Elektronische Musik ist Musik, die elektronische Musikinstrumente und elektronische Musik-Technologie in seiner Produktion verwendet. Im Allgemeinen kann eine Unterscheidung zwischen dem erzeugten Ton mit elektromechanischen Mitteln gemacht werden, und das hat verwendende elektronische Technologie erzeugt. Beispiele von elektromechanischen gesunden Produzieren-Geräten schließen den telharmonium, das Organ von Hammond und die elektrische Gitarre ein. Rein elektronische gesunde Produktion kann mit Geräten wie Theremin, gesunder Synthesizer und Computer erreicht werden.

Elektronische Musik wurde einmal fast exklusiv mit der Westkunstmusik vereinigt, aber vom Ende der 1960er Jahre auf der Verfügbarkeit der erschwinglichen Musik-Technologie hat bedeutet, dass Musik das erzeugte Verwenden elektronischer Mittel zunehmend im populären Gebiet üblich geworden ist. Heute schließt elektronische Musik viele Varianten und Reihen von der experimentellen Kunstmusik bis populäre Formen wie elektronische Tanzmusik ein.

Ursprünge: gegen Ende des 19. Jahrhunderts zum Anfang des 20. Jahrhunderts

Die Fähigkeit, Töne zu registrieren, wird häufig mit der Produktion der elektronischen Musik verbunden, aber dafür nicht absolut notwendig. Das frühste bekannte gesunde Aufnahme-Gerät war der phonautograph, patentiert 1857 von Édouard-Léon Scott de Martinville. Es konnte Töne visuell registrieren, aber ist nicht gemeint geworden, um sie abzuspielen.

1878 hat Thomas A. Edison den Plattenspieler patentiert, der dem Gerät von Scott ähnliche Zylinder verwendet hat. Obwohl Zylinder im Gebrauch für einige Zeit weitergegangen haben, hat Emile Berliner den Scheibe-Plattenspieler 1887 entwickelt.

Eine bedeutende Erfindung, die später eine tiefe Wirkung auf die elektronische Musik haben sollte, war das Triode-Audion von Lee DeForest. Das war die erste thermionische Klappe oder Vakuumtube, erfunden 1906, der zur Generation und Erweiterung von elektrischen Signalen, Radiorundfunkübertragung und elektronischen Berechnung unter anderen Dingen geführt hat.

Vor der elektronischen Musik gab es einen wachsenden Wunsch nach Komponisten, erscheinende Technologien zu Musikzwecken zu verwenden. Mehrere Instrumente wurden geschaffen, dass angestellte elektromechanische Designs und sie für das spätere Erscheinen von elektronischen Instrumenten den Weg geebnet haben. Ein elektromechanisches Instrument hat Telharmonium genannt (manchmal Teleharmonium, oder Dynamophone) wurde von Thaddeus Cahill in den Jahren 1898-1912 entwickelt. Jedoch hat einfache Unannehmlichkeit die Adoption von Telharmonium wegen seiner riesigen Größe gehindert. Eines des frühen elektronischen häufig erwähnten Instrumentes kann Theremin sein, der von Professor Léon Theremin um 1919-1920 erfunden ist. Andere frühe elektronische Instrumente schließen das Audion-Klavier erfunden 1915 von Lee De Forest ein, der Erfinder des Triode-Audions wie oben erwähnt, Croix Sonore, erfunden 1926 von Nikolai Obukhov und Ondes Martenot war, der im Turangalîla-Symphonie von Olivier Messiaen sowie den anderen Arbeiten von ihm am berühmtesten verwendet wurde. Der Ondes Martenot wurde auch durch anderen, in erster Linie Franzosen, Komponisten wie Andre Jolivet verwendet.

Skizze einer neuen ästhetischen von der Musik

1907, gerade ein Jahr nach der Erfindung des Triode-Audions, hat Ferruccio Busoni Skizze einer Neuen Ästhetischen von der Musik veröffentlicht, die den Gebrauch von elektrischen und anderen neuen gesunden Quellen in der zukünftigen Musik besprochen hat. Er hat über die Zukunft von Mikrotonleitern in der Musik, gemacht möglich durch den Dynamophone von Cahill geschrieben: "Nur eine lange und sorgfältige Reihe von Experimenten und eine fortlaufende Ausbildung des Ohrs, können dieses fremde Material zugänglich und Plastik für die kommende Generation, und für die Kunst machen."

Auch in der Skizze einer Neuen Ästhetischen von der Musik setzt Busoni fest:

Durch dieses Schreiben, sowie persönlichen Kontakt hatte Busoni eine tiefe Wirkung auf viele Musiker und Komponisten, vielleicht am meisten namentlich auf seinem Schüler, Edgard Varèse, der gesagt hat:

Futuristen

In Italien haben sich die Futuristen dem sich ändernden von einem verschiedenen Winkel ästhetischen Musical genähert. Ein Hauptstoß der futuristischen Philosophie sollte "Geräusch" schätzen, und künstlerischen und ausdrucksvollen Wert auf Tönen zu legen, die vorher sogar entfernt musikalisch nicht betrachtet worden waren. Das "technische Manifest von Balilla Pratella der futuristischen Musik" (1911) Staaten, dass ihr Kredo ist: "Um die Musikseele der Massen, der großen Fabriken, der Eisenbahnen, der transatlantischen Überseedampfer, der Kriegsschiffe, der Automobile und Flugzeuge zu präsentieren. Zu den großen Hauptthemen des Musikgedichtes das Gebiet der Maschine und das siegreiche Königreich der Elektrizität hinzuzufügen."

Am 11. März 1913 hat Futurist Luigi Russolo sein Manifest "Die Kunst von Geräuschen" veröffentlicht. 1914 hat er das erste Konzert "der Kunst Geräusche" in Mailand am 21. April gehalten. Das hat seinen Intonarumori verwendet, der von Russolo als "akustische Geräuschinstrumente beschrieben ist, deren Töne (Heulen, Gebrüll, Schlurfen, Gluckern, usw.) handaktiviert und durch Hörner und Sprachrohre geplant wurden."

Im Juni wurden ähnliche Konzerte in Paris gehalten.

Die 1920er Jahre zu den 1930er Jahren

Dieses Jahrzehnt hat einen Reichtum von frühen elektronischen Instrumenten und den ersten Zusammensetzungen für elektronische Instrumente gebracht. Das erste Instrument, Etherophone, wurde von Léon Theremin (geborener Lev Termen) zwischen 1919 und 1920 in Leningrad geschaffen, obwohl es schließlich der Theremin umbenannt wurde. Das hat zu den ersten Zusammensetzungen für elektronische Instrumente im Vergleich mit noisemakers geführt und hat Maschinen wiederbeabsichtigt. 1929 hat Joseph Schillinger das Erste Airphonic Gefolge für Theremin und Orchester, premièred mit dem Clevelander Orchester mit Leon Theremin als Solist zusammengesetzt.

Zusätzlich zu Theremin wurde der Ondes Martenot 1928 von Maurice Martenot erfunden, der er in Paris debütiert hat.

Im nächsten Jahr hat Antheil zuerst für mechanische Geräte, elektrischen noisemakers, Motoren und Verstärker in seiner unfertigen Oper, Herrn Bloom gedichtet.

Die Aufnahme von Tönen hat einen Sprung 1927 gemacht, als amerikanischer Erfinder J. A. O'Neill ein Aufnahme-Gerät entwickelt hat, das magnetisch angestrichenes Zierband verwendet hat. Jedoch war das ein kommerzieller Misserfolg. Zwei Jahre später hat Laurens Hammond seine Gesellschaft für die Fertigung von elektronischen Instrumenten eingesetzt. Er hat fortgesetzt, das Organ von Hammond zu erzeugen, das auf den Grundsätzen von Telharmonium zusammen mit anderen Entwicklungen einschließlich früher Widerhall-Einheiten basiert hat. Hammond (zusammen mit John Hanert und C. N. Williams) würde auch fortsetzen, ein anderes elektronisches Instrument, Novachord zu erfinden, den die Gesellschaft von Hammond von 1939-1942 verfertigt hat.

Die Methode der in der Kinematographie verwendeten Photosehton-Aufnahme hat es möglich gemacht, ein sichtbares Image einer Schallwelle zu erhalten, sowie das entgegengesetzte Absicht-Synthetisieren ein Ton von einer künstlich gezogenen Schallwelle zu begreifen.

In dieser derselben Periode haben Experimente mit gesunden frühen Kunstpraktikern begonnen, von denen Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Filippo Tommaso Marinetti und andere einschließen.

