen Einspruch eingereicht, um seine russische Genealogie zu gründen, und hat erklärt, "Ich verabscheue den ganzen Kommunismus, Marxismus, das abscheuliche sowjetische Ungeheuer, und auch den ganzen Liberalismus, democratism, den Atheismus usw." Zum Ende seines Lebens, auf das Geheiß von Craft, hat Stravinsky einen Rückbesuch in seinem Vaterland gemacht und hat eine Kantate in Neuhebräisch zusammengesetzt, nach Israel für seine Leistung reisend.

Stravinsky hat sich geschickt im Spielen der Rolle eines 'Weltmannes', das Erwerben eines scharfen Instinkts für Geschäftsangelegenheiten und das Erscheinen entspannt und bequem öffentlich erwiesen. Seine erfolgreiche Karriere als ein Pianist und Leiter hat ihn in viele der Hauptstädte in der Welt, einschließlich Paris, Venedigs, Berlins, Londons, Amsterdams und New Yorks gebracht, und er war für seine höfliche, höfliche und nützliche Weise bekannt.

Wie man

hielt, war Stravinsky ein Hofmacher gewesen und wurde verbreitet, um Angelegenheiten mit bemerkenswerten Partnern wie Coco Chanel gehabt zu haben. Er hat sich nie darauf selbst bezogen, aber Chanel hat über ihre Angelegenheit ausführlich ihrem Biografen Paul Morand 1946 gesprochen, und ihr Gespräch wurde dreißig Jahre später veröffentlicht. Die Genauigkeit der Ansprüche von Chanel ist sowohl von der Witwe von Stravinsky Vera als auch durch sein Gehilfe-Handwerk diskutiert worden. Die Chanel haust auf Mode hat festgestellt, dass es nie Beweis gab, dass eine Angelegenheit zwischen Kokospalme und Igor Stravinsky jemals bestanden hat. Ein fictionalization der angenommenen Angelegenheit hat die Basis des 2002-Romans Kokospalme und Igor und ein 2009-Film, Coco Chanel & Igor Stravinsky gebildet. Trotz dieser angenommenen Verbindungen ist es bekannt, dass Stravinsky ein Familienmann war, der beträchtliche Beträge seiner Zeit und Geldes seinen Kindern gewidmet hat.

Glaube

Stravinsky war ein frommes Mitglied der russischen Orthodoxen Kirche während des grössten Teiles seines Lebens, auf einmal bemerkend, dass, "Lobt Musik Gott. Musik ist gut oder besser fähig, ihn zu loben, als das Gebäude der Kirche und seiner ganzen Dekoration; es ist die größte Verzierung der Kirche".

Obwohl Stravinsky über seinen Glauben nicht freimütig war, war er ein tief religiöser Mann im Laufe einiger Perioden seines Lebens. Als ein Kind wurde er von seinen Eltern in der russischen Orthodoxen Kirche erzogen. Getauft bei der Geburt hat er später gegen die Kirche rebelliert und hat es aufgegeben, als er vierzehn Jahre alt oder fünfzehn war. Während des Anstiegs seiner Karriere war er vom Christentum getrennt lebend, und erst als er seine frühen vierziger Jahre erreicht hat, dass er eine geistige Krise erfahren hat. Nachdem er einem russischen Priester behilflich gewesen ist, hat Vater Nicolas nach seiner Bewegung zum Netten 1924 genannt, er hat mit seinem Glauben in Verbindung wiedergestanden. Er hat sich an die russische Orthodoxe Kirche wieder angeschlossen und ist später ein begangener Christ geblieben. Robert Craft hat bemerkt, dass Stravinsky täglich vorher und nach dem Bestehen gebetet hat, und auch gebetet hat, als er Schwierigkeit gegenübergestanden hat. Zum Ende seines Lebens ist er im Stande gewesen, russischen Orthodoxen Dienstleistungen nicht mehr beizuwohnen.

