(Mehrzahlstillleben) ist ein Kunststück, das größtenteils Gegenstand, normalerweise alltägliche Gegenstände zeichnet, die (Essen, Blumen, Werke, Felsen oder Schalen) entweder natürlich oder (das Trinken der Brille, Bücher, Vasen, Schmucksachen, Münzen, Pfeifen, und so weiter) künstlich sein können. Mit Ursprüngen im Mittleren Alter und der Alten griechischen/römischen Kunst geben Stillleben-Bilder dem Künstler mehr Rückstand in der Einordnung von Designelementen innerhalb einer Zusammensetzung, als Bilder anderer Typen von Themen wie Landschaft oder Porträtmalerei tun. Stillleben-Bilder besonders vor 1700 haben häufig religiöse und allegorische Symbolik in Zusammenhang mit den gezeichneten Gegenständen enthalten. Ein modernes Stillleben bricht die zweidimensionale Barriere und stellt dreidimensionale Mischmedien an, und verwendet gefundene Gegenstände, Fotografie, Computergrafik, sowie Video und Ton.

Vorangegangene Ereignisse

Stillleben-Bilder schmücken häufig das Interieur von alten ägyptischen Grabstätten. Es wurde geglaubt, dass Nahrungsmittelgegenstände und andere Sachen gezeichnet dort, im Leben nach dem Tod, echt und verfügbar für den Gebrauch durch den Verstorbenen werden würden. Alte griechische Vase-Bilder demonstrieren auch große Sachkenntnis im Zeichnen täglicher Gegenstände und Tiere. Ähnliches Stillleben, das einfacher in der Absicht, aber mit der realistischen Perspektive dekorativ ist, ist auch in den römischen Wandgemälden und Fußboden-Mosaiken gefunden worden, die an Pompeii, Herculaneum und der Villa Boscoreale einschließlich des späteren vertrauten Motivs einer Glasschüssel der Frucht ausgegraben sind. Dekorative Mosaiken haben "emblema" genannt, der in den Häusern von reichen Römern gefunden ist, haben die Reihe des Essens demonstriert, das durch die oberen Klassen genossen ist, und haben auch als Zeichen der Gastfreundschaft und als Feiern der Jahreszeiten und des Lebens fungiert. Vor dem 16. Jahrhundert würden Essen und Blumen wieder als Symbole der Jahreszeiten und der fünf Sinne erscheinen. Auch das Starten in römischen Zeiten ist die Tradition des Gebrauches des Schädels in Bildern, weil ein Symbol der Sterblichkeit und irdisch bleibt, häufig mit dem Begleitausdruck Omnia mors aequat (Macht Tod alle gleich). Diese vanitas Images sind im Laufe der letzten 400 Jahre der Kunstgeschichte wiederinterpretiert worden, mit holländischen Malern 1600 anfangend.

Die populäre Anerkennung des Realismus der Stillleben-Malerei ist in der alten griechischen Legende von Zeuxis und Parrhasius verbunden, die sich wie man sagt, einmal beworben haben, um die meisten lebensechten Gegenstände, die frühsten Beschreibungen der Geschichte der Trompe-L'œil-Malerei zu schaffen. Als Pliny der in alten römischen Zeiten registrierte Ältere wurden griechische Künstler bereits einige Jahrhunderte früher in den Künsten der Bildnis-Malerei und des Stilllebens vorgebracht. Er hat Peiraikos, "ausgesucht, wessen Künstlertum von nur ganz wenigen übertroffen wird... Er hat Herrenfriseursalons und die Marktbuden von Schuhmachern, Esel, Gemüsepflanzen und solchen gemalt, und ist deshalb gekommen, um den 'Maler von vulgären Themen' genannt zu werden; noch sind diese Arbeiten zusammen entzückend, und sie wurden zu höheren Preisen verkauft als das größte [Bilder] von vielen anderen Künstlern."

Mittleres Alter und Renaissance

Vor 1300, mit Giotto und seinen Schülern anfangend, wurde Stillleben-Malerei in der Form von erfundenen Nischen auf religiösen Wandgemälden wiederbelebt, die tägliche Gegenstände gezeichnet haben. Im Laufe des Mittleren Alters und der Renaissance ist das Stillleben in der Westkunst in erster Linie ein Zusatz zu christlichen religiösen Themen geblieben, und hat religiöse und allegorische Bedeutung einberufen. Das war in der Arbeit von Nordeuropäischen Künstlern besonders wahr, deren Faszination mit dem hoch ausführlichen optischen Realismus und der Symbolik sie dazu gebracht hat, große Aufmerksamkeit auf der gesamten Nachricht ihrer Bilder zu verschwenden. Maler wie Jan van Eyck haben häufig Stillleben-Elemente als ein Teil eines ikonografischen Programms verwendet.