Entwicklung: Die 1940er Jahre zu den 1950er Jahren

Electroacoustic binden Musik

Niedrige Treue, die magnetische Leitungsrecorder im Gebrauch ungefähr seit 1900 und am Anfang der 1930er Jahre die Filmindustrie gewesen waren, hat begonnen, sich zu den neuen optischen auf der Fotozelle gestützten Aufnahme-Systemen des Tons auf dem Film umzuwandeln. Es war um diese Zeit, dass die deutsche Elektronik-Gesellschaft AEG hat das erste praktische Audiotonbandgerät, "Magnetophon" k-1 entwickelt, der auf der Berliner Radioshow im August 1935 entschleiert wurde.

Während des Zweiten Weltkriegs hat Walter Weber wieder entdeckt und hat den AC das Beeinflussen der Technik angewandt, die drastisch die Treue der magnetischen Aufnahme durch das Hinzufügen eines unhörbaren Hochfrequenztons verbessert hat. Es hat 'die K4' Magnetophone 1941-Frequenzkurve zu 10 Kilohertz erweitert und hat die dynamische Reihe bis zu 60 DB verbessert, alle bekannten Aufnahme-Systeme damals übertreffend.

Schon in 1942 AEG machte Testaufnahmen im Stereo. Jedoch sind diese Geräte und Techniken ein Geheimnis außerhalb Deutschlands bis zum Ende von WWII geblieben, als gewonnene Recorder von Magnetophon und Haspeln von Eisenoxyd von Farben, das Band registriert, in die Vereinigten Staaten von Jack Mullin und anderen zurückgebracht wurden. Diese gewonnenen Recorder und Bänder waren die Basis für die Entwicklung von Amerikas erstem gewerblich gemachtem Berufstonbandgerät, dem Modell 200, das von der amerikanischen Ampex Gesellschaft mit der Unterstützung vom Unterhaltungskünstler Bing Crosby verfertigt ist, der einer der ersten Darsteller geworden ist, um Radiosendungen und Studio-Master-Aufnahmen auf dem Band zu registrieren.

Magnetisches Audioband hat eine riesengroße neue Reihe von Schallmöglichkeiten Musikern, Komponisten, Erzeugern und Ingenieuren geöffnet. Audioband war relativ preiswert und sehr zuverlässig, und seine Treue der Fortpflanzung war besser als jedes Audiomedium bis heute. Am wichtigsten, verschieden von Scheiben, hat es dieselbe Knetbarkeit des Gebrauches als Film angeboten. Band kann verlangsamt, beschleunigt oder sogar umgekehrt während der Aufnahme oder des Play-Backs mit häufig der erschreckenden Wirkung geführt werden. Es kann auf die ziemlich gleiche Weise als Film physisch editiert werden, unerwünschte Abteilungen einer Aufnahme berücksichtigend, die nahtlos zu entfernen oder zu ersetzen ist; ebenfalls können Segmente des Bandes von anderen Quellen darin editiert werden. Band kann auch angeschlossen werden, um endlose Schleifen zu bilden, die ständig wiederholte Muster des bespielten Materials spielen. Audioerweiterung und sich vermischende Ausrüstung haben weiter die Fähigkeiten des Bandes als ein Produktionsmedium ausgebreitet, vielfachen vorgebundenen Aufnahmen (und/oder lebende Töne, Rede oder Musik) erlaubend, zusammen und gleichzeitig gemischt, auf ein anderes Band mit relativ wenig Verlust der Treue registriert zu werden. Ein anderer ungeahnter Glückstreffer war, dass Tonbandgeräte relativ leicht modifiziert werden können, um Echo-Maschinen zu werden, die kompliziertes, kontrollierbares, hochwertiges Echo und Widerhall-Effekten erzeugen (von denen die meisten praktisch unmöglich sein würden, durch mechanische Mittel zu erreichen).

Die Ausbreitung von Tonbandgeräten hat schließlich zur Entwicklung der Electroacoustic-Band-Musik geführt. Das erste bekannte Beispiel wurde 1944 von Halim El-Dabh, einem Studenten an Kairo, Ägypten zusammengesetzt. Er hat die Töne einer alten zaar Zeremonie mit einem beschwerlichen Leitungsrecorder registriert, und am Nahostradiostudio hat den materiellen Verwenden-Widerhall, das Echo, die Stromspannungssteuerungen und die Wiederaufnahme bearbeitet. Die resultierende Arbeit wurde Der Ausdruck von Zaar betitelt, und es wurde 1944 an einem Kunstgalerie-Ereignis in Kairo präsentiert. Während seine anfänglichen Experimente in der gestützten Zusammensetzung des Bandes außerhalb Ägyptens zurzeit nicht weit bekannt waren, ist El-Dabh auch für seine spätere Arbeit in der elektronischen Musik am Columbia-Princeton Elektronisches Musik-Zentrum gegen Ende der 1950er Jahre bemerkenswert.

Musique concrète

Es war nicht, lange bevor Komponisten in Paris auch begonnen haben, das Tonbandgerät zu verwenden, um eine neue Technik für die Zusammensetzung genannt Musique concrète zu entwickeln. Diese Technik ist mit dem Redigieren verbunden gewesen zusammen hat Bruchstücke von natürlichen und industriellen Tönen registriert. Die ersten Stücke von musique concrète in Paris wurden von Pierre Schaeffer gesammelt, der fortgesetzt hat, mit Pierre Henry zusammenzuarbeiten.

Am 5. Oktober 1948 übertragen Radiodiffusion Française (RDF) den Etude aux chemins de fer des Komponisten Pierre Schaeffer. Das war die erste "Bewegung" von Cinq études de bruits, und hat den Anfang von Studio-Verwirklichungen und musique concrète (oder acousmatic Kunst) gekennzeichnet. Schaeffer hat eine plattenschneidende Drehbank, vier Plattenteller, einen Vier-Kanäle-Mixer, Filter, einen Hallraum und eine bewegliche Aufnahme-Einheit verwendet. Nicht lange danach hat Henry begonnen, mit Schaeffer, eine Partnerschaft zusammenzuarbeiten, die tiefe und anhaltende Effekten auf die Richtung der elektronischen Musik haben würde. Ein anderer Partner von Schaeffer, Edgard Varèse, hat Arbeit an Déserts, eine Arbeit für das Kammerorchester und Band begonnen. Die Band-Teile wurden am Studio von Pierre Schaeffer geschaffen, und wurden später an der Universität von Columbia revidiert.

1950 hat Schaeffer das erste Publikum (Nichtsendung) Konzert von musique concrète am Ecole Normale de Musique de Paris gegeben. "Schaeffer hat ein PAPA-System, mehrere Plattenteller und Mixer verwendet. Die Leistung ist nicht gut gegangen, weil, lebende Montagen mit Plattentellern schaffend, vorher nie getan worden war." Später, dass dasselbe Jahr Pierre Henry mit Schaeffer an Symphonie pour un homme seul (1950) die erste Hauptarbeit des musique Betons zusammengearbeitet hat. In Paris 1951 darin, was eine wichtige Welttendenz werden sollte, hat Volltextformat das erste Studio für die Produktion der elektronischen Musik gegründet. Auch 1951 haben Schaeffer und Henry eine Oper, Orpheus, für konkrete Töne und Stimmen erzeugt.

Elektronische Musik

Karlheinz Stockhausen hat kurz im Studio von Schaeffer 1952, und später viele Jahre lang am Studio des WDR Kölns für die Elektronische Musik gearbeitet.

In Köln, was das berühmteste elektronische Musik-Studio in der Welt werden würde, wurde am Radiostudio des NWDR 1953 offiziell geöffnet, obwohl es in den Planungsstufen schon in 1950 gewesen war und frühe Zusammensetzungen gemacht wurden und 1951 gesandt haben. Das Gehirnkind von Werner Meyer-Eppler, Robert Beyer und Herbert Eimert (wer sein erster Direktor geworden ist), das Studio wurde bald von Karlheinz Stockhausen und Gottfried Michael Koenig angeschlossen. In seiner 1949-These Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache, Meyer-Eppler hat sich die Idee vorgestellt, Musik völlig von elektronisch erzeugten Signalen zu synthetisieren; auf diese Weise, elektronische Musik wurde von französischem musique concrète scharf unterschieden, der von akustischen Quellen registrierte Töne verwendet hat.

