Darstellende Künste sind Kunstformen, in denen Künstler ihren Körper oder Stimme verwenden, um künstlerischen Ausdruck — im Vergleich mit Plastikkünsten zu befördern, in denen Künstler Ton, Metall, Farbe und andere Materialien verwenden, um physische Kunstgegenstände zu schaffen. Der erste registrierte Gebrauch des Begriffes darstellende Künste war 1711.

Typen von darstellenden Künsten

Darstellende Künste schließen Tanz, Musik, Oper, Theater, magisches, Gesprochenes Wort, Zirkus-Künste und Musiktheater ein.

Künstler, die an darstellenden Künsten vor einem Publikum teilnehmen, werden Darsteller, einschließlich Schauspieler, Komiker, Tänzer, Zauberer, Musiker und Sänger genannt. Darstellende Künste werden auch von Arbeitern in zusammenhängenden Feldern, wie songwriting und schauspielerisches Können unterstützt.

Darsteller passen häufig ihr Äußeres, solcher als mit Kostümen und Bühne-Make-Up usw. an.

Es gibt auch eine Spezialform der feinen Kunst, in der die Künstler ihre für ein Publikum lebende Arbeit durchführen. Das wird Leistungskunst genannt. Der grösste Teil der Leistungskunst ist auch mit einer Form der Plastikkunst vielleicht in der Entwicklung von Stützen verbunden. Tanz ist häufig eine Plastikkunst während des Modernen Tanzzeitalters genannt geworden.

Theater

Theater ist der Zweig der darstellenden Künste, die mit dem Vorspielen von Geschichten vor einem Publikum betroffen sind, das Kombinationen von Rede, Geste, Musik, Tanz, Ton und Schauspiel — tatsächlich irgend jemand oder mehr Elemente der anderen darstellenden Künste verwendet. Zusätzlich zum Standardbericht-Dialog-Stil von Spielen nimmt Theater solche Formen wie Spiele, Musicals, Oper, Ballett, Trugbild, Pantomime, klassischer Indianertanz, kabuki, die Spiele von mummer, improvisiertes Theater, stehende Komödie, Pantomime und nichtherkömmliches oder arthouse Theater an.

Tanz

Tanz (von Altem französischem dancier, vielleicht aus dem Fränkisch) bezieht sich allgemein auf die menschliche Bewegung, die entweder als eine Form des Ausdrucks verwendet ist oder in einem sozialen, geistigem oder Leistungseinstellung präsentiert ist.

Tanz wird auch verwendet, um Methoden der Kommunikation ohne Worte zu beschreiben (sieh Körpersprache) zwischen Menschen oder Tieren (Biene-Tanz, Tanz verbindend), Bewegung in leblosen Gegenständen (die Blätter, die im Wind getanzt sind), und bestimmte Musik-Genres.

Choreografie ist die Kunst, Tänze und die Person zu machen, die tut, das wird einen Ballettmeister genannt.

Definitionen dessen, was Tanz einsetzt, sind von sozialen, kulturellen, ästhetischen künstlerischen und moralischen Einschränkungen abhängig, und Reihe von der funktionellen Bewegung (wie Leute tanzen) zum kodifizierten, Virtuose-Techniken wie Ballett. In Sportarten sind Gymnastik, Eiskunstlaufen und das synchronisierte Schwimmen Tanzdisziplinen, während Kampfsportarten "kata" häufig im Vergleich zu Tänzen sind.

Geschichte von Westlichen darstellenden Künsten

Im 6. Jahrhundert v. Chr. anfangend, hat die Klassische Periode der darstellenden Kunst in Griechenland begonnen, das in durch die tragischen Dichter wie Sophocles hineingeführt ist. Diese Dichter haben Spiele geschrieben, die in einigen Fällen Tanz vereinigt haben (sieh Euripides). Die hellenistische Periode hat den weit verbreiteten Gebrauch der Komödie begonnen.

