Musik ist eine Kunstform, deren Medium gesund ist und Schweigen. Seine allgemeinen Elemente sind Wurf (der Melodie und Harmonie regelt), Rhythmus (und sein verbundenes Konzepttempo, Meter und Aussprache), Dynamik und die Schallqualitäten des Timbres und der Textur. Das Wort ist auf Griechisch zurückzuführen (mousike; "Kunst der Musen").

Die Entwicklung, Leistung, Bedeutung und sogar die Definition der Musik ändern sich gemäß der Kultur und dem sozialen Zusammenhang. Musik erstreckt sich von ausschließlich organisierten Zusammensetzungen (und ihre Unterhaltung in der Leistung) durch die improvisierte Musik zu Aleatoric-Formen. Musik kann in Genres und Subgenres geteilt werden, obwohl die Trennungslinien und Beziehungen zwischen Musik-Genres häufig fein sind, sich manchmal zur individuellen Interpretation, und gelegentlich umstritten öffnen. Innerhalb "der Künste" kann Musik als eine darstellende Kunst, eine feine Kunst und Gehörkunst klassifiziert werden. Es gibt auch eine starke Verbindung zwischen Musik und Mathematik.

Vielen Menschen in vielen Kulturen ist Musik ein wichtiger Teil ihrer Lebensweise. Alte griechische und Indianerphilosophen haben Musik als Töne bestellt horizontal als Melodien und vertikal als Harmonien definiert. Allgemeine Aussprüche wie "die Harmonie der Bereiche" und "ist es Musik zu meinen Ohren" weisen zum Begriff hin, dass Musik häufig bestellt und angenehm wird zuzuhören. Jedoch hat Komponist des 20. Jahrhunderts John Cage gedacht, dass jeder Ton Musik, Ausspruch zum Beispiel sein kann, "Gibt es kein Geräusch, klingen Sie nur." Musikwissenschaftler Jean-Jacques Nattiez fasst den Relativisten, postmodernen Gesichtspunkt zusammen: "Die Grenze zwischen Musik und Geräusch wird immer kulturell definiert — der andeutet, dass, sogar innerhalb einer einzelnen Gesellschaft, diese Grenze denselben Platz nicht immer durchführt; kurz gesagt, es gibt selten eine Einigkeit... Durch alle Rechnungen gibt es kein einzelnes und interkulturelles universales Konzeptdefinieren, wie Musik sein könnte."

Geschichte

Vorgeschichtliche Zeitalter

Vorgeschichtliche Musik kann nur gestützt auf Ergebnissen von paläolithischen Archäologie-Seiten theoretisiert werden. Flöten werden häufig entdeckt, von Knochen geschnitzt, in denen seitliche Löcher durchstoßen worden sind; wie man denkt, sind diese an einem Ende wie der japanische shakuhachi geblasen worden. Wie man denkt, ist die Flöte von Divje Babe, die von einem Höhlenbär-Oberschenkelknochen geschnitzt ist, mindestens 40,000 Jahre alt. Instrumente wie die sieben durchlöcherte Flöte und verschiedenen Typen von Saiteninstrumenten sind von der Indus Talzivilisation archäologische Seiten wieder erlangt worden. Indien hat eine der ältesten Musiktraditionen in der Welt — Verweisungen auf die klassische Indianermusik (marga) werden in Vedas, alten Bibeln der hinduistischen Tradition gefunden. Die frühste und größte Sammlung von vorgeschichtlichen Musikinstrumenten wurde in China gefunden und geht auf zwischen 7000 und 6600 v. Chr. Das Hurrian Lied zurück, das auf Tonblöcken gefunden ist, die auf ungefähr 1400 v. Chr. zurückgehen, ist in Notenschrift geschriebene Arbeit des ältesten Überlebens der Musik.

Das alte Ägypten

Die alten Ägypter haben einem ihrer Götter Thoth mit der Erfindung der Musik zugeschrieben, die Osiris der Reihe nach als ein Teil seiner Anstrengung verwendet hat, die Welt zu zivilisieren. Die frühsten materiellen und Vertretungsbeweise von ägyptischen Musikinstrument-Daten zur Vordynastischen Periode, aber die Beweise werden im Alten Königreich sicherer beglaubigt, als Harfen, Flöten und doppelte Klarinetten gespielt wurden. Schlagzeug-Instrumente, Leiern und Kitt wurden zu Orchestern durch das Mittlere Königreich hinzugefügt. Becken hat oft Musik und Tanz viel begleitet, wie sie noch in Ägypten heute tun. Ägyptische Volksmusik, einschließlich der traditionellen Rituale von Sufi dhikr, ist das nächste zeitgenössische Musik-Genre zur alten ägyptischen Musik, viele seiner Eigenschaften, Rhythmen und Instrumente bewahrt.

Verweisungen in der Bibel

Musik und Theater-Gelehrte, die die Geschichte und Anthropologie der Semitischen und frühen Kultur von Judeo-Christian studieren, haben allgemeine Verbindungen zur Theater- und Musiktätigkeit zwischen den klassischen Kulturen der Hebräer und denjenigen von späteren Griechen und Römern entdeckt. Der allgemeine Speicherbereich der Leistung wird in einem "sozialen Phänomen genannt Litanei," eine Form des Gebets gefunden, das aus einer Reihe von Beschwörungen oder Gesuchen besteht. Die Zeitschrift der Religion und des Theaters bemerkt, dass unter den frühsten Formen der Litanei, "Wurde die hebräische Litanei durch eine reiche Musiktradition begleitet:"

: "Während Entstehung 4.21 Jubal als der "Vater von ganzem als Griff die Harfe und Pfeife identifiziert," ist der Pentateuch fast über die Praxis und Instruktion der Musik im frühen Leben Israels still. Dann in mir Samuel 10 und die Texte, die folgen, geschieht ein neugieriges Ding. "Man findet im biblischen Text," schreibt Alfred Sendrey, "hat eine plötzliche und unerklärte Belebung von großen Chören und Orchestern, aus gründlich organisiertem bestehend, und Musikgruppen erzogen, die ohne lange, methodische Vorbereitung eigentlich unvorstellbar sein würden." Das hat einige Gelehrte dazu gebracht zu glauben, dass der Hellseher Samuel der Patriarch einer Schule war, die nicht nur Hellseher und heilige Männer, sondern auch Musiker des heiligen Ritus unterrichtet hat. Diese öffentliche Musik-Schule, vielleicht das frühste in der registrierten Geschichte, wurde auf eine priesterliche Klasse nicht eingeschränkt — der ist, wie der Hirte-Junge David auf der Szene als ein Minnesänger König Saul erscheint."

Altertümlichkeit

Westkulturen haben einen Haupteinfluss auf die Entwicklung der Musik gehabt. Die Geschichte der Musik der Westkulturen kann zurück zu Alten Zeiten von Griechenland verfolgt werden.

Das alte Griechenland

Musik war ein wichtiger Teil des sozialen und kulturellen Lebens im Alten Griechenland. Musiker und Sänger haben eine prominente Rolle im griechischen Theater gespielt. Mischgeschlecht-Chöre haben für die Unterhaltung, das Feiern und die geistigen Zeremonien geleistet. Instrumente haben das doppelte Rohr aulos und ein abgerissenes Saiteninstrument, die Leier eingeschlossen, hauptsächlich hat die spezielle Art einen kithara genannt. Musik war ein wichtiger Teil der Ausbildung, und Jungen wurden Musik unterrichtet, die mit sechs anfängt. Griechische Musiklese- und Schreibkundigkeit hat eine Blüte der Musik-Entwicklung geschaffen. Griechische Musik-Theorie hat die griechischen Musikweisen eingeschlossen, die schließlich die Basis für die klassische und religiöse Westmusik geworden sind. Später haben Einflüsse vom römischen Reich, Osteuropa und dem byzantinischen Reich griechische Musik geändert. Die Seikilos Grabinschrift ist das älteste überlebende Beispiel einer ganzen Musikzusammensetzung einschließlich der Musiknotation von überall her in der Welt.