Mit Stockhausen und Mauricio Kagel im Wohnsitz ist es ein ganzjähriger Bienenstock von charismatischem avante-gardism [sic]" bei zwei Gelegenheiten geworden, die elektronisch erzeugte Töne mit relativ herkömmlichen Orchestern - in Mixtur (1964) und Hymnen, dritte Gebiet mit Orchester (1967) verbinden. Stockhausen hat festgestellt, dass seine Zuhörer ihm gesagt hatten, dass seine elektronische Musik ihnen eine Erfahrung des "Weltraumes," Sensationen des Fliegens gegeben hat, oder in einem "fantastischen Traumland" zu sein

Mehr kürzlich hat sich Stockhausen dem Produzieren elektronischer Musik in seinem eigenen Studio in Kürten, seiner letzten Arbeit im Genre zugewandt, das Kosmische Pulse (2007) ist.

Japanische elektronische Musik

Während früh elektrische Instrumente wie Ondes Martenot, Theremin und Trautonium wenig in Japan vor dem Zweiten Weltkrieg bekannt waren, hatten bestimmte Komponisten wie Minao Shibata über sie zurzeit gewusst. Mehrere Jahre nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs haben Musiker in Japan begonnen, mit der elektronischen Musik zu experimentieren, auf einige der am meisten hingebungsvollen Anstrengungen wegen Institutionsunterstützungsermöglichen-Komponisten hinauslaufend, um mit der letzten Audioaufnahme und Verarbeitungsanlage zu experimentieren. Diese Anstrengungen haben eine Einführung der asiatischen Musik ins erscheinende Genre vertreten und würden schließlich für Japans Überlegenheit in der Entwicklung der Musik-Technologie mehrere Jahrzehnte später den Weg ebnen.

Im Anschluss an das Fundament der Elektronik-Gesellschaft Sony (hat dann Tokio Tsushin Kogyo K.K genannt.) 1946 haben zwei japanische Komponisten, Toru Takemitsu und Minao Shibata, unabhängig über den möglichen Gebrauch der elektronischen Technologie geschrieben, um Musik während des Endes der 1940er Jahre zu erzeugen. 1948 hat Takemitsu eine Technologie empfangen, die Geräusch in gehärtete Musiktöne innerhalb einer beschäftigten kleinen Tube "bringen würde," eine Idee, die dem musique von Pierre Schaeffer concrète dasselbe Jahr ähnlich ist, das Takemitsu bis mehrere Jahre später nicht gewusst hat. 1949 hat Shibata über sein Konzept "eines Musikinstruments mit der Höchstleistung" geschrieben, die jede Art von Schallwellen "synthetisieren kann" und sehr leicht "bedient wird," voraussagend, dass mit solch einem Instrument, "wird die Musik-Szene drastisch geändert." Dasselbe Jahr hat Sony den magnetischen Tonbandgerät-G-Typ entwickelt, der ein populäres Aufnahme-Gerät für den Gebrauch in Gerichtssälen und Regierungsbüros geworden ist, zu Sony führend, die den H-Typ für den Hausgebrauch vor 1951 veröffentlicht.

1950, Jikken Kobo (Experimentelle Werkstatt) elektronisches Musik-Studio würde von einer Gruppe von Musikern gegründet, um das experimentelle elektronische Musik-Verwenden Tonbandgeräte von Sony zu erzeugen. Es hat Musiker wie Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama und Joji Yuasa eingeschlossen, und wurde von Sony unterstützt, die ihnen Zugang zur letzten Audiotechnologie angeboten hat, hat Takemitsu angestellt, um elektronische Band-Musik zusammenzusetzen, um ihre Tonbandgeräte und gesponserte Konzerte zu demonstrieren. Die erste elektronische Band-Musik von der Gruppe war "Toraware kein Onna" ("Eingesperrte Frau") und "Stück B", vollendet 1951 von Kuniharu Akiyama. Viele der Electroacoustic-Band-Stücke, die sie erzeugt haben, wurden gewöhnlich als beiläufige Musik für das Radio, Film und Theater verwendet. Sie haben auch Konzerte wie die Experimentelle Werkstatt von 1953, 5. Ausstellung gehalten, die ein 'Autogleiten', eine Maschine verwendet hat, die von Sony entwickelt ist, die es möglich gemacht hat, eine Diashow mit einem auf dem Band registrierten Soundtrack zu synchronisieren; sie haben dasselbe Gerät verwendet, um die Band-Musik des Konzerts am Studio von Sony zu erzeugen. Das Konzert, zusammen mit der experimentellen Electroacoustic-Band-Musik, die sie erzeugt haben, hat die Einführung von musique concrète in Japan später in diesem Jahr vorausgesehen. Außer Jikken Kobo experimentierten mehrere andere Komponisten wie Yasushi Akutagawa, Saburo Tominaga und Shiro Fukai auch mit dem Produzieren radiophonic Band-Musik zwischen 1952 und 1953.

Japan wurde in musique concrète durch Toshiro Mayuzumi eingeführt, der 1952 einem Konzert von Schaeffer in Paris beigewohnt hat. Auf seiner Rückkehr nach Japan hat er mit einem kurzen Band-Musik-Stück für den 1952-Komödie-Film Carmen Jyunjyosu (Carmen Mit dem Reinen Herzen) experimentiert und hat dann "X, Y, Z für Musique Concrète" erzeugt, der von der JOQR Radiostation 1953 übertragen wurde. Mayuzumi hat auch einen anderen musique concrète Stück für das 1954-Radiodrama-Boxen von Yukio Mishima zusammengesetzt. Das französische Konzept von Schaeffer von objet sonore (gesunder Gegenstand) war jedoch unter japanischen Komponisten nicht einflussreich, deren Hauptinteresse an der Musik-Technologie stattdessen zu gemäß Mayuzumi war, überwinden Sie die Beschränkungen "der Materialien oder die Grenze der menschlichen Leistung." Das hat zu mehreren japanischen electroacoustic Musikern geführt, die von serialism und Zwölftontechniken Gebrauch machen, offensichtlich 1951 von Yoshiro Irino dodecaphonic Stück "Konzert da

Kamera", in der Organisation von elektronischen Tönen in den "X von Mayuzumi, Y, Z für Musique Concrète", und später in der elektronischen Musik von Shibata vor 1956.

Im Anschluss an die Leitung des Kölner 1953 gegründeten Studios hat Japans Gesellschaft des Nippon Hoso Kyokai eine der elektronischen Hauptmusik-Möglichkeiten in der Welt in Tokio, dem Studio des Nippon Hoso Kyokai gegründet, 1954 es mit Technologien wie Ton erzeugende und Audioverarbeitungsanlage ausstattend, registrierend, und radiophonic Ausrüstung, Ondes Martenot, Monochord und Melochord, Sinus-Welle-Oszillatoren, Tonbandgeräte, Ringmodulatoren, Bandfilter und vier & acht Kanalmixer. Musiker haben mit dem Studio eingeschlossen Toshiro Mayuzumi, Minao Shibata, Joji Yuasa, Toshi Ichiyanagi und Toru Takemitsu verkehrt. Die ersten elektronischen Zusammensetzungen des Studios waren 1955, einschließlich der 5-minutigen Stücke von Mayuzumi "Studie I abgeschlossen: Die Musik für die Sinus-Welle durch das Verhältnis der Primzahl" "Hat die Musik für die Abgestimmte Welle durch das Verhältnis der Primzahl" und "Erfindung für die Quadratwelle und Sägezahnwelle" das Verwenden der verschiedenen Ton erzeugenden Fähigkeiten des Studios und des 20-minutigen Stereostückes von Shibata "Musique Concrète für die Stereofonsendung" erzeugt.

Ikutaro Kakehashi hat eine Autowerkstatt genannt das Bewachungsgeschäft von Kakehashi gegen Ende der 1940er Jahre gegründet, Bewachungen und Radios reparierend, und dann 1954 hat Kakehashi Musen gegründet ("Radio von Kakehashi"), der schließlich in den Firmenass-Ton vor 1960 und später Roland Corporation vor 1972 hineingewachsen ist. Kakehashi hat begonnen, elektronische Musikinstrumente seit 1955 mit dem Ziel zu erzeugen, zu schaffen, die dazu fähig sind, monoakustische Melodien zu erzeugen. Während des Endes der 1950er Jahre hat er theramins, Ondes Martenots, und elektronische Tastaturen, und vor 1959, ein hawaiischer Gitarrenverstärker und elektronische Organe erzeugt.