Jedoch vor dem 6. Jahrhundert n.Chr. waren Westliche darstellende Künste größtenteils beendet worden, als das Finstere Mittelalter begonnen hat. Zwischen 9. Jahrhundert und 14. Jahrhundert wurde die darstellende Kunst im Westen auf religiöse historische Erlasse und Moral-Spiele beschränkt, die von der Kirche im Feiern von kirchlichen Feiertagen und anderen wichtigen Ereignissen organisiert sind.

Renaissance

In den darstellenden Künsten des 15. Jahrhunderts, zusammen mit den Künsten im Allgemeinen, hat ein Wiederaufleben gesehen, als die Renaissance in Italien und Ausbreitung während europäischer Spiele begonnen hat, von denen einige vereinigter Tanz durchgeführt wurde, und Domenico da Piacenza wurde den ersten Gebrauch des Begriffes ballo (in De Arte Saltandi und Veitstanz Ducendi) statt danza (Tanz) für seinen baletti oder balli zugeschrieben. Der Begriff ist schließlich Ballett geworden. Wie man denkt, ist das erste Ballett per se der Ballet Comique de la Reine von Balthasar de Beaujoyeulx (1581).

Durch die Mitte des 16. Jahrhunderts commedia ist dell'arte populär in Europa geworden, den Gebrauch der Improvisation einführend. Diese Periode hat auch das elisabethanische Maskenspiel eingeführt, Musik, Tanz und wohl durchdachte Kostüme sowie Berufstheatergesellschaften in England zeigend. Die Spiele von William Shakespeare gegen Ende des 16. Jahrhunderts haben sich von dieser neuen Klasse der Berufsleistung entwickelt.

1597, die erste Oper, wurde Dafne durchgeführt und im Laufe des 17. Jahrhunderts, Oper würde die Unterhaltung der Wahl für die Aristokratie im grössten Teil Europas, und schließlich für die große Anzahl von Leuten schnell werden, die in Städten und Städten überall in Europa leben.

Modernes Zeitalter

Die Einführung des Proszenium-Bogens in Italien während des 17. Jahrhunderts hat die traditionelle Theaterform gegründet, die bis jetzt andauert. Inzwischen, in England, verbieten die Puritaner das Handeln, einen Halt zu darstellenden Künsten bringend, die bis 1660 gedauert haben. Danach dann haben Frauen begonnen, sowohl in französischen als auch in englischen Spielen zu erscheinen. Die Franzosen haben eine Tanzfest-Instruktion gegen Ende des 17. Jahrhunderts eingeführt.

Es ist auch während dieser Zeit, dass die ersten Spiele in den amerikanischen Kolonien durchgeführt wurden.

Während des 18. Jahrhunderts hat die Einführung der populären Oper buffa Oper zu den Massen als eine zugängliche Form der Leistung gebracht. Mozart Die Ehe von Figaro und Don Giovanni ist Grenzsteine des Endes der Oper des 18. Jahrhunderts.

Am Ende des 19. Jahrhunderts haben Beethoven und die Romantische Bewegung in einem neuen Zeitalter hineingeführt, die zuerst zu den Brillen der großartigen Oper und dann zu den Musikdramen von Giuseppe Verdi und Gesamtkunstwerk (Gesamtkunststück) von den Opern von Richard Wagner führen, der direkt zur Musik des 20. Jahrhunderts führt.

Das 19. Jahrhundert war eine Periode des Wachstums für die darstellenden Künste für alle sozialen Klassen, technische Fortschritte wie die Einführung des Gaslichts zu Theatern, Burleske, Minnesänger, der und Vielfalt-Theater tanzt. Im Ballett machen Frauen große Fortschritte in der vorher von den Männern beherrschten Kunst.

Moderner Tanz hat gegen Ende des 19. Jahrhunderts und Anfang des 20. Jahrhunderts als Antwort auf die Beschränkungen des traditionellen Balletts begonnen.

"Das System" von Konstantin Stanislavski hat das Handeln am Anfang des 20. Jahrhunderts revolutioniert und setzt fort, einen Haupteinfluss auf Schauspieler der Bühne und des Schirms zum aktuellen Tag zu haben. Sowohl Impressionismus als auch moderner Realismus wurden in die Bühne während dieser Periode eingeführt.