Das mittlere Alter

Das mittelalterliche Zeitalter (476 n. Chr. bis 1400 n. Chr.) hat mit der Einführung des Singens in Römisch-katholische Kirchdienstleistungen angefangen. Westmusik hat dann angefangen, mehr von einer Kunstform mit den Fortschritten in der Musik-Notation zu werden. Das einzige europäische Mittelalterliche Repertoire, das aus der Zeit vor ungefähr 800 überlebt, ist der monoakustische liturgische Choralgesang der Römisch-katholischen Kirche, deren Haupttradition Gregorianischen Gesang genannt wurde. Neben diesen Traditionen von heiligen und Kirchenmusik dort hat eine vibrierende Tradition des weltlichen Liedes bestanden. Beispiele von Komponisten von dieser Periode sind Léonin, Pérotin und Guillaume de Machaut. Vom Renaissancemusik-Zeitalter, viel von der überlebenden Musik des 14. Jahrhunderts ist Europa weltlich. Bis zur Mitte des 15. Jahrhunderts haben Komponisten und Sänger eine glatte Polyfonie für heilige Musikzusammensetzungen verwendet. Prominente Komponisten von diesem Zeitalter sind Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley und Orlande de Lassus.

Die Renaissance

Renaissancemusik (c. 1400 n. Chr. bis 1600 n. Chr.) wurde auf weltliche Themen mehr eingestellt. 1450 wurde die Druckpresse erfunden, und das hat geholfen, Musikstile schneller und über ein größeres Gebiet zu verbreiten. So konnte Musik eine immer wichtigere Rolle im täglichen Leben spielen. Musiker haben für die Kirche, Gerichte und Städte gearbeitet. Kirchchöre sind in der Größe gewachsen, und die Kirche ist ein wichtiger Schutzherr der Musik geblieben. Jedoch hat sich Musiktätigkeit zu den Gerichten bewegt. Könige und Prinzen haben sich um die feinsten Komponisten beworben.

Viele wichtige Hauptkomponisten sind aus Holland, Belgien und dem nördlichen Frankreich, genannt die Franco-flämischen Komponisten gekommen. Sie haben wichtige Positionen überall in Europa besonders in Italien gehalten. Andere Länder mit vibrierenden Musikleben schließen Deutschland, England und Spanien ein.

Das Barock

Während der Barocken Musik, die in der Reihe und Kompliziertheit ausgebreitet ist. Das Zeitalter der Barocken Musik (1600 bis 1750) hat begonnen, als die ersten Opern geschrieben wurden, und als kontrapunktische Musik überwiegend geworden ist. Deutsche Barocke Komponisten haben für kleine Ensembles einschließlich Schnuren, Messings, und Holzblasinstrumente, sowie Chöre, Pfeife-Organs, Kielflügels und Klavichords geschrieben. Während der Barocken Periode wurden mehrere Hauptmusik-Formen definiert, der in spätere Perioden gedauert hat, als sie ausgebreitet wurden und sich weiter, einschließlich der Fuge, der Erfindung, der Sonate und des Konzertes entwickelt haben. Der späte Barocke Stil war kompliziert und dekorativ und reich an seinen Melodien polyphonically. Komponisten vom Barocken Zeitalter schließen Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel und Georg Philipp Telemann ein.

Klassizismus

Die Musik der Klassischen Periode (1750 n. Chr. bis 1830 n. Chr.) hat auf die Kunst und Philosophie des Alten Griechenlands und Roms, zu den Idealen des Gleichgewichtes, Verhältnisses geachtet und hat Ausdruck diszipliniert. Es hat eine leichtere, klarere und beträchtlich einfachere Textur und hat dazu geneigt, fast stimmemäßig und singbar zu sein. Neue Genres wurden entdeckt. Der Hauptstil war der homophony, wo prominente Melodie und Begleitung klar verschieden sind.

Wichtigkeit wurde der instrumentalen Musik gegeben. Es wurde durch die weitere Evolution von in der Barocken Periode am Anfang definierten Musikformen beherrscht: die Sonate, das Konzert und die Symphonie. Andere Hauptarten waren Trio, Streichquartett, Ständchen und divertimento. Die Sonate war die wichtigste und entwickelte Form. Obwohl Barocke Komponisten auch Sonaten geschrieben haben, ist der Klassische Stil der Sonate völlig verschieden. Alle instrumentalen Hauptformen des Klassischen Zeitalters haben auf der dramatischen Struktur der Sonate basiert.

Einer der wichtigsten in der Klassischen Periode gemachten Entwicklungsschritte war die Entwicklung von öffentlichen Konzerten. Die Aristokratie würde noch eine bedeutende Rolle in der Bürgschaft des Musiklebens spielen, aber es war jetzt für Komponisten möglich zu überleben, ohne seine dauerhaften Angestellten zu sein. Die zunehmende Beliebtheit hat zu einem Wachstum sowohl in der Zahl als auch in Reihe der Orchester geführt. Die Vergrößerung von Orchesterkonzerten hat große öffentliche Räume nötig gemacht. Infolge aller dieser Prozesse ist symphonische Musik (einschließlich der Oper und des Oratoriums) mehr extrovertiert geworden.

Die am besten bekannten Komponisten des Klassizismus sind Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven und Franz Schubert. Wie man auch betrachtet, sind Beethoven und Schubert Komponisten in der Evolution zur Romantik.

Romantik

Romantische Musik (c. 1810 n. Chr. bis 1900 n. Chr.) hat die starren Stile und Formen des Klassischen Zeitalters in leidenschaftlichere und ausdrucksvolle Stücke gedreht. Es hat versucht, emotionalen Ausdruck und Macht zu vergrößern, tiefere Wahrheiten oder menschliche Gefühle zu beschreiben. Die emotionalen und ausdrucksvollen Qualitäten der Musik sind gekommen, um vor der Technik und Tradition den Vortritt zu haben. Romantische Komponisten sind in der Eigentümlichkeit gewachsen, und sind weiter im Synkretismus von verschiedenen Kunstformen (wie Literatur), Geschichte (historische Zahlen), oder Natur selbst mit der Musik gegangen. Romantische Liebe war ein überwiegendes Thema in vielen während dieser Periode zusammengesetzten Arbeiten. In einigen Fällen wurden die formellen Strukturen von der klassischen Periode bewahrt, aber in vielen anderen wurden vorhandene Genres, Formen und Funktionen verbessert. Außerdem wurden neue Formen geschaffen, die besser angepasst dem neuen Gegenstand gehalten wurden.

1800 hat die Musik, die von Ludwig van Beethoven und Franz Schubert entwickelt ist, einen dramatischeren, ausdrucksvollen Stil eingeführt. Im Fall von Beethoven sind Motive, entwickelt organisch, gekommen, um Melodie als die bedeutendste compositional Einheit zu ersetzen. Später haben Romantische Komponisten wie Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Antonín Dvořák und Gustav Mahler mehr sorgfältig ausgearbeitete Akkorde und mehr Dissonanz verwendet, um dramatische Spannung zu schaffen. Sie haben Komplex und häufig viel längere Musikarbeiten erzeugt. Während der Romantischen Periode war Klangfarbe an seiner Spitze. Das Ende des 19. Jahrhunderts hat eine dramatische Vergrößerung in der Größe des Orchesters, und in der Rolle von Konzerten als ein Teil der städtischen Gesellschaft gesehen.

Asiatische Kulturen

Klassische Indianermusik ist eine der ältesten Musiktraditionen in der Welt. Die Indus Talzivilisation hat Skulpturen, die Tanz und alte Musikinstrumente wie die sieben durchlöcherte Flöte zeigen. Von verschiedenen Typen von Saiteninstrumenten und Trommeln ist Harrappa und Mohenjo Daro durch von Herrn Mortimer Wheeler ausgeführte Ausgrabungen erholt worden. Der Rigveda hat Elemente der gegenwärtigen Indianermusik mit einer Musiknotation, um den Meter und die Weise des Singens anzuzeigen. Klassische Indianermusik (marga) ist monoakustisch, und auf einer einzelnen Melodie-Linie oder durch talas rhythmisch organisiertem raga gestützt. Hindustanische Musik war unter Einfluss der persischen Leistungsmethoden des afghanischen Mughals. In den südlichen Staaten populäre Musik von Carnatic, ist größtenteils religiös; die Mehrheit der Lieder wird an die hinduistischen Gottheiten angeredet. Es gibt viele Lieder, Liebe und andere soziale Probleme betonend.