Die Entwicklung der Ölgemälde-Technik durch Jan van Eyck und andere Nordeuropäische Künstler hat es möglich gemacht, tägliche Gegenstände auf diese hyperrealistische Mode, infolge des langsamen Trockners, des Mischens und der layering Qualitäten von Ölfarben zu malen. Unter dem ersten, um sich von der religiösen Bedeutung freizumachen, waren Leonardo da Vinci, der Aquarellstudien der Frucht (1495) als ein Teil seiner ruhelosen Überprüfung der Natur und Albrecht Dürer geschaffen hat, der auch genaue Zeichnungen der Flora und Fauna gemacht hat.

Das Bildnis von Petrus Christus Bräutigam, der einen Goldschmied besucht, ist ein typisches Beispiel eines Übergangsstilllebens, das sowohl religiösen als auch weltlichen Inhalt zeichnet. Obwohl größtenteils allegorisch, in der Nachricht sind die Zahlen des Paares realistisch und die Gegenstände gezeigt (Münzen, Behälter, usw.) werden genau gemalt, aber der Goldschmied ist wirklich ein Bild von St. Eligius und die schwer symbolischen Gegenstände. Ein anderer ähnlicher Typ der Malerei ist die Familienbildnis-Kombinieren-Zahlen mit einem gut gesetzten Tisch des Essens, das sowohl die Gläubigkeit der menschlichen Themen als auch ihren vielen Dank für den Überfluss des Gottes symbolisiert. Um diese Zeit begannen einfache Stillleben-Bilder, die Zahlen (aber nicht allegorische Bedeutung) geschieden sind, außerhalb Verschlüsse von privaten religiösen Bildern gemalt zu werden. Ein anderer Schritt zum autonomen Stillleben war die Malerei von symbolischen Blumen in Vasen auf der Rückseite von weltlichen Bildnissen 1475. Jacopo de' Barbari ist ein Schritt weiter mit seinem Stillleben mit dem Rebhuhn, den Eisenhandschuhen und den Armbrustbolzen (1504), unter den frühsten unterzeichneten und veralteten trompe-l'œil Stillleben-Bildern gegangen, der minimalen religiösen Inhalt enthält.

Das sechzehnte Jahrhundert

Das 16. Jahrhundert hat eine Explosion von Interesse in der natürlichen Welt und die Entwicklung von großzügigem botanischem encyclopædias Aufnahme der Entdeckungen der Neuen Welt und Asiens bezeugt. Es hat auch den Anfang der wissenschaftlichen Illustration und die Klassifikation von Mustern veranlasst. Natürliche Gegenstände haben begonnen, als individuelle Gegenstände der Studie abgesondert von irgendwelchen religiösen oder mythologischen Vereinigungen geschätzt zu werden. Die frühe Wissenschaft von Kräuterheilmitteln hat in dieser Zeit ebenso, einer praktischen Erweiterung dieser neuen Kenntnisse begonnen. Außerdem haben wohlhabende Schutzherren begonnen, die Sammlung des Tieres und der Mineralmuster zu unterschreiben, umfassende "Kuriositätskabinette" schaffend. Diese Muster haben als Modelle für Maler gedient, die Realismus und Neuheit gesucht haben. Schalen, Kerbtiere, exotische Früchte und Blumen haben begonnen, abgeholt und, und neue Werke wie die Tulpe (importiert nach Europa von der Türkei) getauscht zu werden, wurden in Stillleben-Bildern gefeiert. Die Gartenbauexplosion ist von breitem Ausbreitungsinteresse in Europa und darauf kapitalisiertem Künstler gewesen, um Tausende von Stillleben-Bildern zu erzeugen. Einige Gebiete und Gerichte hatten besondere Interessen. Das Bild der Zitrusfrucht war zum Beispiel eine besondere Leidenschaft des Gerichtes von Medici in Florenz, Italien. Diese große Verbreitung von natürlichen Mustern und dem knospenden Interesse an der natürlichen Illustration überall in Europa, hinausgelaufen die fast gleichzeitige Entwicklung von modernen Stillleben-Bildern 1600.