Die Ankunft der Ballette von Sergei Diaghilev Russes (1909-1929) hat Ballett und die darstellenden Künste allgemein überall in der Westwelt, dem grössten Teil von importatntly durch die Betonung von Diaghilev auf der Kollaboration revolutioniert, die Ballettmeistern, Tänzern, Satz-Entwerfern/Künstlern, Komponisten und Musikern zusammen dazu gebracht hat, Ballett wiederzubeleben und zu revolutionieren.

Mit der Erfindung des Films gegen Ende des 19. Jahrhunderts durch Thomas Edison und des Wachstums der Film-Industrie in Hollywood am Anfang des 20. Jahrhunderts ist Film ein dominierendes Leistungsmedium im Laufe der 20. und 21. Jahrhunderte geworden.

Rhythmus und Niedergeschlagenheit, ein kulturelles Phänomen des schwarzen Amerikas ist geworden ist zur Bekanntheit am Anfang des 20. Jahrhunderts gekommen, eine Reihe von späteren Stilen der volkstümlichen Musik international beeinflussend.

In den 1930er Jahren hat Jean Rosenthal eingeführt, was moderne Bühne-Beleuchtung werden würde, die Natur der Bühne ändernd, wie das Musical von Broadway ein Phänomen in den Vereinigten Staaten geworden ist.

Nachkriegsleistung

Darstellende Künste des Postzweiten Weltkriegs wurden durch das Wiederaufleben sowohl des Balletts als auch der Oper in der Westwelt hervorgehoben.

Der Postmodernismus in darstellenden Künsten hat die 1960er Jahre im großen Ausmaß beherrscht.

Rock 'n' Roll, der vom Rhythmus und der Niedergeschlagenheit während der 1950er Jahre entwickelt ist, und ist die Stapelmusikform der populären Unterhaltung geworden.

Östliche darstellende Künste

Der Nahe Osten

Das frühste registrierte Theaterereignis geht bis 2000 v. Chr. mit den Leidenschaft-Spielen des Alten Ägyptens zurück. Diese Geschichte des Gottes Osiris wurde jährlich auf Festen überall in der Zivilisation durchgeführt, den bekannten Anfang einer langen Beziehung zwischen Theater und Religion kennzeichnend.

Die populärsten Formen des Theaters in der mittelalterlichen islamischen Welt waren Marionettentheater (der Handpuppen, Schattenspiele und Marionette-Produktion eingeschlossen hat), und lebende Leidenschaft-Spiele bekannt als ta'ziya, wo Schauspieler Episoden von der moslemischen Geschichte wiederholen. Insbesondere schiitische islamische Spiele haben um den shaheed (Martyrium) der Söhne von Ali Hasan ibn Ali und Husayn ibn Alis gekreist. Lebende weltliche Spiele waren als akhraja bekannt, in der mittelalterlichen adab Literatur registriert, obwohl sie weniger üblich waren als Marionettentheater und ta'ziya Theater.

Der Iran

Im Iran gibt es andere Formen von Theaterereignissen wie Naghali (das Geschichte-Erzählen), Ru-Howzi, Siah-Bazi, Parde-Khani, Mareke giri...

Indien und Pakistan

Volkstheater und Dramatik können zum religiösen Ritualismus der Völker von Vedic im 2. Millennium v. Chr. verfolgt werden. Dieses Volkstheater der nebeligen Vergangenheit wurde mit dem Tanz, Essen, Ritualismus plus ein Bild von Ereignissen vom täglichen Leben gemischt. Das letzte Element hat es den Ursprung des klassischen Theaters von späteren Zeiten gemacht. Viele Historiker, namentlich D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya, hat sich usw. auf das Vorherrschen des Ritualismus unter Indo-arischen Stämmen bezogen, in denen einige Mitglieder des Stamms gehandelt haben, als ob sie wilde Tiere waren und einige andere die Jäger waren. Diejenigen, die als Säugetiere wie Ziegen gehandelt haben, täuschen, Renntieren, Affen, wurde usw. von denjenigen gejagt, die die Rolle von Jägern spielen.