Asiatische Musik bedeckt die Musik-Kulturen Arabiens, Zentralasiens, Ostasiens, des Südlichen Asiens und Südostasiens. Chinesische klassische Musik, die traditionelle Kunst oder Gerichtsmusik Chinas, hat eine Geschichte, die sich im Laufe ungefähr dreitausend Jahre streckt. Es hat seine eigenen einzigartigen Systeme von Musiknotation, sowie Musikeinstimmung und Wurf, Musikinstrumenten und Stilen oder Musikgenres. Chinesische Musik ist pentatonisch-diatonisch, eine Skala von zwölf Zeichen zu einer Oktave habend (5 + 7 = 12), wie Europäer-beeinflusste Musik tut. Persische Musik ist die Musik Persiens und persischer Sprachländer: musiqi, die Wissenschaft und die Kunst der Musik, und muzik, der Ton und die Leistung der Musik (Sakata 1983). Siehe auch: Musik des Irans, Musik Afghanistans, Musik Tadschikistans, Musik Usbekistans.

20. und Musik des 21. Jahrhunderts

Mit der Musik des 20. Jahrhunderts gab es eine riesengroße Zunahme in der Musik hörend, weil das Radio Beliebtheit gewonnen hat und Plattenspieler an das Wiederholungsspiel gewöhnt waren und Musik verteilen. Der Fokus der Kunstmusik wurde durch die Erforschung von neuen Rhythmen, Stilen und Tönen charakterisiert. Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg und John Cage waren alle einflussreichen Komponisten in der Kunstmusik des 20. Jahrhunderts. Die Erfindung der gesunden Aufnahme und der Fähigkeit, Musik zu editieren, hat neues Subgenre der klassischen Musik, einschließlich des acousmatic und der Schulen von Musique concrète der elektronischen Zusammensetzung verursacht.

Jazz hat sich entwickelt und ist ein wichtiges Genre der Musik über den Kurs des 20. Jahrhunderts, und während der zweiten Hälfte dieses Jahrhunderts geworden, Rock hat dasselbe gemacht. Jazz ist ein amerikanisches Musical artform das ist am Anfang des 20. Jahrhunderts in afroamerikanischen Gemeinschaften in den Südlichen Vereinigten Staaten von einem Zusammenfluss von afrikanischen und europäischen Musik-Traditionen entstanden. Der westafrikanische Stammbaum des Stils ist in seinem Gebrauch von blauen Zeichen, Improvisation, Polyrhythmen, Synkope und dem geschwungenen Zeichen offensichtlich. Von seiner frühen Entwicklung bis zur Gegenwart hat Jazz auch Musik vom 19. und amerikanische volkstümliche Musik des 20. Jahrhunderts vereinigt. Jazz, von seinem frühen Beginn des 20. Jahrhunderts, hat eine Vielfalt von Subgenres, im Intervall von New Orleans Dixieland (die 1910er Jahre) zu den 1970er Jahren und der Jazzfelsen-Fusion des Zeitalters der 1980er Jahre erzeugt.

Rock ist ein Genre der volkstümlichen Musik, die sich in den 1960er Jahren vom Rock 'n' Roll der 1950er Jahre, rockabilly, der Niedergeschlagenheit und der Countrymusic entwickelt hat. Der Ton des Felsens kreist häufig um die elektrische Gitarre oder akustische Gitarre, und es verwendet einen starken Rücken geschlagen aufgestellt durch eine Rhythmus-Abteilung der elektrischen Bassgitarre, Trommeln und Tastatur-Instrumente wie Organ, Klavier, oder, seit den 1970er Jahren, analogen Synthesizern und digitalen und Computern seit den 1990er Jahren. Zusammen mit der Gitarre oder den Tastaturen werden Saxofon und mit der Niedergeschlagenheit artige Mundharmonika als soloing Instrumente verwendet. In seiner "reinsten Form," hat es "drei Akkorde, ein starker, hartnäckiger Rücken geschlagen, und eine anziehende Melodie." Gegen Ende der 1960er Jahre und Anfang der 1970er Jahre hat es sich in verschiedene Subgenres, im Intervall von der Niedergeschlagenheitsfelsen- und Jazzfelsen-Fusion zu schwerem Metall und Punkrock, sowie dem mehr klassischen beeinflussten Genre des progressiven Felsens und mehreren Typen von experimentellen Felsen-Genres ausgebreitet.

Leistung

Leistung ist der physische Ausdruck der Musik. Häufig wird eine Musikarbeit durchgeführt, sobald seine Struktur und Instrumentierung seinen Schöpfern befriedigend sind; jedoch, da es durchgeführt wird, kann es sich entwickeln und sich ändern. Eine Leistung kann entweder geprobt oder improvisiert werden. Improvisation ist eine ohne Vorbedacht geschaffene Musikidee, während Probe kräftige Wiederholung einer Idee ist, bis es Kohäsion erreicht hat. Musiker werden manchmal Improvisation zu einer eingespielten Idee hinzufügen, eine einzigartige Leistung zu schaffen.

Viele Kulturen schließen starke Traditionen des Solos und der Leistung, solcher als in der klassischen Indianermusik, und in der Westkunstmusik-Tradition ein. Andere Kulturen, solcher als in Bali, schließen starke Traditionen der Gruppenleistung ein. Alle Kulturen schließen eine Mischung von beiden ein, und Leistung kann sich vom improvisierten Solo erstrecken, das um jemandes Vergnügen zu hoch geplanten und organisierten Leistungsritualen wie das moderne klassische Konzert, die religiösen Umzüge, die Musik-Feste oder die Musik-Konkurrenzen spielt. Kammermusik, die Musik für ein kleines Ensemble mit nur einigen von jedem Typ des Instrumentes ist, wird häufig als vertrauter gesehen als symphonische Arbeiten.

Ohrentradition

Viele Typen der Musik, wie traditionelle Niedergeschlagenheit und Volksmusik wurden im Gedächtnis von Darstellern ursprünglich bewahrt, und die Lieder wurden mündlich, oder Ohren-(durch das Ohr) weitergegeben. Wenn der Komponist der Musik nicht mehr bekannt ist, wird diese Musik häufig als "traditionell" klassifiziert. Verschiedene Musiktraditionen haben verschiedene Einstellungen dazu, wie, und wo man Änderungen mit dem ursprünglichen Quellmaterial, vom ziemlich strengen, zu denjenigen vornimmt, die Improvisation oder Modifizierung zur Musik fordern. Eine Geschichte einer Kultur kann auch durch das Ohr durch das Lied passiert werden.

Verzierung

Das Detail eingeschlossen ausführlich in die Musik-Notation ändert sich zwischen Genres und historische Perioden. Im Allgemeinen hat die Kunstmusik-Notation vom 17. bis das 19. Jahrhundert verlangt, dass Darsteller sehr viel Kontextkenntnisse über leistende Stile hatten. Zum Beispiel, im 17. und das 18. Jahrhundert, hat Musik, die für Solodarsteller normalerweise in Notenschrift geschrieben ist, eine einfache, schmucklose Melodie angezeigt. Jedoch, wie man erwartete, haben Darsteller gewusst, wie man stilistisch passende Verzierungen, wie Triller und Umdrehungen hinzufügt. Im 19. Jahrhundert kann die Kunstmusik für Solodarsteller eine allgemeine Instruktion geben, zum Beispiel, die Musik ausdrucksvoll durchzuführen, ohne im Detail zu beschreiben, wie der Darsteller das tun sollte. Wie man erwartete, hat der Darsteller gewusst, wie man Tempo-Änderungen, Betonung und Pausen (unter anderen Geräten) verwendet, um diesen "ausdrucksvollen" Leistungsstil zu erhalten. Im 20. Jahrhundert ist Kunstmusik-Notation häufig ausführlicher geworden und hat eine Reihe von Markierungen und Anmerkungen verwendet, um Darstellern anzuzeigen, wie sie spielen oder das Stück singen sollten.