In in seinen späten siebziger Jahren hat Stravinsky gesagt:

Musik

Die Karriere von Stravinsky als ein Komponist kann grob in drei stilistische Perioden geteilt werden:

Russische Periode (ungefähr von 1908 bis 1919)

Die erste Periode von Stravinsky (der einige seiner frühen geringen Arbeiten ausschließt) hat mit dem Lehen d'artifice (Feuerwerk) begonnen und hat die drei Ballette eingeschlossen, die er für Diaghilev zusammengesetzt hat. Diese drei Arbeiten haben mehrere Eigenschaften gemeinsam: Sie werden für ein äußerst großes Orchester eingekerbt; sie verwenden russische Volksthemen und Motive; und sie waren unter Einfluss des fantasievollen Zählens und Instrumentierung von Rimsky-Korsakov. Sie stellen auch beträchtliche stilistische Entwicklung vom Baltimore-Trupial aus, der bestimmte Tendenzen in Rimsky-Korsakov betont und pandiatonicism auf eine auffallende Weise in der dritten Bewegung, zum Gebrauch der Polyklangfarbe in Petrushka und den absichtlich brutalen Polyrhythmen und Dissonanzen Des Ritus des Frühlings zeigt.

Das erste von seinen Balletten, Dem Baltimore-Trupial, wird für seine fantasievolle Orchesterbearbeitung bemerkt. Das ist vom Anfang, wie gehört, in der Einführung offensichtlich, die das niedrige Register des Kontrabasses ausnutzt. Petrushka, das erste von den Balletten von Stravinsky, um sich auf Volksmythologie zu stützen, wird auch unverwechselbar eingekerbt. Im Ritus des Frühlings versucht der Komponist, die Brutalität des heidnischen Russlands in seiner Musik, der Inspiration der gewaltsamen Motive zu zeichnen, die während der Arbeit wiederkehren.

Wenn die festgesetzte Absicht von Stravinsky war, "sie alle zum Teufel zu senden" dann kann er die 1913-Premiere Des Ritus des Frühlings als ein Erfolg abgeschätzt haben: Es ist ein berühmter klassischer Musik-Aufruhr und Stravinsky, der darauf mehrfach in seiner Autobiografie als ein "scandale" verwiesen ist. Es gab Berichte von Faustkämpfen unter dem Publikum und dem Bedürfnis nach einer Polizeianwesenheit während der zweiten Tat. Das echte Ausmaß der Aufregung ist für die Debatte offen, und die Berichte können apokryphisch sein.

Andere Stücke von der russischen Periode schließen ein: (Die Nachtigall); Wiedernarde (1916); Histoire du soldat (1918); und (Die Hochzeit) (1923).

Neoklassizistische Periode (ungefähr von 1920 bis 1954)

Die folgende Phase des compositional Stils von Stravinsky erweitert von der Oper Mavra (1921-22), der als der Anfang seiner neoklassizistischen Periode bis 1952 betrachtet wird, als er sich serialism zugewandt hat. Pulcinella (1920) und das Oktett für Blasinstrumente (1923) ist von seinen Zusammensetzungen erst, um seine Nachprüfung der klassischen Musik von Mozart, J. S. Bach und ihren Zeitgenossen zu zeigen. Arbeiten solcher als (1927), (1928) und das Dumbarton Eiche-Konzert (1937-38) haben sein Umdenken von Musical-Stilen des achtzehnten Jahrhunderts fortgesetzt.

Andere Arbeiten von dieser Periode schließen die drei Symphonien ein: der Symphonie des Psaumes (Symphonie von Psalmen, 1930), Symphonie in C (1940) und die Symphonie in Drei Bewegungen (1945). Apollon, Persephone (1933) und Orpheus (1947) veranschaulichen nicht nur die Rückkehr von Stravinsky zur Musik der Klassischen Periode, sondern auch seine Erforschung von Themen von der alten Klassischen Welt wie griechische Mythologie.

1951 hat er seine letzte neoklassizistische Arbeit, die Oper der Fortschritt des Rechens zu einem Libretto durch W. H. Auden vollendet, der auf dem Ätzen von William Hogarth basiert hat. Es premiered in Venedig in diesem Jahr und wurde um Europa im nächsten Jahr erzeugt, bevor es in New York Metropolitanoper 1953 inszeniert wird. Es wurde von der Oper von Santa Fe in einem 1962-Fest von Stravinsky zu Ehren vom 80. Geburtstag des Komponisten inszeniert. Die Musik ist direkt, aber gerissen und borgt von der klassischen Tonharmonie, sondern auch wirft überraschende Dissonanzen ein. Es zeigt die Handelsmarke von Stravinsky außer Rhythmen und geht auf die Opern und Themen von Monteverdi, Gluck und Mozart zurück. Es wurde von der Metropolitanoper 1997 wiederbelebt.