Vor der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts hat sich das autonome Stillleben entwickelt. Allmählich hat religiöser Inhalt in der Größe und dem Stellen in diesen Malerei verringert, obwohl moralische Lehren als Subzusammenhänge weitergegangen haben. Ein Beispiel ist "Die Metzgerei" durch Joachim Beuckelaer (1568), mit seinem realistischen Bild von rohem Fleisch, das den Vordergrund beherrscht, während eine Hintergrundszene die Gefahren der Betrunkenheit und Lüsternheit befördert. Die Behandlung von Annibale Carracci desselben Themas 1583 auch genannt die Metzgerei beginnt, die moralischen Nachrichten zu entfernen, wie andere "Küche und Markt" Stillleben-Bilder dieser Periode getan hat.

Galerie des sechzehnten Jahrhunderts

File:Jacopo de' Barbari 001.jpg|Jacopo de' Barbari (c. 1440 - vor 1516), Stillleben mit dem Rebhuhn und den Panzerhandschuhen (1504), Alte Pinakothek, München

File:Dürer, Albrecht - Kleine Eule - 1508.jpg|Albrecht Dürer (1471-1528), Eule, (1508), Aquarellfarbe und bodycolour, Albertina, Wien. Dürer hat sorgfältige Studien der Natur, einschließlich Bilder von Werken und Tieren gemacht.

File:Marten hat van Heemskerck 003.jpg|Maarten van Heemskerck (1498-1574), Familie von Pieter Jan Foppesz, vor c.1532, das erste Familienbildnis in der holländischen Porträtmalerei gedacht.

File:Annibale Carracci Der Beaneater.jpg|Annibale Carracci, Der Beaneater, 1580-1590, Galleria Colonna, Rom

File:Carracci-Butcher Geschäft jpg|Annibale Carracci (1560-1609), Metzgerei (1580), die Kirchgalerie Picture von Christus, Oxford

File:Joachim Beuckelaer 003.jpg|Joachim Beuckelaer, (1533-1575), Küchenszene, mit Jesus im Haus von Martha und Mary im Vordergrund, 1566.

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Das siebzehnte Jahrhundert

Wenn auch italienische Stillleben-Malerei an der Beliebtheit gewann, ist es historisch weniger respektiert geblieben als die "großartige Weise" Malerei von historischen, religiösen und mythischen Themen. Prominente Akademiemitglieder des Anfangs des 17. Jahrhunderts, wie Andrea Sacchi, haben gefunden, dass Genre und Stillleben-Malerei den "gravitas" nicht getragen haben, der verdient ist, um zu malen, um betrachtet zu werden, groß. Andererseits haben erfolgreiche italienische Stillleben-Künstler große Schirmherrschaft an ihrem Tag gefunden. Außerdem, Frau-Maler, haben wenige, wie sie waren, allgemein gewählt oder wurden auf die Malerei des Stilllebens eingeschränkt; Giovanna Garzoni, Laura Bernasconi, Maria Theresa van Thielen und Fede Galizia sind bemerkenswerte Beispiele.

Viele italienische Hauptkünstler in anderem Genre, hat auch einige Stillleben-Bilder erzeugt. Insbesondere Caravaggio hat seine einflussreiche Form des Naturalismus zum Stillleben angewandt. Sein Korb der Frucht (c. 1595-1600) ist eines der ersten Beispiele des reinen Stilllebens, genau gemacht und Satz in Augenhöhe. Obwohl nicht offen symbolisch diese Malerei von Kardinal Federico Borromeo im Besitz gewesen ist und sowohl aus religiösen als auch aus ästhetischen Gründen geschätzt worden sein kann. Jan Bruegel hat seinen Großen Milan Bouquet (1606) für den Kardinal gemalt ebenso behauptend, dass er gemalt hat, es 'fatta tutti del natturel' (hat alle von der Natur gemacht), und er hat zusätzlich für die Extraanstrengung gestürmt. Diese waren unter vielen Stillleben-Bildern in der Sammlung des Kardinals zusätzlich zu seiner großen Sammlung der Kuriosität. Unter anderem italienischem Stillleben Bernardo Strozzi ist Der Koch eine "Küchenszene" auf die holländische Weise, die sowohl ein ausführliches Bildnis eines Kochs als auch die Spielvögel ist, die sie vorbereitet. Auf eine ähnliche Weise, eines der seltenen Stillleben-Bilder von Rembrandt, verbindet das Kleine Mädchen mit Toten Pfauen ein ähnliches mitfühlendes weibliches Bildnis mit Images von Spielvögeln.