In der volkstümlichen Musik und dem Jazz zeigt Musik-Notation fast immer nur das grundlegende Fachwerk der Melodie, Harmonie oder Leistungsannäherung an; wie man erwartet, wissen Musiker und Sänger die Leistungsvereinbarung und Stile, die mit spezifischen Genres und Stücken vereinigt sind. Zum Beispiel kann die "Leitungsplatte" für eine Jazzmelodie nur die Melodie und die Akkord-Änderungen anzeigen. Wie man erwartet, wissen die Darsteller im Jazzensemble, wie man diese grundlegende Struktur "mit Fleisch" versieht", indem man Verzierungen, improvisierte Musik und chordal Begleitung hinzufügt.

Produktion

Musik wird zusammengesetzt und zu vielen Zwecken, im Intervall vom ästhetischen Vergnügen, den religiösen oder feierlichen Zwecken, oder als ein Unterhaltungsprodukt für den Marktplatz durchgeführt. Amateurmusiker setzen zusammen und führen Musik für ihr eigenes Vergnügen durch, und sie leiten ihr Einkommen aus der Musik nicht ab. Berufsmusiker werden durch eine Reihe von Einrichtungen und Organisationen, einschließlich Streitkräfte, Kirchen und Synagogen, Sinfonieorchester, Rundfunkübertragung oder Filmproduktionsgesellschaften und Musik-Schulen angestellt. Berufsmusiker arbeiten manchmal als freie Mitarbeiter, Verträge und Verpflichtungen in einer Vielfalt von Einstellungen suchend.

Es gibt häufig viele Verbindungen zwischen Amateur- und Berufsmusikern. Beginnende Amateurmusiker nehmen Lehren mit Berufsmusikern. In Gemeinschaftseinstellungen leisten fortgeschrittene Amateurmusiker mit Berufsmusikern in einer Vielfalt von Ensembles und Orchestern. In einigen Fällen erreichen Amateurmusiker ein Berufsniveau der Kompetenz, und sie sind im Stande, in Berufsleistungseinstellungen zu leisten. Eine Unterscheidung wird häufig zwischen der Musik gemacht, die zu Gunsten eines lebenden Publikums und Musik durchgeführt ist, die zum Zweck durchgeführt wird, registriert und durch das Musik-Einzelsystem oder das Sendesystem verteilt zu werden. Jedoch gibt es auch viele Fälle, wo eine lebende Leistung vor einem Publikum registriert und verteilt (oder übertragen wird).

Zusammensetzung

"Zusammensetzung" wird häufig als die Entwicklung und Aufnahme der Musik über ein Medium klassifiziert, durch das andere es (d. h., Papier oder Ton) interpretieren können. Viele Kulturen verwenden mindestens einen Teil des Konzepts, sich Musikmaterial oder Zusammensetzung, wie gehalten, in der klassischen Westmusik vorvorzustellen. Selbst wenn Musik genau in Notenschrift geschrieben wird, gibt es noch viele Entscheidungen, die ein Darsteller treffen muss. Der Prozess eines Darstellers, der entscheidet, wie man Musik durchführt, die vorher zusammengesetzt und in Notenschrift geschrieben worden ist, ist genannte Interpretation. Die Interpretationen der verschiedenen Darsteller derselben Musik können sich weit ändern. Komponisten und Liedschriftsteller, die ihre eigene Musik präsentieren, dolmetschen genauso viel als diejenigen, die die Musik von anderen oder Volksmusik durchführen. Der Standardkörper der Wahl- und Technik-Gegenwart zu einem festgelegten Zeitpunkt und eines gegebenen Platzes wird Leistungspraxis genannt, wohingegen Interpretation allgemein verwendet wird, um entweder individuelle Wahlen eines Darstellers oder einen Aspekt der Musik zu bedeuten, die nicht klar ist, und deshalb eine "Standard"-Interpretation hat.

In einigen Musikgenres, wie Jazz und Niedergeschlagenheit, wird noch mehr Freiheit dem Darsteller gegeben, um sich mit der Improvisation auf einem grundlegenden melodischen, harmonischen oder rhythmischen Fachwerk zu beschäftigen. Die größte Breite wird dem Darsteller in einem Stil gegeben zu leisten hat freie Improvisation genannt, die materiell ist, von dem (vorgestellt) spontan "gedacht" wird, während man, nicht vorgefasst durchgeführt wird. Improvisierte Musik folgt gewöhnlich stilistisch oder Genre-Vereinbarung, und sogar "völlig zusammengesetzt" schließt ein frei gewähltes Material ein. Zusammensetzung bedeutet den Gebrauch der Notation oder die bekannte alleinige Autorschaft einer Person nicht immer. Musik kann auch durch das Beschreiben eines "Prozesses" bestimmt werden, der Musiktöne schafft. Beispiele dieser Reihe von Windgeläuten durch Computerprogramme wählt das Töne aus. Die Musik von zufälligen Elementen wird Musik von Aleatoric genannt, und wird mit solchen Komponisten wie John Cage, Morton Feldman und Witold Lutosławski vereinigt.

Musik kann für die wiederholte Leistung zusammengesetzt werden, oder es kann improvisiert werden: zusammengesetzt an Ort und Stelle. Die Musik kann völlig auswendig, von einem schriftlichen System der Musiknotation oder einer Kombination von beiden durchgeführt werden. Die Studie der Zusammensetzung ist durch die Überprüfung von Methoden und Praxis der klassischen Westmusik traditionell beherrscht worden, aber die Definition der Zusammensetzung ist breit genug, um spontan improvisierte Arbeiten wie diejenigen von freien Jazzdarstellern und afrikanischen Drummern wie die Mutterschaf-Drummer einzuschließen.

Notation

Notation ist der schriftliche Ausdruck von Musik-Zeichen und Rhythmen auf Papier mit Symbolen. Wenn Musik niedergeschrieben wird, die Würfe und der Rhythmus der Musik, wird zusammen mit Instruktionen darauf in Notenschrift geschrieben, wie man die Musik durchführt. Die Studie dessen, wie man Notation liest, ist mit Musik-Theorie, Harmonie, der Studie der Leistungspraxis, und in einigen Fällen einem Verstehen von historischen Leistungsmethoden verbunden. Schriftliche Notation ändert sich mit dem Stil und Periode der Musik. In der Westkunstmusik sind die allgemeinsten Typen der schriftlichen Notation Hunderte, die alle Musik-Teile eines Ensemble-Stückes und Teile einschließen, die die Musik-Notation für die individuellen Darsteller oder Sänger sind. In der volkstümlichen Musik, dem Jazz und der Niedergeschlagenheit, ist die Standardmusiknotation die Leitungsplatte, die die Melodie, Akkorde, Lyrik in Notenschrift schreibt (wenn es ein stimmliches Stück ist), und die Struktur der Musik. Hunderte und Teile werden auch in der volkstümlichen Musik und dem Jazz besonders in großen Ensembles wie "Jazzbig Bands verwendet."

In der volkstümlichen Musik lesen Gitarrenspieler und elektrische Bassspieler häufig im Tafelgemälde in Notenschrift geschriebene Musik (häufig abgekürzt als "Etikett"), der die Position der auf dem Instrument zu spielenden Zeichen mit einem Diagramm der Gitarre oder des Bassgriffbrettes anzeigt. Tabulature wurde auch im Barocken Zeitalter verwendet, um Musik für den Kitt, ein zerfressenes Saiteninstrument in Notenschrift zu schreiben. In Notenschrift geschriebene Musik wird als Notenblätter erzeugt. Musik aus der Notation durchzuführen, verlangt ein Verstehen sowohl der rhythmischen Elemente als auch Wurf-Elemente, die in die Symbole und die Leistungspraxis aufgenommen sind, die mit einem Musikstück oder einem Genre vereinigt wird.

Improvisation

Musikimprovisation ist die Entwicklung der spontanen Musik. Improvisation wird häufig als eine Tat der sofortigen Zusammensetzung von Darstellern betrachtet, wo compositional Techniken mit oder ohne Vorbereitung verwendet werden. Improvisation ist ein Hauptteil von einigen Typen der Musik, wie Niedergeschlagenheit, Jazz und Jazzfusion, in der instrumentale Darsteller Solo und Melodie-Linien improvisieren. In der Westkunstmusik-Tradition war Improvisation eine wichtige Sachkenntnis während des Barocken Zeitalters und während des Klassischen Zeitalters; Solodarsteller und Sänger haben Virtuose-Kadenz während Konzerte improvisiert. Jedoch, im 20. und das 21. Jahrhundert, hat Improvisation eine kleinere Rolle in der Westkunstmusik gespielt.