Amerikanische elektronische Musik

In den Vereinigten Staaten wurden Töne elektronisch geschaffen und in der Zusammensetzung, wie veranschaulicht, in einem Stück von Morton Feldman genannt die Randkreuzung verwendet. Dieses Stück wird für Winde, Messing, Schlagzeug, Schnuren, 2 Oszillatoren und Geräuscheffekte des Befestigens eingekerbt, und die Kerbe verwendet die Graph-Notation von Feldman.

Die Musik für das Magnetische Band-Projekt wurde von Mitgliedern der New Yorker Schule (John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor und Morton Feldman) gebildet, und hat drei Jahre bis 1954 gedauert. Käfig hat über diese Kollaboration geschrieben: "In dieser sozialen Dunkelheit, deshalb, setzt die Arbeit von Earle Brown, Morton Feldman und Christian Wolff fort, ein hervorragendes Licht zu präsentieren, da an den mehreren Punkten der Notation, der Leistung und des Hörvermögens, Handlung herausfordernd ist.

Käfig hat Mischung von Williams 1953 vollendet, während er mit der Musik für das Magnetische Band-Projekt gearbeitet hat. Die Gruppe hatte keine dauerhafte Möglichkeit, und musste sich auf die geliehene Zeit mit dem kommerziellen gesunden Studio, einschließlich des Studios von Louis und Bebe Barron verlassen.

Zentrum des Columbias-Princeton

In demselben Jahr hat Universität von Columbia seinen ersten Fachmann des Tonbandgeräts-a Maschine von Ampex - zum Zweck gekauft, Konzerte zu registrieren. Vladimir Ussachevsky, der auf der Musik-Fakultät der Universität von Columbia war, wurde verantwortlich für das Gerät gelegt, und hat fast sofort begonnen, damit zu experimentieren.

Herbert Russcol schreibt: "Bald wurde er mit den neuen Klängen gefesselt, die er erreichen konnte, indem er Musikinstrumente registriert hat und sie dann einander superauferlegt hat." Ussachevsky hat später gesagt: "Ich habe plötzlich begriffen, dass das Tonbandgerät als ein Instrument der gesunden Transformation behandelt werden konnte." Am Donnerstag, dem 8. Mai 1952 hat Ussachevsky mehrere Demonstrationen der Band-Musik/Effekten präsentiert, dass er auf seinem Komponist-Forum im Theater von McMillin an der Universität von Columbia geschaffen hat. Diese haben Umstellung, Widerhall, Experiment, Zusammensetzung und Unterwasservalse eingeschlossen. In einem Interview hat er festgesetzt: "Ich habe einige Beispiele meiner Entdeckung in einem öffentlichen Konzert in New York zusammen mit anderen Zusammensetzungen präsentiert, die ich für herkömmliche Instrumente geschrieben hatte."

Otto Luening, der diesem Konzert beigewohnt hatte, hat sich geäußert: "Die Ausrüstung zu seiner Verfügung hat aus einem Tonbandgerät von Ampex bestanden... und ein einfaches einem Kasten ähnliches Gerät, das vom hervorragenden jungen Ingenieur, Peter Mauzey entworfen ist, um Feed-Back, eine Form des mechanischen Widerhalls zu schaffen. Andere Ausrüstung wurde geliehen oder mit dem persönlichen Kapital gekauft."

Gerade drei Monate später, im August 1952, ist Ussachevsky zu Bennington, Vermont an der Einladung von Luening gereist, seine Experimente zu präsentieren. Dort haben die zwei an verschiedenen Stücken zusammengearbeitet. Luening hat das Ereignis beschrieben: "Ausgestattet mit Ohrhörern und einer Flöte habe ich begonnen, meine erste Tonbandgerät-Zusammensetzung zu entwickeln. Wir beide waren fließender improvisors, und das Medium hat unsere Einbildungskräfte angezündet."

Sie haben einige frühe Stücke informell an einer Partei gespielt, wo "mehrere Komponisten uns fast ernst Ausspruch gratuliert haben, 'Das er' ('er' ist, die Musik der Zukunft bedeutend)."

Wort hat schnell New York City erreicht. Oliver Daniel hat angerufen und hat das Paar eingeladen, eine Gruppe von kurzen Zusammensetzungen für das Konzert im Oktober "zu erzeugen, das von American Composers Alliance and Broadcast Music, Inc. unter der Richtung von Leopold Stokowski am Museum der Modernen Kunst in New York gesponsert ist. Nach etwas Zögern haben wir zugestimmt.... Henry Cowell hat sein Haus und Studio in Woodstock, New York zu unserer Verfügung gelegt. Mit der geliehenen Ausrüstung hinter dem Auto von Ussachevsky haben wir Bennington für Woodstock verlassen und sind zwei Wochen geblieben.... Gegen Ende September 1952 hat das Reisen-Laboratorium das Wohnzimmer von Ussachevsky in New York erreicht, wo wir schließlich die Zusammensetzungen vollendet haben."

Zwei Monate später, am 28. Oktober, haben Vladimir Ussachevsky und Otto Luening das erste Band-Musik-Konzert in den Vereinigten Staaten präsentiert. Das Konzert hat die Fantasie von Luening in den Raum (1952) - "ein impressionistisches Virtuose-Stück" das Verwenden von manipulierten Aufnahmen der Flöte - und die Niedrige Geschwindigkeit (1952), eine "exotische Zusammensetzung eingeschlossen, die die Flöte weit unter seiner natürlichen Reihe genommen hat." Beide Stücke wurden am Haus von Henry Cowell in Woodstock, New York geschaffen. Nachdem mehrere Konzerte eine Sensation in New York City verursacht haben, wurden Ussachevsky und Luening auf eine lebende Sendung von NBC'S Heute Show eingeladen, um eine Interview-Demonstration zu tun - das erste hat electroacoustic Leistung im Fernsehen übertragen. Luening hat das Ereignis beschrieben: "Ich habe einen [Flöte] Folgen für das Tonbandgerät improvisiert. Ussachevsky hat sie sofort durch elektronische Transformationen gestellt."

1954 hat das Advent dessen gesehen, was jetzt authentisch elektrisch plus die akustische mit den Zusammensetzungen akustische Instrumentierung betrachtet würde, hat sich durch Aufnahmen des manipulierten und/oder elektronisch erzeugten Tons vermehrt/begleitet. Drei Hauptarbeiten waren premiered in diesem Jahr: Der Déserts von Varèse, für das Raum-Ensemble und die Band-Töne und die zwei Arbeiten von Luening und Ussachevsky: Rhapsodische Schwankungen für die Louisville Symphonie und Ein Gedicht in Zyklen und Glocken, sowohl für das Orchester als auch für Band. Weil er am Studio von Schaeffer gearbeitet hatte, enthält der Band-Teil für die Arbeit von Varèse viel konkretere Töne als elektronisch. "Eine Gruppe hat sich Blasinstrumente, Schlagzeugs und Klavier-Stellvertreter mit den veränderten Tönen von Fabrikgeräuschen und Schiff-Sirenen und Motoren zurechtgemacht, aus zwei Lautsprechern kommend."

Déserts war premiered in Paris in der ersten Stereosendung im französischen Radio. Auf der deutschen Premiere in Hamburg, das von Bruno Maderna geführt wurde, wurden die Band-Steuerungen von Karlheinz Stockhausen bedient. Titeldéserts, der zu Varèse nicht nur angedeutet ist, "desertiert die ganze ärztliche Untersuchung (Sands, Meeres, Schnees, des Weltraumes, leerer Straßen), sondern auch die Wüsten in der Meinung des Mannes; nicht nur jene beraubten Aspekte der Natur, die Kahlheit, Zurückhaltung, Zeitlosigkeit andeuten, sondern auch dass entfernter innerer Raum kein Fernrohr reichen kann, wo Mann, eine Welt des Mysteriums und der wesentlichen Einsamkeit allein ist."

1958 hat Columbia-Princeton den RCA Gesunden II-Zeichen-Synthesizer, den ersten programmierbaren Synthesizer entwickelt. Prominente Komponisten wie Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt, Charles Wuorinen, Halim El-Dabh, Bülent Arel und Mario Davidovsky haben den RCA Synthesizer umfassend in verschiedenen Zusammensetzungen verwendet. Einer der einflussreichsten mit den frühen Jahren des Studios vereinigten Komponisten war Ägyptens Halim El-Dabh, der, die frühste bekannte elektronische Band-Musik 1944 entwickelt, berühmter wegen Leiyla und des Dichters, 1959 Reihen von elektronischen Zusammensetzungen geworden ist, die für seine Immersion und nahtlose Fusion von elektronischen und Volksmusik im Gegensatz zur mathematischeren Annäherung hervorgetreten sind, die von Serienkomponisten wie Babbitt zurzeit verwendet ist. Der Leiyla von El-Dabh und der Dichter, befreit als ein Teil des Album-Columbias-Princeton Elektronisches Musik-Zentrum 1961, würden als ein starker Einfluss von mehreren Musikern, im Intervall von Neil Rolnick, Charles Amirkhanian und Alice Shields zitiert, um Musiker Frank Zappa und Die Westküste-Pop-Art Experimentelles Band zu schaukeln.