Serienperiode (von 1954 bis 1968)

In den 1950er Jahren hat Stravinsky begonnen, compositional Serientechniken wie dodecaphony, die von Arnold Schoenberg ursprünglich ausgedachte Zwölftontechnik zu verwenden.

Er hat zuerst mit Nichtzwölftonserientechniken im kleinen Vokal und den Raum-Arbeiten wie die Kantate (1952), das Septett (1953) und Drei Lieder von Shakespeare (1953) experimentiert. Die erste von seinen Zusammensetzungen, um völlig auf solchen Techniken zu basieren, war In Memoriam Dylan Thomas (1954). Agon (1954-57) war von seinen Arbeiten erst, um eine Zwölftonreihe einzuschließen, und (1955) war das erste Stück, um eine auf einer Ton-Reihe völlig gestützte Bewegung zu enthalten. Stravinsky hat später seinen Gebrauch von dodecaphony in Arbeiten wie Threni (1958), Eine Predigt, ein Bericht und ein Gebet (1961) und Die Überschwemmung (1962) ausgebreitet, die auf biblischen Texten basieren.

Agon wird für zwölf Balletttänzerinnen choreografiert. Es bildet einen wichtigen Übergang zwischen der neoklassizistischen Periode von Stravinsky und seinem Serienstil. Teile von Agon sind an die Klangfarbe 'des weißen Zeichens' seiner neoklassizistischen Periode erinnernd, während andere (zum Beispiel Bransle Gay) seine Umdeutung von Serienmethoden zeigen.

Neuerung und Einfluss

Stravinsky ist als "einer der aufrichtig epochalen Neuerer der Musik" bekannt. Der wichtigste Aspekt der Arbeit von Stravinsky, beiseite von seinen technischen Neuerungen (einschließlich im Rhythmus und der Harmonie), ist das 'sich ändernde Gesicht' seines compositional Stils immer 'das Behalten einer kennzeichnenden, wesentlichen Identität'. Er selbst wurde durch verschiedene Kulturen, Sprachen und Literatur begeistert. Demzufolge war sein Einfluss auf Komponisten sowohl während seiner Lebenszeit als auch nach seinem Tod, und, bleibt beträchtlich.

Der Gebrauch von Stravinsky der motivic Entwicklung (der Gebrauch von Musikzahlen, die in verschiedenen Gestalten überall in einer Zusammensetzung oder Abteilung einer Zusammensetzung wiederholt werden), eingeschlossener Zusatz motivic Entwicklung. Das ist, wo Zeichen abgezogen oder zu einem Motiv ohne Rücksicht auf die folgenden Änderungen im Meter hinzugefügt werden. Eine ähnliche Technik kann schon im sechzehnten Jahrhundert, zum Beispiel in der Musik von Cipriano de Rore, Orlandus Lassus, Carlo Gesualdo und Giovanni de Macque, Musik gefunden werden, mit der Stravinsky beträchtliche Vertrautheit ausgestellt hat.

Der Ritus des Frühlings ist für seinen unbarmherzigen Gebrauch von ostinati bemerkenswert, zum Beispiel im achten Zeichen ostinato auf Schnuren, die durch acht akzentuiert sind, mischt sich die Abteilungswahrsager des Frühlings (Tänze der Jungen Mädchen) ein. Die Arbeit enthält auch Durchgänge, wo sich mehrere ostinati gegen einander streiten.