Theorie

Musik-Theorie umfasst die Natur und Mechanik der Musik. Es schließt häufig sich identifizierende Muster ein, die die Techniken und das Überprüfen von Komponisten der Sprache und Notation der Musik regeln. In einem großartigen Sinn destilliert Musik-Theorie und analysiert die Rahmen oder Elemente der Musik - Rhythmus, Harmonie (harmonische Funktion), Melodie, Struktur, Form und Textur. Weit gehend kann Musik-Theorie jede Behauptung, Glauben oder Vorstellung oder über die Musik einschließen. Leute, die diese Eigenschaften studieren, sind als Musik-Theoretiker bekannt. Einige haben Akustik, menschliche Physiologie und Psychologie zur Erklärung dessen angewandt, wie, und warum Musik wahrgenommen wird. Musik hat viele verschiedene Grundlagen oder Elemente. Diese sind, aber werden nicht beschränkt auf: Wurf, geschlagen oder Puls, Rhythmus, Melodie, Harmonie, Textur, Zuteilung von Stimmen, Timbre oder Farbe, ausdrucksvolle Qualitäten (Dynamik und Aussprache), und Form oder Struktur.

Wurf ist eine subjektive Sensation, allgemein die Tiefe oder Höhe eines Tons widerspiegelnd. Rhythmus ist die Einordnung von Tönen und bringt rechtzeitig zum Schweigen. Meter belebt Zeit mit regelmäßigen Pulsgruppierungen, genannt Maßnahmen oder Bars. Eine Melodie ist eine Reihe von Zeichen, die in der Folge klingen. Die Zeichen einer Melodie werden normalerweise in Bezug auf Wurf-Systeme wie Skalen oder Weisen geschaffen. Harmonie ist die Studie von vertikalen Klängen in der Musik. Vertikaler Klang bezieht sich auf das Betrachten der Beziehungen zwischen Würfen, die zusammen vorkommen; gewöhnlich bedeutet das zur gleichen Zeit, obwohl Harmonie auch durch eine Melodie einbezogen werden kann, die eine harmonische Struktur entwirft. Zeichen können in verschiedene Skalen und Weisen eingeordnet werden. Westmusik-Theorie teilt allgemein die Oktave in eine Reihe von 12 Zeichen, die in ein Musikstück eingeschlossen werden könnten. In der Musik das schriftliche Verwenden des Systems der hauptgeringen Klangfarbe bestimmt der Schlüssel eines Stückes die verwendete Skala. Musiktextur ist der gesamte Ton eines Musikstücks, das allgemein gemäß der Zahl und Beziehung zwischen Teilen oder Linien der Musik beschrieben ist: monofalsch, heterophony, Polyfonie, homophony, oder monody.

Timbre, manchmal genannt "Farbe" oder "Ton-Farbe" ist die Qualität oder der Ton einer Stimme oder Instrumentes. Ausdrucksvolle Qualitäten sind jene Elemente in der Musik, die Änderung in der Musik schaffen, die mit dem Wurf, Rhythmus oder Timbre nicht verbunden sind. Sie schließen Dynamik und Aussprache ein. Form ist eine Seite der Musik-Theorie, die das Konzept der Musiksyntax auf einem lokalen und globalen Niveau erforscht. Beispiele von Standardformen der Westmusik schließen die Fuge, die Erfindung, die Sonate allegro, den Kanon, strophic, das Thema und die Schwankungen und das Rondo ein. Volkstümliche Musik macht häufig von der Strophic-Form häufig in Verbindung mit Zwölf Bar-Niedergeschlagenheit Gebrauch. Analyse ist die Anstrengung, Musik zu beschreiben und zu erklären.

Erkennen

Das Feld des Musik-Erkennens schließt die Studie von vielen Aspekten der Musik einschließlich ein, wie es von Zuhörern bearbeitet wird. Anstatt die Standardmethoden des Analysierens, Bestehens und Durchführens der Musik als ein gegebener zu akzeptieren, bemüht sich viel Forschung im Musik-Erkennen stattdessen, die geistigen Prozesse aufzudecken, die diesen Methoden unterliegen. Außerdem bemüht sich die Forschung im Feld, Allgemeinheiten zwischen den Musiktraditionen von ungleichen Kulturen und möglichen kognitiven "Einschränkungen" aufzudecken, die diese Musiksysteme beschränken. Fragen bezüglich der Musikangeborenkeit und emotionale Antworten auf die Musik sind auch Hauptgebiete der Forschung im Feld.

Taube Leute können Musik erfahren, indem sie die Vibrationen in ihrem Körper, einen Prozess fühlen, der erhöht werden kann, wenn die Person einen widerhallenden, hohlen Gegenstand hält. Ein wohl bekannter tauber Musiker ist der Komponist Ludwig van Beethoven, der viele berühmte Arbeiten sogar zusammengesetzt hat, nachdem er sein Hören völlig verloren hatte. Neue Beispiele von tauben Musikern schließen Evelyn Glennie, einen hoch mit Jubel begrüßten Schlagzeuger ein, der seit dem Alter zwölf, und Chris Buck, ein Virtuose-Geiger taub gewesen ist, der sein Hören verloren hat. Das ist wichtig, weil es anzeigt, dass Musik ein tieferer kognitiver Prozess ist als ungeprüfte Ausdrücke solcher als, "angenehm zum Ohr" deutet an. Viel Forschung im Musik-Erkennen bemüht sich, diese komplizierten geistigen Prozesse aufzudecken, die am Zuhören Musik beteiligt sind, die intuitiv einfach scheinen kann, noch gewaltig kompliziert und kompliziert ist.

Die Universität des Montrealer Forschers Valorie Salimpoor und ihrer Kollegen hat jetzt gezeigt, dass die angenehmen mit der emotionalen Musik vereinigten Gefühle das Ergebnis der Dopamine-Ausgabe im striatum - dieselben anatomischen Gebiete sind, die die vorwegnehmenden und lohnenden Aspekte der Drogenabhängigkeit unterstützen.

Soziologie

Musik wird von Personen in einer Reihe von sozialen Hintergründen im Intervall davon erfahren, allein zum Beachten einem großen Konzert zu sein. Musikleistungen nehmen verschiedene Formen in verschiedenen Kulturen und sozioökonomischen Milieus an. In Europa und Nordamerika gibt es häufig ein Teilen dazwischen, welche Typen der Musik als eine "hohe Kultur" und "niedrige Kultur angesehen werden." Typen "High culture" der Musik schließen normalerweise Westkunstmusik wie Barock, Klassisch, Romantisch, und Symphonien des modernen Zeitalters, Konzerte und Soloarbeiten ein, und werden normalerweise in formellen Konzerten in Konzertsälen und Kirchen mit dem Publikum gehört, das ruhig in Sitzen sitzt.

Andere Typen der Musik — einschließlich, aber nicht beschränkt auf, Jazz, Niedergeschlagenheit, Seele und Land — werden häufig in Bars, Nachtklubs und Theatern durchgeführt, wo das Publikum im Stande sein kann, zu trinken, zu tanzen, und sich zu äußern, indem es jubelt. Bis zum späteren 20. Jahrhundert wurde die Abteilung zwischen "hohen" und "niedrigen" Musikformen als eine gültige Unterscheidung weit akzeptiert, die bessere Qualität getrennt hat, hat fortgeschrittenere "Kunstmusik" von den populären Stilen der Musik in Bars und Tanzlokalen gehört.