Stochastische Musik

Eine wichtige neue Entwicklung war das Advent von Computern zum Zweck, Musik, im Vergleich mit der Manipulierung oder dem Schaffen von Tönen zusammenzusetzen. Iannis Xenakis hat begonnen, was "musique stochastique," oder "stochastische Musik" genannt wird, die eine Methode ist zu dichten, der mathematische Wahrscheinlichkeitssysteme verwendet. Verschiedene Wahrscheinlichkeitsalgorithmen wurden verwendet, um ein Stück unter einer Reihe von Rahmen zu schaffen. Xenakis hat Graph-Papier und ein Lineal verwendet, um im Rechnen der Geschwindigkeitsschussbahnen von glissandi für seine Orchesterzusammensetzung Metastase (1953-54) zu helfen, aber hat sich später dem Gebrauch von Computern zugewandt, um Stücke wie ST/4 für das Streichquartett und ST/48 für das Orchester (beider 1962) zusammenzusetzen.

Mitte-zu-spät der 1950er Jahre

1954 hat Stockhausen seinen Elektronische Studie II-the zuerst elektronisches als eine Kerbe zu veröffentlichendes Stück zusammengesetzt. 1955 hat mehr experimentelles und elektronisches Studio begonnen zu erscheinen. Bemerkenswert waren die Entwicklung des Studio de Fonologia (bereits erwähnt), eines Studios am Nippon Hoso Kyokai in Tokio, das von Toshiro Mayuzumi und dem Studio von Phillips an Eindhoven, die Niederlande gegründet ist, die sich zur Universität Utrechts als das Institut für Sonology 1960 bewegt haben.

Die Kerbe für den Verbotenen Planeten, durch Louis und Bebe Barron, wurde mit gebauten elektronischen Stromkreisen und Tonbandgeräten der Gewohnheit 1956 völlig zusammengesetzt.

Der erste Computer in der Welt, um Musik zu spielen, war CSIRAC, der entworfen und von Trevor Pearcey und Maston Beard gebaut wurde. Mathematiker Geoff Hill hat den CSIRAC programmiert, um populäre Musikmelodien vom sehr Anfang der 1950er Jahre zu spielen. 1951 hat es öffentlich den Obersten Bogey March gespielt, dessen keine bekannten Aufnahmen bestehen. Jedoch hat CSIRAC Standardrepertoire gespielt und wurde nicht verwendet, um das Musikdenken oder die Zusammensetzungspraxis zu erweitern, die aktuelle Computermusik-Praxis ist. CSIRAC wurde nie registriert, aber die gespielte Musik wurde (Verweisung 12) genau wieder aufgebaut. Die ältesten bekannten Aufnahmen der erzeugten Musik des Computers wurden durch den 1-Zeichen-Computer von Ferranti, eine kommerzielle Version der Baby-Maschine von der Universität Manchesters im Herbst 1951 gespielt. Das Musik-Programm wurde von Christopher Strachey geschrieben.

Der Einfluss von Computern hat 1956 weitergegangen. Lejaren Hiller und Leonard Isaacson haben Iliac Gefolge für das Streichquartett, die erste ganze Arbeit der computergestützten Zusammensetzung mit der algorithmischen Zusammensetzung zusammengesetzt. "... Hiller hat verlangt, dass ein Computer die Regeln eines besonderen Stils unterrichtet und dann aufgefordert werden konnte, entsprechend." zu dichten Spätere Entwicklungen haben die Arbeit von Max Mathews an Glockenlaboratorien eingeschlossen, der die einflussreiche MUSIK entwickelt hat, die ich programmiere. 1957 wurde MUSIK, eines der ersten Computerprogramme, um elektronische Musik zu spielen, von Max Mathews an Glockenlaboratorien geschaffen. Sprachentschlüsselungsgerät-Technologie war auch eine Hauptentwicklung in diesem frühen Zeitalter. 1956 hat Stockhausen Gesang der Jünglinge, die erste Hauptarbeit des Kölner Studios zusammengesetzt, das auf einem Text aus dem Buch von Daniel gestützt ist. Eine wichtige technologische Entwicklung dieses Jahres war die Erfindung des Synthesizers von Clavivox durch Raymond Scott mit dem Subzusammenbau durch Robert Moog.

Auch 1957 hat Kind Baltan (Dick Raaymakers) und Tom Dissevelt ihr Debüt-Album, Lied Des Zweiten Monds veröffentlicht, der am Studio von Phillips registriert ist. Das Publikum ist interessiert für die neuen Töne geblieben, die um die Welt schaffen werden, wie durch die Einschließung von Poème électronique von Varèse abgeleitet werden kann, der mehr als vierhundert Lautsprecher am Pavillon von Phillips von 1958 Brüsseler Weltmesse gespielt wurde. Dass dasselbe Jahr, Mauricio Kagel, ein argentinischer Komponist, Transición II zusammengesetzt haben. Die Arbeit wurde am WDR Studio in Köln begriffen. Zwei Musiker leisten auf einem Klavier, ein auf die traditionelle Weise, das andere Spielen auf den Schnuren, dem Rahmen und dem Fall. Zwei andere Darsteller verwenden Band, um die Präsentation von lebenden Tönen mit der Zukunft von bespielten Materialien von später und seine Vergangenheit von Aufnahmen gemacht früher in der Leistung zu vereinigen.

Vergrößerung: Die 1960er Jahre

Das waren fruchtbare Jahre für die elektronische Musik nicht nur für die Akademie, aber für unabhängige Künstler weil ist Synthesizer-Technologie zugänglicher geworden. Zu diesem Zeitpunkt wurde eine starke Gemeinschaft von Komponisten und Musikern, die mit neuen Tönen und Instrumenten arbeiten, gegründet und das Wachsen. 1960 hat die Zusammensetzung des Wasserspeiers von Luening für die Geige und das Band sowie die Premiere des Kontakte von Stockhausen für elektronische Töne, Klavier und Schlagzeug bezeugt. Dieses Stück hat in zwei Versionen ein für das 4-Kanäle-Band und anderen für das Band mit menschlichen Darstellern bestanden. "In Kontakte hat Stockhausen traditionelle Musikform aufgegeben, die auf der geradlinigen Entwicklung und dem dramatischen Höhepunkt gestützt ist. Diese neue Annäherung, die er 'Moment-Form genannt hat,' ähnelt die 'filmische Verbindung' Techniken am Anfang Films des zwanzigsten Jahrhunderts."

Der erste von diesen Synthesizern, um zu erscheinen, war Buchla. 1963 erscheinend, war es das Produkt einer Anstrengung, die durch musique concrète Komponist Morton Subotnick angeführt ist.

Der theremin war im Gebrauch seit den 1920er Jahren gewesen, aber es hat einen Grad der populären Anerkennung durch seinen Gebrauch in der Sciencefictionsfilmsoundtrack-Musik in den 1950er Jahren erreicht (z.B, die klassische Kerbe von Bernard Herrmann für Den Tag die Erde hat Stillgestanden).

Im Vereinigten Königreich in dieser Periode die BBC ist Radiophonic Werkstatt (gegründet 1958) eines des produktivsten und weit bekannten elektronischen Musik-Studios in der Welt, Danks im großen Maß zu ihrer Arbeit am BBC-Sciencefictionsreihe-Arzt Wer erschienen. Einer der einflussreichsten britischen elektronischen Künstler in dieser Periode war Werkstatt-Angestellte Delia Derbyshire, der jetzt für ihren 1963 elektronische Realisierung des ikonischen Arztes Wer Thema berühmt ist, das von Ron Grainer zusammengesetzt ist.

1961 hat Josef Tal das Zentrum für die Elektronische Musik in Israel an Der hebräischen Universität eingesetzt, und 1962 ist Hugh Le Caine in Jerusalem angekommen, um sein Kreatives Tonbandgerät im Zentrum zu installieren. In den 1990er Jahren hat Tal, zusammen mit Dr Shlomo Markel, in der Zusammenarbeit mit Technion - Institut von Israel für die Technologie und VolkswagenStiftung ein Forschungsprojekt (Talmark) geführt, der auf die Entwicklung eines neuartigen Musiknotationssystems für die elektronische Musik gerichtet ist.