Stravinsky wurde für seinen kennzeichnenden Gebrauch des Rhythmus besonders im Ritus des Frühlings bemerkt. Gemäß dem Komponisten Philip Glass, "ist die Idee, die Rhythmen über die Bar-Linien zu stoßen [...] vorangegangen [...]. Die rhythmische Struktur der Musik ist viel mehr Flüssigkeit und auf eine bestimmte unwillkürliche Weise geworden". Glass erwähnt den "primitiven, ausgefallenen rhythmischen Laufwerk von Stravinsky". Gemäß Andrew J. Browne, "ist Stravinsky vielleicht der einzige Komponist, der Rhythmus an sich zur Dignität der Kunst erhoben hat". Der Rhythmus und Lebenskraft von Stravinsky haben außerordentlich den Komponisten Aaron Copland beeinflusst.

Die ersten neoklassizistischen Arbeiten von Stravinsky waren das Ballett Pulcinella von 1920 und dem unten abgezogenen und fein eingekerbten Oktett für Blasinstrumente (1923). Ihm kann in seinem Gebrauch von neoklassizistischen Geräten von Komponisten wie Prokofiev und Erik Satie vorangegangen worden sein. Bis zum Ende der 1920er Jahre und der 1930er Jahre war der Gebrauch durch Komponisten des Neoklassizismus weit verbreitet geworden.

Stravinsky hat Stücke zusammengesetzt, die individuelle Arbeiten von früheren Komponisten, eine Tradition ausführlich behandelt haben, die mindestens zum fünfzehnten Jahrhundert quodlibet und der Parodie-Masse zurückgeht. Ein frühes Beispiel ist sein Pulcinella von 1920, wo er Giovanni Pergolesi dann zugeschriebene Musik verwendet hat. Sein Quellmaterial wurde zuweilen direkt und in anderen wiedererfundenen Zeiten angesetzt. Er hat diese Technik weiter im Ballett der Kuss der Fee (1928) entwickelt, der auf der Musik von Tchaikovsky basiert hat. Spätere Beispiele von vergleichbaren Musiktransformationen schließen den Gebrauch von Stravinsky von Marche Militaire Nr. 1 von Schubert in seiner Zirkus-Polka (1942) und "Glücklicher Geburtstag zu Ihnen" im Gruß der Einleitung (1955) ein.

Im Ritus des Frühlings hat Stravinsky Volksthemen zu ihren grundlegendsten melodischen Umrissen abgezogen, häufig sie außer der Anerkennung mit hinzugefügten Zeichen, Inversion und Verringerung verdrehend.

Gebrauch des Orchesters

Als mit vielen verstorbenen romantischen Komponisten hat Stravinsky häufig nach riesigen Orchesterkräften besonders in seinen frühen Balletten verlangt. Der Baltimore-Trupial hat ihn bewiesen, um der gleiche von Nikolai Rimsky-Korsakov zu sein, und hat die "Sicherung unter dem instrumentalen Make-Up des Orchesters des 19. Jahrhunderts" angezündet. Im Baltimore-Trupial hat er das Orchester einzeln genommen und hat es analysiert. Aaron Copland hat Den Ritus des Frühlings als das erste Orchesterzu-Stande-Bringen des 20. Jahrhunderts charakterisiert.

Stravinsky hat für einzigartige Kombinationen von Instrumenten in kleineren Ensembles geschrieben, die für ihre genauen Ton-Farben gewählt sind. Zum Beispiel wird Histoire du soldat für Klarinette, Fagott, Kornett, Posaune, Geige, Kontrabass und Schlagzeug, eine auffallend ungewöhnliche Kombination für 1918 eingekerbt.

Stravinsky nutzt gelegentlich die äußersten Reihen von Instrumenten am berühmtesten bei der Öffnung Des Ritus des Frühlings aus, wo er die äußerste obere Reichweite des Fagottes verwendet, um das symbolische 'Erwachen' eines Frühlingsmorgens vorzutäuschen.

Empfang

Stravinsky wird als einer der wichtigsten und einflussreichen Komponisten des 20. Jahrhunderts anerkannt. Er wurde durch das Time Magazin als einer der 100 einflussreichsten Menschen des Jahrhunderts genannt. Er ist ein naturalisierter französischer Bürger 1934 und ein naturalisierter USA-Bürger 1945 geworden. Zusätzlich zur Anerkennung hat er für seine Zusammensetzungen erhalten, er hat Berühmtheit als ein Pianist und ein Leiter häufig auf den Premieren seiner Arbeiten erreicht.