Jedoch, in den 1980er Jahren und 1990er Jahren, teilen sich Musikwissenschaftler, die studieren, den das wahrgenommen hat, zwischen "hohen" und "niedrigen" Musikgenres hat behauptet, dass diese Unterscheidung auf dem Musikwert oder der Qualität der verschiedenen Typen der Musik nicht basiert. Eher haben sie behauptet, dass diese Unterscheidung größtenteils auf der socioeconomics stehenden oder sozialen Klasse der Darsteller oder dem Publikum der verschiedenen Typen der Musik basiert hat. Zum Beispiel, wohingegen das Publikum für Klassische Symphonie-Konzerte normalerweise überdurchschnittliche Einkommen hat, kann das Publikum für ein Klopfen-Konzert in einem Innenstadt-Gebiet unterdurchschnittliche Einkommen haben. Wenn auch die Darsteller, das Publikum oder der Treffpunkt, wo nicht - "Kunst"-Musik durchgeführt wird, einen niedrigeren sozioökonomischen Status, die Musik haben können, die, wie Niedergeschlagenheit, Klopfen, Punkrock, Schiss durchgeführt wird, oder ska kann sehr kompliziert und hoch entwickelt sein.

Wenn Komponisten Stile der Musik einführen, die mit Tagung Schluss machen, kann es einen starken Widerstand von akademischen Musik-Experten und populärer Kultur geben. Streichquartette von Beethoven der späten Periode, Ballett-Hunderte von Stravinsky, serialism, Bebop-Zeitalter-Jazz, Hüfte-Sprung, Punkrock und electronica sind alle als Nichtmusik von einigen Kritikern betrachtet worden, als sie zuerst eingeführt wurden. Solche Themen werden in der Soziologie der Musik untersucht. Die soziologische Studie der Musik, manchmal genannt sociomusicology, wird häufig in Abteilungen der Soziologie, Mediastudien oder Musik verfolgt, und ist nah mit dem Feld von ethnomusicology verbunden.

Medien und Technologie

Die Musik, die Komponisten machen, kann durch mehrere Medien gehört werden; der traditionellste Weg ist, es zu hören, in die Anwesenheit, oder als einer der Musiker leben. Lebende Musik kann auch im Radio, Fernsehen oder das Internet übertragen werden. Einige Musikstile konzentrieren sich darauf, einen Ton für eine Leistung zu erzeugen, während sich andere darauf konzentrieren, eine Aufnahme zu erzeugen, die zusammen Töne mischt, die "lebend" nie gespielt wurden. Die Aufnahme, sogar im Wesentlichen lebender Stile, verwendet häufig die Fähigkeit, zu editieren und zu spleißen, um Aufnahmen betrachtet besser zu erzeugen, als die wirkliche Leistung.

Da Unterhaltung von Bildern am Anfang des 20. Jahrhunderts mit ihren bespielten Musikspuren erschienen ist, hat sich eine steigende Zahl von moviehouse Orchester-Musikern arbeitslos gefunden. Während der 1920er Jahre waren lebende Musikleistungen durch Orchester, Pianisten und Theaterorganisten an erst-geführten Theatern üblich. Mit dem Kommen von den Unterhaltungsfilmen wurden jene gestalteten Leistungen größtenteils beseitigt. Die amerikanische Föderation von Musikern (AFM) hat Zeitungsanzeigen weggenommen, die gegen den Ersatz von lebenden Musikern mit mechanischen spielenden Geräten protestieren. Eine 1929-Anzeige, die in der Pittsburger Presse erschienen ist, zeigt ein Image einer Dose etikettiert "Konservierte Musik / Große Geräuschmarke / Versichert, um Keine Intellektuelle oder Emotionale Reaktion Was auch immer" Zu erzeugen

Seit der Gesetzgebung, die eingeführt ist, um zu helfen, Darsteller zu schützen, haben Komponisten, Herausgeber und Erzeuger, einschließlich des Audiohausaufnahme-Gesetzes von 1992 in den Vereinigten Staaten, und 1979 Berner Tagung für den Schutz von Literarischen und Künstlerischen Arbeiten im Vereinigten Königreich revidiert, Aufnahmen und lebende Leistungen sind auch zugänglicher durch Computer, Geräte und Internet in einer Form geworden, die als Musik auf Verlangen allgemein bekannt ist.

In vielen Kulturen gibt es weniger Unterscheidung zwischen Durchführen und Zuhören Musik, da eigentlich jeder an einer Art Musiktätigkeit beteiligt, häufig kommunal wird. In industrialisierten Ländern, Musik durch eine registrierte Form, wie gesunde Aufnahme oder Beobachtung eines Musik-Videos zuhörend, ist mehr üblich geworden als das Erfahren lebender Leistung grob in der Mitte des 20. Jahrhunderts.

Manchmal vereinigen lebende Leistungen bespielte Töne. Zum Beispiel verwendet ein Diskjockey Scheibe-Aufzeichnungen für das Kratzen, und einige Arbeiten des 20. Jahrhunderts haben ein Solo für ein Instrument oder Stimme, die zusammen mit der Musik durchgeführt wird, die auf ein Band bespielt ist. Computer und viele Tastaturen können programmiert werden, um Musik von Musical Instrument Digital Interface (MIDI) zu erzeugen und zu spielen. Zuschauer können auch Darsteller werden, indem sie an karaoke, einer Tätigkeit des japanischen Ursprungs teilnehmen, der auf ein Gerät in den Mittelpunkt gestellt ist, das stimmenbeseitigte Versionen von wohl bekannten Liedern spielt. Die meisten karaoke Maschinen haben auch Videoschirme, die Lyrik zu Liedern zeigen, die durchführen werden; Darsteller können der Lyrik folgen, weil sie über die instrumentalen Spuren singen.

Internet

Das Advent des Internets hat die Erfahrung der Musik, teilweise durch die vergrößerte Bequemlichkeit des Zugangs zur Musik und der vergrößerten Wahl umgestaltet. Chris Anderson, in seinem Buch Der Lange Schwanz: Warum die Zukunft des Geschäfts Weniger von Mehr Verkauft, weist darauf hin, dass, während das Wirtschaftsmodell des Angebots und Nachfrage Knappheit beschreibt, das Interneteinzelmodell auf dem Überfluss basiert. Digitallagerungskosten sind niedrig, so kann sich eine Gesellschaft leisten, seinen ganzen Warenbestand verfügbare gebende Online-Kunden so viel Wahl wie möglich zu machen. Es ist so wirtschaftlich lebensfähig geworden, um Produkte anzubieten, für die sich sehr wenige Menschen interessieren. Das wachsende Bewusstsein von Verbrauchern ihrer vergrößerten Wahl läuft auf eine nähere Vereinigung zwischen hörenden Geschmäcken und sozialer Identität und der Entwicklung von Tausenden von Nische-Märkten hinaus.

Eine andere Wirkung des Internets entsteht mit Online-Gemeinschaften wie YouTube und MySpace, ein sozialer Netzwerkanschlussdienst. Solche Seiten vereinfachen das Anschließen mit anderen Musikern, und erleichtern außerordentlich den Vertrieb der Musik. Berufsmusiker verwenden auch YouTube als ein freier Herausgeber des Beförderungsmaterials. Benutzer von YouTube laden zum Beispiel nicht mehr nur herunter und hören MP3s zu, sondern auch schaffen aktiv ihr eigenes. Gemäß Don Tapscott und Anthony D. Williams, in ihrem Buch Wikinomics, hat es eine Verschiebung von einer traditionellen Verbraucherrolle bis gegeben, was sie eine "prosumer" Rolle, ein Verbraucher nennen, der sowohl schafft als auch sich verzehrt. Manifestationen davon in der Musik schließen die Produktion des Mansches, der Wiedermischungen und der Musik-Videos durch Anhänger ein.

Geschäft

Die Musik-Industrie bezieht sich auf die Geschäftsindustrie, die mit der Entwicklung und dem Verkauf der Musik verbunden ist. Es besteht aus Rekordgesellschaften, Etiketten und Herausgebern, die Schallplattenmusik-Produkte international verteilen, und die häufig die Rechte auf jene Produkte kontrollieren. Einige Musik-Etiketten sind "unabhängig", während andere Tochtergesellschaften von größeren korporativen Entitäten oder internationale Mediagruppen sind. In den 2000er Jahren hatte die zunehmende Beliebtheit, Musik als Digitalmusik-Dateien auf MP3 Spielern, iPods oder Computern, und der Handelsmusik auf Dateiteilen-Seiten oder dem Kaufen davon online in der Form von Digitaldateien zuzuhören, einen Haupteinfluss auf das traditionelle Musik-Geschäft. Viele kleinere unabhängige CD-Läden sind aus dem Geschäft gegangen, weil Musik-Käufer ihre Käufe von CDs vermindert haben, und viele Etiketten niedrigere CD-Verkäufe hatten. Einige Gesellschaften sind mit der Änderung zu einem Digitalformat aber wie iTunes des Apfels, ein Online-Laden gesund gewesen, der Digitaldateien von Liedern über das Internet verkauft.