Milton Babbitt hat seine erste elektronische Arbeit mit dem Synthesizer - seiner Zusammensetzung für den Synthesizer (1961) zusammengesetzt - der er das Verwenden des RCA Synthesizers am Columbia-Princeton Elektronisches Musik-Zentrum geschaffen hat.

Die Kollaborationen sind auch über Ozeane und Kontinente vorgekommen. 1961 hat Ussachevsky Varèse zum Studio des Columbias-Princeton (CPEMC) eingeladen. Nach der Ankunft hat Varese eine Revision von Déserts unternommen. Ihm wurde von Mario Davidovsky und Bülent Arel geholfen.

Die intensive Tätigkeit, die an CPEMC und anderswohin begeistert die Errichtung des San Francisco Band-Musik-Zentrums 1963 durch Morton Subotnick, mit zusätzlichen Mitgliedern Pauline Oliveros, Ramon Sender, Anthony Martin und Terry Riley vorkommt. Die übersynchronisierte Aufnahme von Riley Eines Regenbogens in Gekrümmter Luft (1967) verwendete verschiedene elektronische Tastatur-Instrumente, alle, die vom Komponisten-improviser gespielt sind.

Später hat sich das Zentrum zur Mühle-Universität bewegt, die von Pauline Oliveros geleitet ist, wo es heute als das Zentrum für die Zeitgenössische Musik bekannt ist.

Gleichzeitig in San Francisco, Komponisten Stan Shaff und Ausrüstungsentwerfer Doug McEachern, hat das erste "Audium" Konzert in der San Francisco Staatsuniversität (1962), gefolgt von einer Arbeit am San Francisco Museum der Modernen Kunst (1963), konzipiert als rechtzeitig, kontrollierte Bewegung des Tons im Raum präsentiert. Zwölf Sprecher haben das Publikum umgeben, vier Sprecher wurden auf einem Drehen, einem Mobiltelefon ähnlichem Aufbau oben bestiegen. In einer SFMOMA Leistung im nächsten Jahr (1964) hat San Francisco Chronik-Musik-Kritiker Alfred Frankenstein kommentiert, "die Möglichkeiten des raumgesunden Kontinuums sind selten so umfassend erforscht worden". 1967, erster Audium, hat sich ein "Gesund-Raumkontinuum" geöffnet, wöchentliche Leistungen im Laufe 1970 haltend. 1975, ermöglicht durch das Samen-Geld von der Nationalen Stiftung für die Künste, hat sich neuer Audium, entworfener Fußboden zur Decke für die gesunde Raumzusammensetzung und Leistung geöffnet." Es gibt Komponisten, die gesunden Raum manipulieren, indem sie vielfache Sprecher an verschiedenen Positionen in einem Leistungsraum ausfindig machen und dann umschalten oder den Ton zwischen den Quellen auswaschen. In dieser Annäherung ist die Zusammensetzung der Raummanipulation von der Position der Sprecher abhängig und nutzt gewöhnlich die akustischen Eigenschaften der Einschließung aus. Beispiele schließen das Gedicht von Varese Electronique (Band-Musik ein, die im Pavillon von Phillips der 1958-Weltmesse, Brüssels durchgeführt ist) und die Audium Installation von Stanley Schaff, die in San Francisco zurzeit aktiv ist." Durch wöchentliche Programme (mehr als 4,500 in 40 Jahren) "formt" Shaff Ton, leistende jetzt digitalisierte Raumarbeiten erleben 176 Sprecher mit.

Ein wohl bekanntes Beispiel des Gebrauches von lebensgroßem Moog von Moog Modulsynthesizer ist das Eingeschaltete Junggeselle-Album durch Wendy Carlos, die eine Verrücktheit für die Synthesizer-Musik ausgelöst hat.

Pietro Grossi war ein italienischer Pionier der Computerzusammensetzung und Band-Musik, wer zuerst mit elektronischen Techniken am Anfang der sechziger Jahre experimentiert hat. Grossi war ein Cellist und Komponist, der in Venedig 1917 geboren ist. Er hat den S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze) 1963 gegründet, um mit dem elektronischen Ton und der Zusammensetzung zu experimentieren.

Computermusik

CSIRAC, der erste Computer, um Musik zu spielen, hat so öffentlich im August 1951 (Verweisung 12) getan. Eine der ersten groß angelegten öffentlichen Demonstrationen der Computermusik war eine bespielte nationale Radiosendung auf dem NBC Rundfunknetz-Programm Monitor am 10. Februar 1962. 1961 hat LaFarr Stuart Iowa ZYKLON-Computer der Staatlichen Universität (eine Ableitung von Illiac) programmiert, um einfache, erkennbare Melodien durch einen verstärkten Sprecher zu spielen, der dem System ursprünglich zu administrativen und diagnostischen Zwecken beigefügt worden war. Ein Interview mit Herrn Stuart hat seine Computermusik begleitet.

Das Ende der 1950er Jahre, der 1960er Jahre und der 1970er Jahre hat auch die Entwicklung der großen Großrechner-Computersynthese gesehen. 1957 anfangend, hat Max Mathews von Glockenlaboratorien die MUSIK-Programme entwickelt, in der MUSIK V, eine direkte Digitalsynthese-Sprache kulminierend

Lebende Elektronik

In Amerika wurde für lebende Elektronik am Anfang der 1960er Jahre von Mitgliedern des Raumtheaters von Milton Cohen in Ann Arbor, Michigan, einschließlich Gordon Mummas und Robert Ashleys, von Personen wie David Tudor 1965 und Die Schallkunstvereinigung, gegründet 1966 von Gordon Mumma, Robert Ashley, Alvin Lucier und David Behrman den Weg gebahnt. SOBALD Feste, Multimediatheatermusik zeigend, von Robert Ashley und Gordon Mumma in Ann Arbor zwischen 1958 und 1969 organisiert wurden. 1960 hat John Cage Patrone-Musik, eine der frühsten lebend-elektronischen Arbeiten zusammengesetzt.

In Europa 1964 hat Karlheinz Stockhausen Mikrophonie I für Schottenmütze-Schottenmütze, tragbare Mikrofone, Filter, und potentiometers und Mixtur für das Orchester, die vier Sinuswelle-Generatoren und die vier Ringmodulatoren zusammengesetzt. 1965 hat er Mikrophonie II für den Chor, das Organ von Hammond und die Ringmodulatoren zusammengesetzt.

Die Jazzkomponisten und Musiker Paul Bley und Annette Peacock haben einige der ersten lebenden Konzerte gegen Ende der 1960er Jahre mit Synthesizern von Moog durchgeführt. Peacock hat regelmäßigen Gebrauch eines kundengerecht angefertigten Synthesizers von Moog gemacht, um ihre Stimme auf der Bühne und in Studio-Aufnahmen zu bearbeiten.

In 1966-67 hat Reed Ghazala entdeckt und hat begonnen, "das Stromkreis-Verbiegen" - die Anwendung des kreativen kurzen Stromkreises, ein Prozess des Zufallskurzschließens zu unterrichten, experimentelle elektronische Instrumente schaffend, Schallelemente hauptsächlich des Timbres und mit weniger Rücksicht erforschend, um hinzustürzen, oder Rhythmus, und unter Einfluss der aleatoric Musik von John Cage [sic] Konzept.

Popularisierung: Die 1970er Jahre zum Anfang der 1980er Jahre

Synthesizer

Veröffentlicht 1970 durch die Moog Musik war der Mini-Moog unter den ersten weit verfügbaren, tragbaren und relativ erschwinglichen Synthesizern. Es ist der am weitesten verwendete Synthesizer sowohl in der populären als auch in elektronischen Kunstmusik geworden.

Patrick Gleeson, lebend mit Herbie Hancock am Anfang der 1970er Jahre spielend, hat für den Gebrauch von Synthesizern in einem Reisezusammenhang den Weg gebahnt, wo sie Betonungen unterworfen waren, wurden die frühen Maschinen dafür nicht entworfen.

1974 hat das WDR Studio in Köln einen EMS Synthi 100 Synthesizer erworben, der von mehreren Komponisten in der Produktion von bemerkenswerten elektronischen Arbeiten - unter anderen, Fünf deutsche von Rolf Gehlhaar Tänze (1975), der Sirius von Karlheinz Stockhausen (1975-76) und die Pulsmusik von John McGuire III (1978) verwendet wurde.