1923 hat Erik Satie einen Artikel über Igor Stravinsky an der Hochmut-Messe geschrieben. Satie hatte Stravinsky zum ersten Mal 1910 getroffen. Seine Einstellung zum russischen Komponisten wird durch die Achtung gekennzeichnet, wie auch aus den Briefen gesehen werden kann, hat er ihm 1922 in der Vorbereitung des Artikels Vanity Fair geschrieben. Mit etwas Ironie hat er in einem dieser Briefe aufgehört, "Ich bewundere Sie: Sind Sie nicht der Große Stravinsky? Ich bin zu kleiner Erik Satie". Im veröffentlichten Artikel hat Satie behauptet, dass das Messen der 'Größe' eines Künstlers durch das Vergleichen von ihm mit anderen Künstlern, als ob über eine 'Wahrheit' sprechend, illusorisch ist, und dass jedes Musikstück auf seinen eigenen Verdiensten und nicht durch das Vergleichen davon mit den Standards anderer Komponisten beurteilt werden sollte. Das war genau, was Jean Cocteau getan hat, als er missbilligend Stravinsky in seinem 1918-Buch kommentiert hat.

Gemäß The Musical Times 1923:

1935 hat der amerikanische Komponist Marc Blitzstein Stravinsky mit Jacopo Peri und C.P.E. Bach verglichen, dass zugebend, "es gibt kein Bestreiten der Größe von Stravinsky. Es ist gerade, dass er nicht groß genug ist". Die marxistische Position von Blitzstein bestand darin, dass der Wunsch von Stravinsky, Musik von anderen Strömen des Lebens "zu scheiden", das für eine Flucht aus Wirklichkeit "symptomatisch ist", ist ein "Verlust des Aushaltens" hinausgelaufen, spezifisch Apollo, Capriccio und Le Baiser de la fée nennend.

Der Komponist Constant Lambert hat Stücke solcher beschrieben als, wie "im Wesentlichen kaltblütige Abstraktion" zu enthalten. Lambert hat weitergemacht, "melodische Bruchstücke darin sind selbst völlig sinnlos. Sie sind bloß Folgen von Zeichen, die in Gruppen drei, fünf, und sieben günstig geteilt und gegen andere mathematische Gruppen gesetzt werden können" und er die Kadenz für Solotrommeln als "durch eine Art der Musikentmannung... erreichte Musikreinheit" beschrieben hat. Er hat die Wahl von Stravinsky "der am meisten grauen und am wenigsten bedeutenden Ausdrücke" Gertrude Stein verglichen: "Täglich waren sie dort homosexuell, sie waren regelmäßig dort täglich homosexuell" ("Helen Furr und Georgine Skeene", 1922), "wessen Wirkung von jemandem ohne Kenntnisse von Englisch was auch immer ebenso geschätzt würde".

Bestellen Sie seinen 1949 Philosophie der Modernen Musik vor, Theodor W. Adorno hat Stravinsky als ein Akrobat beschrieben und hat von hebephrenic und psychotischen Charakterzügen in mehreren der Arbeiten von Stravinsky gesprochen. Gegen einen häufigen Irrtum hat Adorno nicht gedacht, dass der hebephrenic und die psychotischen Imitationen, die die Musik hat enthalten sollen, seine Hauptschuld waren, weil er in einem postscriptum darauf hingewiesen hat, dass er später zu seinem Buch beigetragen hat. Die Kritik von Adorno von Stravinsky ist mehr mit dem 'Übergang zu positivity' beschäftigt, den er in seinen neoklassizistischen Arbeiten gefunden hat. Ein Teil des Fehlers des Komponisten, in der Ansicht von Adorno, war sein Neoklassizismus, aber größeren importantance war seine Musik "pseudomorphism der Malerei", vom (Zeitraum) aber nicht (der Zeitdauer) von Henri Bergson spielend. Gemäß Adorno, "charakterisiert ein Trick alle formellen Versuche von Stravinsky: Die Anstrengung seiner Musik, Zeit als in einem Zirkus-Gemälde und zu Gegenwart-Komplexen zu porträtieren, als ob sie räumlich waren. Dieser Trick erschöpft jedoch bald sich". Adorno hat behauptet, dass die "rhythmischen Verfahren nah dem Diagramm von katatonischen Bedingungen ähneln. In bestimmten Schizophrenen führt der Prozess, durch den der Motorapparat unabhängig wird, zur unendlichen Wiederholung von Gesten oder Wörtern im Anschluss an den Zerfall des Egos".