Bharata Muni (fl. 5. - das 2. Jahrhundert v. Chr.) war ein alter Indianerschriftsteller, der am besten bekannt ist, für dem Natya Shastra von Bharata, einer theoretischen Abhandlung auf darstellenden Indianerkünsten, einschließlich Theaters, Tanzes, des Handelns und der Musik zu schreiben, die im Vergleich zu Aristoteles Poetik gewesen ist. Bharata ist häufig als der Vater von Indianertheaterkünsten bekannt. Sein Natya Shastra scheint, der erste Versuch zu sein, die Technik oder ziemlich Kunst-des Dramas auf eine systematische Weise zu entwickeln. Der Natya Shastra erzählt uns nicht nur, was in einem Drama porträtiert werden soll, aber wie die Beschreibung getan werden soll. Drama, wie Bharata Muni sagt, ist die Imitation von Männern und ihren Taten (loka-vritti). Da Männer und ihre Taten auf der Bühne respektiert werden müssen, so ist das Drama auf Sanskrit auch durch den Begriff roopaka bekannt, was Beschreibung bedeutet.

Ramayana und Mahabharata können als die ersten anerkannten Spiele betrachtet werden, die in Indien entstanden sind. Diese Epen haben die Inspiration den frühsten Indianerdramatikern zur Verfügung gestellt, und sie tun es sogar heute. Indianerdramatiker wie Bhasa haben im 2. Jahrhundert v. Chr. Spiele geschrieben, die von Ramayana und Mahabharata schwer begeistert wurden.

Kālidāsa im 1. Jahrhundert v. Chr., wird wohl betrachtet, der größte Dramatiker des alten Indiens zu sein. Drei berühmte romantische durch Kālidāsa geschriebene Spiele sind der Mālavikāgnimitram (Mālavikā und Agnimitra), Vikramuurvashiiya (Vikrama und Urvashi gehörend), und Abhijñānaśākuntala (Die Anerkennung von Shakuntala). Das letzte wurde durch eine Geschichte in Mahabharata begeistert und ist am berühmtesten. Es war erst, um ins Englisch und Deutsch übersetzt zu werden. Im Vergleich mit Bhasa, wer schwer von den Epen gezogen hat, kann Kālidāsa als ein ursprünglicher Dramatiker betrachtet werden.

Der folgende große Indianerdramatiker war Bhavabhuti (c. Das 7. Jahrhundert). Wie man sagt, hat er die folgenden drei Spiele geschrieben: Malati-Madhava, Mahaviracharita und Uttar Ramacharita. Unter diesen drei bedecken die letzten zwei zwischen ihnen, dem kompletten Epos von Ramayana. Den mächtigen Indianerkaiser Harsha (606-648) wird zugeschrieben, drei Spiele geschrieben zu haben: die Komödie Ratnavali, Priyadarsika und das buddhistische Drama Nagananda. Viele andere Dramatiker sind während des Mittleren Alters gefolgt.

Es gab viele Formen der darstellenden Kunst im südlichen Teil Indiens, Kerala ist solch ein Staat mit dem verschiedenen solche Kunstformen wie Kathakali, Chakyar koothu, und es gab viele prominente Künstler wie Painkulam Raman Chakyar und andere.

China

Es gibt Verweisungen auf Theaterunterhaltungen in China schon in 1500 v. Chr. während der Shang-Dynastie; sie haben häufig Musik, clowning und akrobatische Anzeigen eingeschlossen.

Die Tang-Dynastie ist manchmal als "Das Alter von 1000 Unterhaltungen" bekannt. Während dieses Zeitalters hat Kaiser Xuanzong eine stellvertretende als die Kinder des Birne-Gartens bekannte Schule gebildet, eine Form des Dramas zu erzeugen, das in erster Linie Musical war.