Der Anfang der 1980er Jahre hat den Anstieg von Basssynthesizern, das einflussreichste Wesen der Roland TB-303, ein Basssynthesizer und Ablaufsteuerung veröffentlicht gegen Ende 1981 gesehen, der später synonymisch mit der elektronischen Tanzmusik, besonders saurem Haus werden würde. Einer der ersten, um es zu verwerten, war Charanjit Singh 1982, obwohl es bis zu den "sauren Spuren von Phuture" 1987 nicht verbreitet würde.

IRCAM, STEIM und Elektronmusikstudion

IRCAM in Paris ist ein Hauptzentrum für die Computermusik-Forschung und Verwirklichung und Entwicklung von Sogitec 4X Computersystem geworden, dann revolutionäre Echtzeitdigitalsignalverarbeitung zeigend. Der Répons von Pierre Boulez (1981) für 24 Musiker und 6 Solisten ist 4X gewöhnt gewesen, um sich zu verwandeln, und Weg-Solisten zu einem Lautsprecher-System.

STEIM ist ein Zentrum für die Forschung und Entwicklung von neuen Musikinstrumenten in den elektronischen darstellenden Künsten, die in Amsterdam, die Niederlande gelegen sind. STEIM hat seit 1969 bestanden. Es wurde von Misha Mengelberg, Louis Andriessen, Peter Schat, Dick Raaymakers, Jan van Vlijmen, Reinbert de Leeuw und Konrad Boehmer gegründet. Diese Gruppe von holländischen Komponisten hatte um die Wandlung von Amsterdams Feudalmusik-Strukturen gekämpft; sie haben auf der Ernennung von Bruno Maderna als der Musikdirektor des Concertgebouw Orchesters beharrt und haben das erste Publikum fundings für den experimentellen geltend gemacht und haben elektronische Musik in Den Niederlanden improvisiert.

Elektronmusikstudion (EMS), früher bekannt als die Electroacoustic Musik in Schweden, ist das schwedische nationale Zentrum für die elektronische Musik und gesunde Kunst. Die Forschungsorganisation hat 1964 angefangen und basiert in Stockholm.

Anstieg der populären elektronischen Musik

Gegen Ende der 1960er Jahre haben Knall und Felsen-Musiker, einschließlich Der Strandjungen und Der Beatles, begonnen, elektronische Instrumente, wie der theremin und Mellotron zu verwenden, ihren Ton zu ergänzen und zu definieren. Am Ende des Jahrzehnts hat der Synthesizer von Moog einen Hauptplatz im Ton des erscheinenden progressiven Felsens mit Bändern einschließlich Pink Floyd, Yes, Emerson, Lake & Palmer und Entstehung genommen, die sie ein Teil ihres Tons macht. Instrumentaler Prog-Felsen war im kontinentalen Europa besonders bedeutend, Bänder wie Kraftwerk, Mandarine-Traum erlaubend, Kann und Faust, um die Sprachbarriere zu überlisten. Ihr mit dem Tongenerator schwerer "Felsen von Kraut", zusammen mit der Arbeit von Brian Eno (einige Zeit der Tastatur-Spieler mit der Musik von Roxy), würde ein Haupteinfluss auf den nachfolgenden Synth-Felsen sein. Elektronischer Felsen wurde auch von mehreren japanischen Musikern einschließlich des Elektrischen Samurais von Isao Tomita erzeugt: Eingeschaltet Felsen (1972), der Synthesizer-Interpretationen von Moog des zeitgenössischen Knalls und der Felsen-Lieder und des progressiven Felsen-Albums von Osamu Kitajima Benzaiten (1974) gezeigt hat. Die Mitte der 1970er Jahre hat den Anstieg von elektronischen Kunstmusik-Musikern wie Jean Michel Jarre, Vangelis und Tomita gesehen, die mit Brian Eno ein bedeutender Einfluss auf die Entwicklung der Neuen Altersmusik waren.

Nach der Ankunft des Punkrocks ist eine Form des grundlegenden Synth-Felsens zunehmend mit der neuen Digitaltechnologie erschienen, um andere Instrumente zu ersetzen. Das Wegbahnen für Bänder hat Ultravox mit ihrem 1977 einzelne "Hiroshima Montag-Liebschaft", Gelbes Magisches Orchester von Japan, Die Menschliche Liga und Tubeway Armee vom Vereinigten Königreich und Devo von den Vereinigten Staaten eingeschlossen. Gelbes Magisches Orchester im besonderen geholfenen Pionier synthpop mit ihrem selbstbetitelten Album (1978) und Überlebender des Festen Zustands (1979). Die Definition von MIDI und die Entwicklung des Digitalaudios haben die Entwicklung von rein elektronischen Tönen viel leichter gemacht. Diese Entwicklungen haben zum Wachstum des Synth-Knalls, der geführt, nachdem es durch die Neue Romantische Bewegung, erlaubte Synthesizer angenommen wurde, um die Popmusik und den Rock des Anfangs der 80er Jahre zu beherrschen. Schlüsseltaten haben Duran Duran, Spandau Ballett, Eine Herde von Seemöwen, Kulturklub, Gespräch-Gespräch, Japan und Eurythmics eingeschlossen. Synthpop hat manchmal Synthesizer verwendet, um alle anderen Instrumente zu ersetzen, bis der Stil begonnen hat, von der Beliebtheit Mitte der 1980er Jahre zu fallen.

Ablaufsteuerungen und Trommel-Maschinen

Musik-Ablaufsteuerungen haben begonnen, um die Mitte des 20. Jahrhunderts und die Alben von Tomita Mitte der 1970er Jahre verwendet zu werden, die spätere Beispiele ist. 1978, Gelbes Magisches Orchester verwendeten computergestützte Technologie in Verbindung mit einem Tongenerator, um volkstümliche Musik zu erzeugen, ihren frühen Gebrauch des Mikroprozessor-basierten Roland MC 8 Mikrokomponist-Ablaufsteuerung machend.

Trommel-Maschinen, auch bekannt als Rhythmus-Maschinen, haben auch begonnen, um die späten 1950er Jahre mit einem späteren Beispiel verwendet zu werden, das das progressive Felsen-Album von Osamu Kitajima Benzaiten (1974) ist, der eine Rhythmus-Maschine zusammen mit elektronischen Trommeln und einem Synthesizer verwendet hat. 1977 war die "Hiroshima Montag-Liebschaft von Ultravox" eine der ersten Singlen, um das einem Metronom ähnliche Schlagzeug eines Rolands TR-77 Trommel-Maschine zu verwenden. 1980 hat Roland Corporation den TR-808, eine der ersten und populärsten programmierbaren Trommel-Maschinen veröffentlicht. Die erste Band, um es zu verwenden, war Gelbes Magisches Orchester 1980, und es würde später weit verbreitete Beliebtheit mit der Ausgabe der "Sexuellen Heilung von Marvin Gaye" und des "Planet-Felsens von Afrika Bambaataa" 1982 gewinnen, nach dem der TR-808 im fortlaufenden Gebrauch bis mindestens 2008 bleiben würde.

Geburt von MIDI

1980 hat sich eine Gruppe von Musikern und Musik-Großhändlern getroffen, um eine Schnittstelle zu standardisieren, durch die neue Instrumente Steueranweisungen mit anderen Instrumenten und dem überwiegenden Mikrocomputer mitteilen konnten. Dieser Standard wurde MIDI (Musikinstrument Digitalschnittstelle) synchronisiert und eine Kollaboration zwischen Hauptherstellern am Anfang Folgende Stromkreise, Oberheim, Roland ergeben, und hat später Gruppen teilgenommen einschließlich: Yamaha, Korg und Kawai, usw. Eine Zeitung war authored durch Dave Smith von Folgenden Stromkreisen und hat der Audiotechnikgesellschaft 1981 vorgehabt. Dann, im August 1983, wurde die MIDI Spezifizierung 1.0 beendet.

Das Advent der MIDI Technologie erlaubt einem einzelnen Anschlag, Kontrollradbewegung, Pedal-Bewegung oder Befehl von einem Mikrocomputer, jedes Gerät im Studio entfernt und in der Gleichzeitigkeit mit jedem Gerät zu aktivieren, das gemäß vom Komponisten vorher bestimmten Bedingungen antwortet.