Der Ruf von Stravinsky in Russland und der UDSSR hat sich erhoben und ist gefallen. Leistungen seiner Musik wurden ungefähr von 1933 bis 1962, das Jahr verboten Nikita Khrushchev hat ihn in die UDSSR für einen offiziellen Zustandbesuch eingeladen. 1972 hat eine offizielle Deklaration vom sowjetischen Minister der Kultur, Ekaterina Furtseva, sowjetischen Musikern befohlen," die Musik von Stravinsky "zu studieren und zu bewundern, und sie hat Feindschaft dazu ein potenzielles Vergehen gemacht.

Gemäß dem britischen novellist Gabriel Josipovici ist der Fortschritt des Rechens vielleicht die einzige der Arbeiten von Stravinsky, die "eine Rechtfertigung in Bezug auf die menschliche Psychologie, und von den Realien unserer Welt für dieses besessene Bedürfnis gibt, sich zu wiederholen und zurückzukehren".

Während die Musik von Stravinsky für seine Reihe von Stilen kritisiert worden ist, hatten Gelehrte "allmählich begonnen, Vereinheitlichen-Elemente in der Musik von Stravinsky" vor den 1980er Jahren wahrzunehmen. Frühere Schriftsteller, wie Aaron Copland, Elliott Carter, Boris de Schloezer und Virgil Thomson, in der Modernen Musik (eine vierteljährliche Rezension schreibend, die zwischen 1925 und 1946 veröffentlicht ist), konnten nur einen allgemeinen "'Ernst' 'des Tons' oder 'des Zwecks', 'die genaue Korrelation zwischen der Absicht und den Mitteln', oder eine trockene 'einer Ameise ähnliche Ordentlichkeit" finden.

Von der Mitte der 1960er Jahre vorwärts hat die Musik von Stravinsky die Arbeit von Musikern wie Steve Reich und Philip Glass beeinflusst.

Er wurde 1982 durch den USA-Postdienst mit einer Großen amerikanischen Reihe-Briefmarke von 2 ¢ geehrt.

Preise

• 1959: Léonie Sonning Musik-Preis
• Grammy erkennt zu
• 1962: Am besten Klassische Zusammensetzung durch den Zeitgenössischen Komponisten (Die Überschwemmung)
• 1962: Am besten Klassische Leistung - Orchester (Der Baltimore-Trupial, Igor Stravinsky, der Sinfonieorchester von Columbia führt)
• 1962: Am besten Klassische Leistung - Instrumentaler Solist (mit dem Orchester) (Geige-Konzert in D, Isaac Stern; Igor Stravinsky, der Sinfonieorchester von Columbia führt)
• 1987: Lebenszu-Stande-Bringen (postumer)

Aufnahmen und Veröffentlichungen

Igor Stravinsky hat Aufnahmen ein praktisches und nützliches Werkzeug in der Bewahrung seiner Gedanken auf der Interpretation seiner Musik gefunden. Als ein Leiter seiner eigenen Musik hat er in erster Linie für Aufzeichnungen von Columbia registriert, 1928 mit einer Leistung des ursprünglichen Gefolges vom Baltimore-Trupial beginnend und 1967 mit dem 1945-Gefolge von demselben Ballett aufhörend. Gegen Ende der 1940er Jahre hat er mehrere Aufnahmen für den RCA Sieger am Republik-Studio in Los Angeles gemacht. Obwohl die meisten seiner Aufnahmen mit Studio-Musikern gemacht wurden, hat er auch mit dem Chikagoer Sinfonieorchester, dem Clevelander Orchester, dem CBC Sinfonieorchester, dem New Yorker Philharmonie-Orchester, dem Königlichen Philharmonischen Orchester und dem bayerischen Sendesinfonieorchester gearbeitet.