Während der Han-Dynastie ist Schattenmarionettentheater zuerst als eine anerkannte Form des Theaters in China erschienen. Es gab zwei verschiedene Formen des Schattenmarionettentheaters, Kantonesisch südlich und Pekinesisch nördlich. Die zwei Stile wurden durch die Methode unterschieden, die Marionetten und die Positionierung der Stangen auf den Marionetten im Vergleich mit dem Typ des von den Marionetten durchgeführten Spieles zu machen. Beide Stile haben allgemein Spiele durchgeführt, die großes Abenteuer und Fantasie zeichnen, selten war diese sehr stilisierte Form des für die politische Propaganda verwendeten Theaters. Kantonesische Schattenmarionetten waren die größeren von den zwei. Sie wurden mit dickem Leder gebaut, das wesentlichere Schatten geschaffen hat. Symbolische Farbe war auch sehr überwiegend; ein schwarzes Gesicht hat Gerechtigkeit, einen roten einen Mut vertreten. Die Stangen, die verwendet sind, um kantonesische Marionetten zu kontrollieren, wurden Senkrechte den Köpfen der Marionetten beigefügt. So wurden sie vom Publikum nicht gesehen, als der Schatten geschaffen wurde. Pekinesische Marionetten waren zartfühlender und kleiner. Sie wurden aus dünnem, lichtdurchlässigem vom Bauch eines Esels gewöhnlich genommenem Leder geschaffen. Sie wurden mit vibrierenden Farben gemalt, so werfen sie einen sehr bunten Schatten. Die dünnen Stangen, die ihre Bewegungen kontrolliert haben, wurden einem Lederkragen am Hals der Marionette beigefügt. Die Stangen sind zu den Körpern der in einem neunzig Grad-Winkel dann gedrehten Marionette parallel verlaufen, um zum Hals in Verbindung zu stehen. Während diese Stangen sichtbar waren, als der Schatten geworfen wurde, haben sie außerhalb des Schattens der Marionette gelegen; so haben sie das Äußere der Zahl nicht gestört. Die Stangen haben an den Hälsen angehaftet, um den Gebrauch von vielfachen Köpfen mit einem Körper zu erleichtern. Als die Köpfe nicht verwendet wurden, wurden sie in einem Musselin-Buch versorgt, oder Stoff hat Kasten liniert. Die Köpfe wurden immer nachts entfernt. Das war in Übereinstimmung mit dem alten Aberglauben, dass, wenn verlassen, intakt die Marionetten nachts lebendig werden würden. Einige Puppenspieler sind gegangen, so weit man die Köpfe in einem Buch und die Körper in einem anderen versorgt, um weiter die Möglichkeit zu reduzieren, Marionetten wiederzubeleben. Wie man sagt, hat Schattenmarionettentheater seinen höchsten Punkt der künstlerischen Entwicklung im 11. Jahrhundert vor dem Werden ein Werkzeug der Regierung erreicht.

In der Gesungenen Dynastie gab es viele populäre Spiele, die mit Akrobatik und Musik verbunden sind. Diese haben sich in der Yuan-Dynastie in eine hoch entwickeltere Form mit einer vier oder fünf Tat-Struktur entwickelt. Die Drama-Ausbreitung von Yuan über China und variiert in zahlreiche Regionalformen, von denen die am besten bekannte Pekinger Oper ist, die noch heute populär ist.

Thailand

In Thailand ist es eine Tradition vom Mittleren Alter zu Bühne-Spielen gewesen, die auf von Indianerepen gezogenen Anschlägen gestützt sind. Insbesondere die Theaterversion von Thailands nationalem epischem Ramakien, eine Version des Indianerramayana, bleibt populär in Thailand sogar heute.

Kambodscha

In Kambodscha, am alten Kapital Angkor Wat, Geschichten von den Indianerepen sind Ramayana und Mahabharata auf den Wänden von Tempeln und Palästen geschnitzt worden. Ähnliche Erleichterungen werden an Borobudur in Indonesien gefunden.