MIDI Instrumente und Software haben starke Kontrolle von hoch entwickelten Instrumenten leicht erschwinglich durch vieles Studio und Personen gemacht. Akustische Töne sind wiedervereinigt ins Studio über die Stichprobenerhebung geworden und haben ausgefallen ROM hat Instrumente gestützt.

Miller Puckette hat sich entwickelt grafische signalbearbeitende Software für 4X hat Max (nach Max Mathews) genannt und hat es später zu Macintosh (mit Dave Zicarelli getragen, der es für Opcode erweitert) für die Echtzeit-MIDI-Kontrolle, algorithmische Zusammensetzungsverfügbarkeit den meisten Komponisten mit dem bescheidenen Computerprogrammierhintergrund bringend.

Digitalsynthese

1975, die japanische Gesellschaft Yamaha hat die Algorithmen für die Frequenzmodulationssynthese (FM-Synthese) von John Chowning lizenziert, der damit an der Universität von Stanford seit 1971 experimentiert hatte. Die Ingenieure von Yamaha haben begonnen, den Algorithmus von Chowning an den Gebrauch in einem Digitalsynthesizer anzupassen, Verbesserungen wie die "" Schuppen-Schlüsselmethode hinzufügend, die Einführung der Verzerrung zu vermeiden, die normalerweise in analogen Systemen während der Frequenzmodulation vorgekommen ist. Jedoch würde der erste kommerzielle zu veröffentlichende Digitalsynthesizer der Fairlight der australischen Fairlight Gesellschaft CMI (Computermusikinstrument) 1979 als das erste praktische polyfone Digitalsystem des Synthesizers/Probierers sein.

1980 hat Yamaha schließlich erstes FM Digitalsynthesizer, der Yamaha GS-1, aber zu einem teuren Preis veröffentlicht. 1983 hat Yamaha den ersten eigenständigen Digitalsynthesizer, den DX-7 eingeführt, der auch FM-Synthese verwendet hat und einer der Erfolgssynthesizer aller Zeiten werden würde. Der DX-7 war für seine erkennbaren hellen Klangfarben bekannt, der teilweise wegen einer Übererzielen-Stichprobenerhebungsrate von 57 Kilohertz war.

Barry Vercoe beschreibt eine seiner Erfahrungen mit frühen Computertönen:

Gegen Ende der 1980er Jahre zu den 1990er Jahren

Anstieg der Tanzmusik

Gegen Ende der 1980er Jahre haben Tanzmusik-Aufzeichnungen das Verwenden gemacht nur elektronischer Instrumente sind immer populärer geworden. Die Tendenz hat bis zu den heutigen Tag mit modernen Nachtklubs weltweit regelmäßig das Spielen elektronischer Tanzmusik fortgesetzt. Heutzutage ist elektronische / Tanzmusik so populär, der Genre-Radiostationen gewidmet hat und Fernsehkanäle (z.B, NRJ Tanz, MUSIK-KRAFT EUROPA) bestehen.

Förderungen

In den 1990er Jahren hat interaktive computergestützte Leistung angefangen, möglich, mit einem Beispiel beschrieben als zu werden:

Andere neue Entwicklungen haben den Tod Machover eingeschlossen (MIT und IRCAM) Zusammensetzung Beginnt Wieder Wieder für "das Hypercello", ein interaktives System von Sensoren, die physische Bewegungen des Cellisten messen. Max Mathews hat das "Leiter"-Programm für das Echtzeittempo, dynamisch und Timbre-Kontrolle eines Voreingangs elektronische Kerbe entwickelt. Morton Subotnick hat eine Multimedia-CD-ROM veröffentlicht Alle Meine Kolibris Haben Alibis.

Die 2000er Jahre

In den letzten Jahren, weil Computertechnologie zugänglicher und Musik-Software geworden ist, ist vorwärts gegangen, mit Musik-Produktionstechnologie aufeinander zu wirken, ist jetzt mögliche Verwenden-Mittel, die keine Beziehung zu traditionellen Musikleistungsmethoden tragen: zum Beispiel, Laptop-Leistung (laptronica) und das lebende Codieren. Im Allgemeinen bezieht sich der Begriff Lebender PAPA auf jede lebende Leistung der elektronischen Musik, ob mit Laptops, Synthesizern oder anderen Geräten.

Im letzten Jahrzehnt sind mehrere softwarebasierte virtuelle Studio-Umgebungen, mit Produkten wie der Grund und Ableton von Propellerhead Lebende findende populäre Bitte erschienen. Solche Werkzeuge stellen lebensfähige und rentable Alternativen zum typischen Hardware-basierten Produktionsstudio, und dank Fortschritte in der Mikroprozessor-Technologie zur Verfügung, es ist jetzt möglich, hohe Qualitätsmusik mit ein wenig mehr als einen einzelnen Laptop zu schaffen. Solche Fortschritte haben Musik-Entwicklung demokratisiert, zu einer massiven Zunahme im Betrag der hauserzeugten elektronischen Musik führend, die für die breite Öffentlichkeit über das Internet verfügbar ist.

Künstler können jetzt auch ihre Produktionspraxis individualisieren, indem sie personifizierte Softwaresynthesizer, Effekten-Module und verschiedene Zusammensetzungsumgebungen schaffen. Geräte, die einmal exklusiv im Hardware-Gebiet bestanden haben, können virtuelle Kopien leicht haben. Einige der populäreren Softwarewerkzeuge, um solche Enden zu erreichen, sind kommerzielle Ausgaben wie Max/Msp und Reaktor und offene Quellpakete wie Csound, Reine Daten, SuperCollider und Chuck.

Das Stromkreis-Verbiegen

Das Stromkreis-Verbiegen ist die kreative Anpassung der Stromkreise innerhalb von elektronischen Geräten wie niedrige Stromspannung, batterieangetriebene Gitarreneffekten, Spielsachen von Kindern und kleine Digitalsynthesizer, um neue Musik- oder Sehinstrumente und gesunde Generatoren zu schaffen. Spontaneität und Zufälligkeit betonend, sind die Techniken des Stromkreis-Verbiegens mit der Geräuschmusik allgemein vereinigt worden, obwohl, wie man bekannt hat, viele herkömmlichere zeitgenössische Musiker und Musikgruppen mit "Begabungs"-Instrumenten experimentiert haben. Stromkreis, der sich gewöhnlich biegt, schließt das Abbauen der Maschine und Hinzufügen von Bestandteilen wie Schalter und potentiometers ein, die den Stromkreis verändern. Mit dem wiederbelebten Interesse für den Entsprechungssynthesizer-Stromkreis ist das Verbiegen eine preiswerte Lösung für viele experimentelle Musiker geworden, ihre eigenen individuellen Entsprechungston-Generatoren zu schaffen. Heutzutage können viele schematics zu gebauten Geräuschgeneratoren wie die Atari Punkrock-Konsole oder die Synchronisieren Sirene sowie einfachen Modifizierungen für Kinderspielsachen solcher gefunden werden, wie die berühmten & Perioden Sprechen, die häufig durch Stromkreis-Saufereien modifiziert werden.

Span-Musik

Chiptune, chipmusic, oder Span-Musik ist in gesunden Formaten geschriebene Musik, wo viele der gesunden Texturen synthetisiert werden oder sequenced in Realtime durch einen Computer oder Videospiel-Konsole-Ton-Span manchmal einschließlich der beispielbasierten Synthese und niedrig Beispielplay-Back gebissen haben. Viele Span-Musik-Geräte haben Synthesizer im Tandem mit dem Beispielplay-Back des niedrigen Zinssatzes gezeigt.

Siehe auch

• Audium (Theater)
• Beaver & Krause
• Clavioline
• Elektronische Posaune
• Liste von elektronischen Musik-Genres
• Neue Schnittstellen für den Musikausdruck
• Ondioline
• Gesunde Installation
• Gesunde Skulptur
• Geisterhafte Musik
• Spurenleser-Musik
• Industriemusik
• EOTO

Kommentare

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• . (archivieren Sie am 10. März 2011)
• . Führer-Personalausweis: (Editierter) A520831.
• . (Online-Nachdruck, NASA Forschungszentrum von Ames Technischer Vermerk Fax 2000.

• (Ursprünglich veröffentlicht: New York: Twayne, 1998)

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• . (Zuerst veröffentlicht in Deutsch in Melos 39 (Jan.-Febr. 1972): 42-44.)

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• (Exzerpt besteht auf der Geschichte der Experimentellen Musik im Nördlichen Kalifornien)

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• Auszug.

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• . (Archiv an webcitation.org)

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