Während seiner Lebenszeit ist Stravinsky auf mehreren Fernsehsendungen einschließlich der 1962-Weltpremiere Der Überschwemmung im CBS Fernsehen erschienen. Obwohl er ein Äußeres gemacht hat, wurde die wirkliche Leistung von Robert Craft geführt. Zahlreiche Filme und Videos des Komponisten sind bewahrt worden.

Stravinsky hat mehrere Bücher während seiner Karriere, fast immer mithilfe von (manchmal unkreditiert) Mitarbeiter veröffentlicht. In seiner 1936-Autobiografie haben Chroniken Meines Lebens, das mit der Hilfe von Walter Nouvel, Stravinsky geschrieben wurde, seine wohl bekannte Behauptung eingeschlossen, dass "Musik, durch seine wirkliche Natur, im Wesentlichen kraftlos ist, irgendetwas überhaupt auszudrücken". Mit Alexis Roland-Manuel und Pierre Souvtchinsky hat er seiner 1939-40 Universität von Harvard Vorträge von Charles Eliot Norton geschrieben, die in Französisch geliefert wurden und sich zuerst laut des Titels 1942 versammelt haben und dann 1947 als Poetik der Musik übersetzt haben. 1959 wurden mehrere Interviews zwischen dem Komponisten und Robert Craft als Gespräche mit Igor Stravinsky veröffentlicht, dem von weiter fünf Volumina im Laufe des folgenden Jahrzehnts gefolgt wurde.

Bibliografie

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• Joseph, Charles M 2002. Stravinsky und Balanchine, Eine Reise der Erfindung. Neuer Hafen und London: Yale Universität Presse. Internationale Standardbuchnummer 0-300-08712-8.
• Kohl, Jerome. 1979-80. "Ausstellung in den Orchesterschwankungen von Stravinsky". Perspektiven der Neuen Musik 18, Nr. 1 und 2 (Fall-Winter/Spring Sommer): 391-405. (Abonnement-Zugang).
• Kundera, Mailand 1995. Verratene Testamente: Ein Aufsatz in Neun Teilen, die von Linda Asher übersetzt sind. New York: HarperCollins. Internationale Standardbuchnummer 0-06-017145-6.
• Kuster, Andrew T. 2005. Die Topologie von Stravinsky. D.M.A. Doktorarbeit, Universität Colorados am Felsblock. Morrisville, North Carolina: Lulu.com. Internationale Standardbuchnummer 1-4116-6458-2.
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• van den Toorn, Pieter C. 1987. Stravinsky und der Ritus des Frühlings

Außenverbindungen

• Igor Stravinsky Boosey & Hawkes
• Die Fundament-Website von Stravinsky
• NY Zeittodesanzeige durch Donal Henahan, am 7. April 1971 (Abonnement, das erforderlich ist, Artikel anzusehen)

,

• 'Zusammensetzungen für das Pianola - Igor Stravinsky', an der Pianola-Institutwebsite
• Eine Aufrührerische Premiere, eine interaktive Website über Den Ritus des Frühlings von der bleibenden Kerbe-Reihe durch die San Francisco Symphonie
• Stravinsky A zu Z, ein BBC-Radio 3 Bezugsseite, die Verbindungen zur Information über Stravinsky enthält
• Eine Audioaufnahme, die von William Malloch von Stravinsky gemacht ist, der seine Symphonien von Blasinstrumenten im Gedächtnis von Debussy (1947 probt, zuerst Sendung 1961 registrierend)

,

• Eine Archiv-Aufnahme eines Rundfunkprogramms durch William Malloch, der eine Diskussion dessen einschließt, wie sich Einstellungen zur Musik von Stravinsky im Laufe der Jahre geändert haben. Eingeschlossen sind excepts von Der Baltimore-Trupial, Petrouchka und Der Ritus des Frühlings, der von den 1930er Jahren bis zu den 1950er Jahren durch eine Vielfalt von Leitern einschließlich des Komponisten selbst registriert ist.
• Exzerpte von gesunden Archiven der Arbeiten von Stravinsky vom Zeitgenössischen Musik-Portal
• Juden und Genies Auf Stravinsky, der ein Jude oder nicht und über seinen Antisemitismus ist. Siehe auch eine andere Antwort und die ursprüngliche Mediarezension von Robert Craft.