Japan

Während des 14. Jahrhunderts gab es kleine Gesellschaften von Schauspielern in Japan, die kurz, manchmal vulgäre Komödien geleistet haben. Ein Direktor von einer dieser Gesellschaften, Kan'ami (1333-1384), hatte einen Sohn, Zeami Motokiyo (1363-1443), wer als einer der feinsten Kinderschauspieler in Japan betrachtet wurde. Als die Gesellschaft von Kan'ami für Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), Shogun Japans geleistet hat, hat er Zeami angefleht, um eine Gerichtsausbildung für seine Künste zu haben. Nachdem Zeami seinem Vater nachgefolgt hat, hat er fortgesetzt, seinen Stil darin durchzuführen und anzupassen, was heute Noh ist. Eine Mischung der Pantomime und stimmlichen Akrobatik, dieser Stil hat die Japaner seit Hunderten von Jahren fasziniert.

Japan, nach einem langen Zeitraum von Bürgerkriegen und politischer Verwirrung, wurde vereinigt und am Frieden in erster Linie wegen shogun Tokugawa Ieyasu (1600-1668). Jedoch, alarmiert bei der Erhöhung christlichen Wachstums, hat er Kontakt von Japan nach Europa und chinesischem und verjährtem Christentum abgeschnitten. Als Frieden wirklich gekommen ist, hat ein Schwenken des kulturellen Einflusses und Wachsens der Handelsklasse seine eigene Unterhaltung gefordert. Die erste Form des Theaters, um zu gedeihen, war Ningyō jōruri (allgemein gekennzeichnet als Bunraku). Der Gründer und Hauptmitwirkende zu Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), haben seine Form des Theaters in eine wahre Kunstform verwandelt. Ningyō jōruri ist eine hoch stilisierte Form des Theaters mit Marionetten, heute über den 1/3. die Größe eines Menschen. Die Männer, die die Marionetten kontrollieren, trainieren ihre kompletten Leben, Master-Puppenspieler zu werden, wenn sie dann den rechten und Hauptarm der Marionette operieren und beschließen können, ihre Gesichter während der Leistung zu zeigen. Die anderen Puppenspieler, die weniger wichtigen Glieder der Marionette kontrollierend, sichern sich und ihre Gesichter in einer schwarzen Klage ab, um ihre Unsichtbarkeit einzubeziehen. Der Dialog wird von einer einzelnen Person behandelt, die verschiedene Töne der Stimme und Sprechen-Manieren verwendet, um verschiedene Charaktere vorzutäuschen. Chikamatsu hat Tausende von Spielen während seiner Lebenszeit geschrieben, von denen die meisten noch heute verwendet werden.

Kabuki hat begonnen kurz nach Bunraku hat Legende ihn durch eine Schauspielerin genannt Okuni, der um das Ende des 16. Jahrhunderts gelebt hat. Der grösste Teil des Materials von Kabuki ist aus Nõ und Bunraku gekommen, und seine unregelmäßigen Tanztyp-Bewegungen sind auch eine Wirkung von Bunraku. Jedoch ist Kabuki weniger formell und entfernter als Nõ, noch unter dem japanischen Publikum sehr populär. Schauspieler werden in vielen verschiedenen Dingen einschließlich des Tanzens, des Singens, der Pantomime und sogar der Akrobatik erzogen. Kabuki wurde zuerst von jungen Mädchen, dann von jungen Jungen, und am Ende des 16. Jahrhunderts durchgeführt, Gesellschaften von Kabuki haben aus allen Männern bestanden. Die Männer, die Frauen auf der Bühne porträtiert haben, wurden spezifisch trainiert, die Essenz einer Frau in ihren feinen Bewegungen und Gesten zu entlocken.

Siehe auch

• Leistungskunst
• Ausbildung der darstellenden Künste
• Moderatoren der darstellenden Künste
• USA-Urheberrechtsgesetz in den darstellenden Künsten

Außenverbindungen

• Bibliografie von darstellenden Künsten im Osten
• Die Leistungsgruppe von Braziliam: Ballettröckchen-Maramba, Researchs von Leistungen und den Künsten des Körpers