Italienische Galerie

File:Bodegon galizia.jpg|Fede Galizia (1578-1630), Äpfel in einem Teller, (c. 1593)

File:Caravaggio Korb der Frucht jpg|Caravaggio (1571-1610), Korb der Frucht, (c. 1599), Öl auf der Leinwand, Pinacoteca Ambrosiana, Mailand, Italien

Image:Giovanna Garzoni.jpg|Giovanna Garzoni (1600-1670), Stillleben mit der Schüssel von Zitronen (Tempera auf dem Velin), (1640), Getty-Museum, Pazifische Palisaden, Los Angeles, Kalifornien

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Niederländisch, das Flämisch, das Deutsch, das Portugiesisch und die spanischen Stillleben

Stillleben hat sich als eine getrennte Kategorie in den Niederlanden im letzten Viertel des 16. Jahrhunderts entwickelt, und der englische Begriff ist auf stilleven zurückzuführen: Stillleben, das ein calque ist, während Romanische Sprachen (und Russisch) dazu neigen, Begriffe zu gebrauchen, die tote Natur bedeuten. Das 15. Jahrhundert Früher Netherlandish hatte Malerei hoch illusionistic Techniken sowohl in der Tafel-Malerei entwickelt als auch Manuskripte illuminiert, wo die Grenzen häufig wohl durchdachte Anzeigen von Blumen, Kerbtieren und, in einer Arbeit wie die Stunden von Catherine von Cleves, einer großen Vielfalt von Gegenständen gezeigt haben. Als das beleuchtete Manuskript durch das gedruckte Buch versetzt wurde, wurden dieselben Sachkenntnisse später in der wissenschaftlichen botanischen Illustration aufmarschiert; die Niederlande haben Europa sowohl in der Botanik als auch in seinem Bild in der Kunst geführt. Joris Hoefnagel (1542-1601) gemachte Aquarellfarbe und Guasch-Bilder von Blumen und anderen Stillleben-Themen für den Kaiser Rudolf II, und gab es viele eingravierte Illustrationen für Bücher (häufig dann handfarbig) wie die Blütenlese von Hans Collaert, die von Plantin 1600 veröffentlicht ist.

In der spanischen Kunst ist ein bodegón eine Stillleben-Malerei, die Speiseschrank-Sachen, wie Lebensmittel, Spiel und Getränk häufig zeichnet, das auf einer einfachen Steinplatte, und auch einer Malerei mit einer oder mehr Zahlen, aber bedeutenden Stillleben-Elementen normalerweise eingeordnet ist, die in einer Küche oder Taverne gesetzt sind. In der Barocken Periode anfangend, sind solche Bilder populär in Spanien im zweiten Viertel des 17. Jahrhunderts geworden. Die Tradition der Stillleben-Malerei scheint, angefangen zu haben, und war in den zeitgenössischen Niedrigen Ländern, heute Belgien und die Niederlande (dann flämische und holländische Künstler) viel populärer, als es jemals im südlichen Europa war. Nördliche Stillleben hatten viele Subgenre; das Frühstücksstück wurde durch den trompe-l'œil, das Blumenbukett und den vanitas vermehrt. In Spanien gab es viel weniger Schutzherren für diese Sorte des Dings, aber ein Typ des Frühstücksstückes ist wirklich populär geworden, einige Gegenstände des Essens und auf einem Tisch gelegten Tafelgeschirrs zeigend.

Es gab auch einen Typ der sehr großen Küchen- oder Marktszene, die von Pieter van Aelst (1502-1550) und seinem Neffen Joachim Beuckelaer entwickelt ist. Mitten in einem Überfluss am Essen und Küchengeschirr-Stillleben, das von stämmigen flämischen Küchenhilfen beaufsichtigt ist, kann eine kleine religiöse Szene häufig in der Ferne ausgemacht werden, oder ein Thema wie die Vier Jahreszeiten erhebt das Thema. Diese Sorte des groß angelegten Stilllebens hat fortgesetzt, sich auf dem Flämisch zu entwickeln, nach der Trennung des Nordens und Südens malend, aber ist in der holländischen Malerei selten, obwohl andere Arbeiten in dieser Tradition die "fröhliche Gesellschaft" Typ der Genremalerei voraussehen.

Ungefähr 1600 Blumenbilder in Ölen sind etwas einer Verrücktheit geworden; Karel van Mander hat gemalt ein arbeiten selbst, und Aufzeichnungen, die andere Nördliche Mannerist Künstler wie Cornelis van Haarlem auch so getan haben. Keine überlebenden Blumenstücke durch sie sind bekannt, aber viele überleben durch die Hauptfachmänner, Jan Brueghel der Ältere und Ambrosius Bosschaert, der beide im Flämisch südlich von den Niederlanden geblieben sind.