Ausbildung

Unprofessionell

Die Integration der Musik-Ausbildung vom vorschulischen, um höhere Schulbildung anzuschlagen, ist in Nordamerika und Europa üblich. Wie man denkt, unterrichtet die Beteiligung an der Musik grundlegende Fähigkeiten wie Konzentration, das Zählen, das Hören und die Zusammenarbeit, während sie auch das Verstehen der Sprache, Besserung der Fähigkeit fördert, Information und das Schaffen einer Umgebung zurückzurufen, die dem Lernen in anderen Gebieten förderlicher ist. In Grundschulen lernen Kinder häufig, Instrumente wie der Recorder zu spielen, in kleinen Chören zu singen, und über die Geschichte der Westkunstmusik zu erfahren. In Höheren Schulen können Studenten die Gelegenheit haben, einen Typ von Musikensembles, wie Chöre, marschierende Bänder, Konzertbands, Jazzbands oder Orchester, und in einigen Schulsystemen durchzuführen, Musik-Klassen können verfügbar sein. Einige Studenten nehmen auch private Musik-Lehren mit einem Lehrer. Amateurmusiker nehmen normalerweise Lehren, um Musikansätze und Anfänger - zu Zwischenniveau-Musical-Techniken zu erfahren.

Am Universitätsniveau können Studenten in den meisten Künsten und Geisteswissenschaften-Programmen Kredit erhalten, um Musik-Kurse zu nehmen, die normalerweise die Form eines Übersicht-Kurses über die Geschichte der Musik oder eines Musik-Anerkennungskurses annehmen, der sich darauf konzentriert, Musik zuzuhören und über verschiedene Musikstile zu erfahren. Außerdem haben die meisten nordamerikanischen und europäischen Universitäten einen Typ von Musikensembles, dass Nichtmusik-Studenten im Stande sind, an, wie Chöre, marschierende Bands oder Orchester teilzunehmen. Die Studie der Westkunstmusik ist außerhalb Nordamerikas und Europas, wie das indonesische Institut für die Künste in Yogyakarta, Indonesien oder die klassischen Musik-Programme immer üblicher, die in asiatischen Ländern wie Südkorea, Japan und China verfügbar sind. Zur gleichen Zeit machen Westuniversitäten und Universitäten ihren Lehrplan breiter, um Musik von Nichtwestkulturen, wie die Musik Afrikas oder Bali einzuschließen (z.B. Musik von Gamelan).

Akademie

Musikwissenschaft ist die Studie des Themas der Musik. Die frühsten Definitionen haben drei Subdisziplinen definiert: systematische Musikwissenschaft, historische Musikwissenschaft, und vergleichende Musikwissenschaft oder ethnomusicology. In der zeitgenössischen Gelehrsamkeit wird man mit größerer Wahrscheinlichkeit auf eine Abteilung der Disziplin in die Musik-Theorie, Musik-Geschichte und ethnomusicology stoßen. Die Forschung in der Musikwissenschaft ist häufig durch die quer-disziplinarische Arbeit zum Beispiel im Feld von psychoacoustics bereichert worden. Die Studie der Musik von Nichtwestkulturen und die kulturelle Studie der Musik, werden ethnomusicology genannt. Studenten können die Studentenstudie der Musikwissenschaft, ethnomusicology, Musik-Geschichte und Musik-Theorie durch mehrere verschiedene Typen von Graden, einschließlich eines B.Mus, eines Bakkalaureus der philosophischen Fakultät mit der Konzentration in der Musik, eines Bakkalaureus der philosophischen Fakultät mit Besonderen Auszeichnungen in der Musik oder eines Bakkalaureus der philosophischen Fakultät in der Musik-Geschichte und Literatur verfolgen. Absolventen von Studentenmusik-Programmen können fortsetzen, weiter in Musik-Magisterstudiengängen zu studieren.

Absolventengrade schließen den Master der Musik, des Magisters Artium, des Doktors (Dr.) (z.B, in der Musikwissenschaft oder Musik-Theorie), und mehr kürzlich, der Arzt von Musikkünsten oder DMA ein. Der Master des Musik-Grads, der ein bis zwei Jahre nimmt, um zu vollenden, wird normalerweise Studenten zuerkannt, die die Leistung eines Instrumentes, Ausbildung, Stimme oder Zusammensetzung studieren. Der Grad des Magisters Artium, der ein bis zwei Jahre nimmt, um zu vollenden, und häufig eine These verlangt, wird normalerweise Studenten zuerkannt, die Musikwissenschaft, Musik-Geschichte oder Musik-Theorie studieren. Studentenuniversitätsgrade in der Musik, einschließlich des Junggesellen der Musik, des Junggesellen der Musik-Ausbildung und des Bakkalaureus der philosophischen Fakultät (mit einem Major in der Musik) nehmen normalerweise drei bis fünf Jahre, um zu vollenden. Diese Grade versorgen Studenten mit einem Fundament in der Musik-Theorie- und Musik-Geschichte, und viele Studenten studieren auch ein Instrument oder erfahren Singen-Technik als ein Teil ihres Programms.

Der Dr., der für Studenten erforderlich ist, die als ordentliche Professoren in der Musikwissenschaft, Musik-Geschichte oder Musik-Theorie arbeiten wollen, nimmt drei bis fünf Jahre der Studie nach dem Magisterabschluss, während deren Zeit der Student fortgeschrittene Kurse vollenden und Forschung für eine Doktorarbeit übernehmen wird. Der DMA ist ein relativ neuer Grad, der geschaffen wurde, um ein Zeugnis für Berufsdarsteller oder Komponisten zur Verfügung zu stellen, die als ordentliche Professoren in der Musikleistung oder Zusammensetzung arbeiten wollen. Der DMA nimmt drei bis fünf Jahre nach einem Magisterabschluss, und schließt fortgeschrittene Kurse, Projekte und Leistungen ein. In Mittelalterlichen Zeiten war die Studie der Musik einer von Quadrivium der sieben Geisteswissenschaften und hat als lebenswichtig für das höhere Lernen betrachtet. Innerhalb quantitativen Quadrivium war Musik, oder genauer Obertöne, die Studie von vernünftigen Verhältnissen.

Zoomusicology ist die Studie der Musik von nichtmenschlichen Tieren oder der Musikaspekte von von nichtmenschlichen Tieren erzeugten Tönen. Wie George Herzog (1941) fragte, "haben Tiere Musik?" Der Musique von François-Bernard Mâche, mythe, Natur, ou les Dauphins d'Arion (1983), eine Studie "der Ornitho-Musikwissenschaft" mit einer Technik des Langage von Nicolas Ruwet, musique, poésie (1972) paradigmatische Segmentationsanalyse, zeigt, dass Vogel-Lieder gemäß einem Wiederholungstransformationsgrundsatz organisiert werden. Jean-Jacques Nattiez (1990), behauptet, dass "in der letzten Analyse es ein Mensch ist, der entscheidet, was ist und nicht Musical ist, selbst wenn der Ton nicht des menschlichen Ursprungs ist. Wenn wir zugeben, dass Ton nicht organisiert und gedanklich verarbeitet (d. h. gemacht wird, Musik zu bilden), bloß durch seinen Erzeuger, aber durch die Meinung, die es wahrnimmt, dann ist Musik einzigartig menschlich."

Musik-Theorie ist die Studie der Musik allgemein auf eine hoch technische Weise außerhalb anderer Disziplinen. Weit gehender bezieht es sich auf jede Studie der Musik, die gewöhnlich in einer Form mit Compositional-Sorgen verbunden ist, und kann Mathematik, Physik und Anthropologie einschließen. Was meistens in beginnenden Musik-Theorie-Klassen unterrichtet wird, sind Richtlinien, um im Stil der Periode der üblichen Praxis oder Tonmusik zu schreiben. Theorie, sogar der Musik der Periode der üblichen Praxis, kann viele andere Formen annehmen. Musikmengenlehre ist die Anwendung der mathematischen Mengenlehre zur Musik, die zuerst auf die atonale Musik angewandt ist. Spekulative Musik-Theorie, die mit der analytischen Musik-Theorie gegenübergestellt ist, wird der Analyse und Synthese von Musik-Materialien gewidmet, zum Beispiel Systeme allgemein als Vorbereitung der Zusammensetzung abstimmend.

Ethnomusicology

Ethnomusicology

Im Westen, viel von der Geschichte der Musik, die Geschäfte mit der Kunstmusik der Westzivilisation unterrichtet wird. Die Geschichte der Musik in anderen Kulturen ("Weltmusik" oder das Feld von "ethnomusicology") wird auch in Westuniversitäten unterrichtet. Das schließt die dokumentierten klassischen Traditionen von asiatischen Ländern außerhalb des Einflusses Westeuropas, sowie der Leute oder einheimischen Musik von verschiedenen anderen Kulturen ein. Populäre Stile der Musik haben sich weit von der Kultur bis Kultur, und von der Periode bis zur Periode geändert. Verschiedene Kulturen haben verschiedene Instrumente, oder Techniken oder Gebrauch für die Musik betont. Musik ist nicht nur für die Unterhaltung, für Zeremonien, und für die praktische und künstlerische Kommunikation, sondern auch für die Propaganda verwendet worden.

Es gibt einen Gastgeber von Musik-Klassifikationen, von denen viele im Argument über die Definition der Musik ergriffen werden. Unter den größten von diesen ist die Abteilung zwischen der klassischen Musik (oder "Kunst"-Musik), und volkstümlichen Musik (oder kommerziellen Musik - einschließlich des Rocks, der Countrymusic und der Popmusik). Einige Genres passen ordentlich in eine dieser "großen zwei" Klassifikationen, (wie Volksmusik, Weltmusik oder Jazzmusik) nicht.

Da Weltkulturen in größeren Kontakt eingetreten sind, haben sich ihre einheimischen Musikstile häufig in neue Stile verschmolzen. Zum Beispiel enthält der USA-Wiesenrispengras-Stil Elemente von anglo-irischen, schottischen, irischen, deutschen und afrikanischen instrumentalen und stimmlichen Traditionen, die im Stande gewesen sind, in der mehrethnischen USA-Gesellschaft durchzubrennen. Genres der Musik werden so viel durch die Tradition und Präsentation bestimmt wie durch die wirkliche Musik. Einige Arbeiten, wie die Rhapsodie von George Gershwin im Blau, werden sowohl durch die klassische als auch durch Jazzmusik gefordert, während Porgy von Gershwin und Bess und die Westseitengeschichte von Leonard Bernstein sowohl von der Oper als auch von der Musical-Tradition von Broadway gefordert werden. Viele aktuelle Musik-Feste feiern ein besonderes Musikgenre.

Indianermusik ist zum Beispiel einer der ältesten und längsten lebenden Typen der Musik, und wird noch weit gehört und im Südlichen Asien, sowie international (besonders seit den 1960er Jahren) durchgeführt. Indianermusik hat hauptsächlich drei Formen von klassischer Musik, Inder, Carnatic und Stilen von Dhrupad. Es hat auch ein großes Repertoire von Stilen, die nur Schlagzeug-Musik wie die talavadya im Südlichen Indien berühmten Leistungen einschließen.

Musik-Therapie

Musik-Therapie ist ein zwischenmenschlicher Prozess, in dem der Therapeut Musik und alle seine Seiten — physisch, emotional, geistig, sozial, ästhetisch, und geistig verwendet — um Kunden zu helfen, ihre Gesundheit zu verbessern oder aufrechtzuerhalten. In einigen Beispielen werden die Bedürfnisse des Kunden direkt durch die Musik gerichtet; in anderen werden sie durch die Beziehungen gerichtet, die sich zwischen dem Kunden und Therapeuten entwickeln. Musik-Therapie wird mit Personen aller Alter und mit einer Vielfalt von Bedingungen verwendet, einschließlich: psychiatrische Unordnungen, medizinische Probleme, physische Handikaps, Sinnesschwächungen, Entwicklungskörperbehinderungen, Substanz-Missbrauch, Nachrichtenunordnungen, zwischenmenschliche Probleme und Altern. Es ist auch gewöhnt an: Verbessern Sie das Lernen, bauen Sie Selbstachtung, reduzieren Sie Betonung, unterstützen Sie physische Übung, und erleichtern Sie einen Gastgeber anderer Gesundheitszusammenhängender Tätigkeiten.

Eine der frühsten Erwähnungen der Musik-Therapie war in Al-Farabi (c. 872 - 950) Abhandlungsbedeutungen des Intellekts, das die therapeutischen Effekten der Musik auf der Seele beschrieben hat. Musik ist lange verwendet worden, um Leuten zu helfen, sich mit ihren Gefühlen zu befassen. Im 17. Jahrhundert, der Gelehrte Robert Burton Die Anatomie der Melancholie hat behauptet, dass Musik und Tanz im Behandeln geistiger Krankheit, besonders Schwermut kritisch waren. Er hat bemerkt, dass Musik eine "ausgezeichnete Macht hat..., um viele andere Krankheiten zu vertreiben", und er sie "ein souveränes Heilmittel gegen die Verzweiflung und Melancholie genannt hat." Er hat darauf hingewiesen, dass in der Altertümlichkeit Canus, ein Geiger von Rhodian, Musik verwendet hat, um einen Melancholie-Mann fröhlich... ein Geliebter mehr verliebt, ein religiöser frommerer Mann "zu machen." Im November 2006 haben Dr Michael J. Crawford und seine Kollegen auch gefunden, dass Musik-Therapie schizophrenen Patienten geholfen hat. Im Osmanischen Reich wurden geistige Krankheiten mit der Musik behandelt.

Siehe auch

• :
• Mit der Musik spezifische Unordnungen
• Listen von Musikern

Weiterführende Literatur

• Colles, Henry Cope (1978). Das Wachstum der Musik: Eine Studie in der Musikgeschichte, 4. Hrsg., London; New York: Presse der Universität Oxford. Internationale Standardbuchnummer 0-19-316116-8 (1913-Ausgabe online an Google-Büchern)
• Klein, Christopher (1977). Musik, Gesellschaft, Ausbildung. Herausgeber von John Calder, London. Internationale Standardbuchnummer 0-7145-3614-8

Links

• BBC-Druckwelle-Musik Für 13 19 Jahr alt, das für das Lernen von, das Bilden, das Durchführen und die Unterhaltung über die Musik interessiert ist.
• Das Multimediamusik-Wörterbuch von Virginia Tech, mit Definitionen, Artikulationen, Beispielen, fragt aus und Simulationen
• Die Musik-Enzyklopädie des Musik-Webs, für Musiker, Komponisten und Musik-Geliebte
• Dolmetsch gratis online Musik-Wörterbuch, abgeschlossen, mit Verweisungen auf eine Liste von Spezialmusik-Wörterbüchern (durch den Kontinent, durch das Instrument, durch das Genre, usw.)
• Musikbegriffe - das Wörterverzeichnis der Musik nennt von Naxos
• "Auf Hermeneutical Ethik und Ausbildung: Junggeselle als Erzieher" hält ein Vortrag von Prof. Miguel Ángel Quintana Paz, in dem er die Geschichte der verschiedenen Ansichten erklärt, über die Musik in Westgesellschaften seit dem Alten Griechenland zu unseren Tagen.
• Monatlich Online-Eigenschaften Von der Bloomingdale Schule der Musik, eine Vielfalt von Musikthemen für ein breites Publikum richtend
• Künste und Musik-Emporheben-Gesellschaft zu Transformations- und Toleranz-Artikeln haben vorgehabt, das Bewusstsein von Leuten über das Friedenserhöhen, das Umwandeln, die kommunikativen Bildungs- und Heilmächte der Musik zu stimulieren.
• Wissenschaftlicher Amerikaner, Musikkälte, die mit der Dopamine Gehirnausgabe zusammenhängend