Während Künstler im Norden beschränkte Gelegenheit gefunden haben, die religiöse Ikonographie zu erzeugen, die lange ihre Heftklammer gewesen war — wurden Images von religiösen Themen in der holländischen Reformierten Protestantischen Kirche verboten — die ständige Nördliche Tradition des ausführlichen Realismus und der verborgenen Symbole hat an den wachsenden holländischen Mittelstand appelliert, die Kirche und Staat als die Hauptschutzherren der Kunst in den Niederlanden ersetzten. Hinzugefügt dazu war die holländische Manie für den Gartenbau, besonders die Tulpe. Diese zwei Ansichten von Blumen — als ästhetische Gegenstände und als religiöse Symbole — haben sich verschmolzen, um einen sehr starken Markt für diesen Typ des Stilllebens zu schaffen. Stillleben, wie der grösste Teil holländischen Kunstarbeit, wurde allgemein auf offenen Märkten oder von Händlern, oder von Künstlern an ihrem Studio verkauft, und selten beauftragt; deshalb haben Künstler gewöhnlich den Gegenstand und die Einordnung gewählt. So populär war dieser Typ der Stillleben-Malerei, dass viel von der Technik der holländischen Blumenmalerei in der 1740-Abhandlung Groot Schilderboeck von Gerard de Lairesse kodifiziert wurde, der weiträumigen Rat über Farbe, Ordnen, Pinselführung, Vorbereitung von Mustern, Harmonie, Zusammensetzung, Perspektive usw. gegeben hat.

Die Symbolik von Blumen hatte sich seit frühen christlichen Tagen entwickelt. Die allgemeinsten Blumen und ihre symbolischen Bedeutungen schließen ein: Hat sich (Virgin Mary, Vergänglichkeit, Venus, Liebe) erhoben; Lilie (Virgin Mary, Jungfräulichkeit, weiblicher Busen, Reinheit der Meinung oder Justiz); Tulpe (Prunk, Adel); Sonnenblume (Treue, prophezeien Sie Liebe, Hingabe); violett (Bescheidenheit, Reserve, Demut); Akelei (Melancholie); Mohnblume (Macht, Schlaf, Tod). Bezüglich Kerbtiere vertritt der Schmetterling Transformation und Wiederaufleben, während die Libelle Vergänglichkeit symbolisiert und die Ameise hart arbeiten und Aufmerksamkeit auf die Ernte.

Holländische Künstler haben sich auch ausgebreitet und haben die alte griechische Stillleben-Tradition von trompe-l'œil, besonders die Imitation der Natur oder mimesis wiederbelebt, der sie bedriegertje ("wenig Betrug") genannt haben. Zusätzlich zu diesen Typen des Stilllebens haben holländische Künstler identifiziert und haben getrennt "Küche und Markt" Bilder, Frühstück und Nahrungsmitteltabellenstillleben, vanitas Bilder und allegorische Sammlungsbilder entwickelt.

Besonders populär in dieser Periode waren vanitas Bilder, in denen kostspieligen Maßnahmen von Frucht und Blumen, Büchern, Statuetten, Vasen, Münzen, Schmucksachen, Bildern, musikalischen und wissenschaftlichen Instrumenten, militärisches Abzeichen, feines Silber und Kristall, durch symbolische Gedächtnishilfen der Unbeständigkeit des Lebens begleitet wurde. Zusätzlich würden ein Schädel, ein Stundenglas oder Taschenuhr, eine Kerze das Niederbrennen oder ein Buch mit dem Seitendrehen, als eine moralisierende Nachricht auf dem ephemerality von Sinnesvergnügen dienen. Häufig würden einige der Früchte und Blumen selbst gezeigt anfangend, zu verderben oder zu verwelken, um denselben Punkt zu betonen.

Ein anderer Typ des Stilllebens, das als "Frühstücksbilder" bekannt ist, vertritt sowohl eine wörtliche Präsentation von Feinheiten, die die obere Klasse genießen könnte als auch eine religiöse Gedächtnishilfe, um Gefräßigkeit zu vermeiden. In einer anderen holländischen Neuerung 1650 hat Samuel van Hoogstraten eines der ersten Wandgestell-Bilder, trompe-l'œil Stillleben-Bilder gemalt, die Gegenstände zeigen, die gebunden, geheftet oder auf eine andere Mode einem Wandausschuss, einem Typ des Stilllebens beigefügt sind, das in den Vereinigten Staaten im 19. Jahrhundert sehr populär ist. Eine andere Schwankung war gezeichnete Gegenstände des trompe-l'œil Stilllebens, die mit einem gegebenen Beruf, als mit der Malerei von Cornelis Norbertus Gysbrecht "Die Staffelei des Malers mit dem Fruchtstück" vereinigt sind, das alle Werkzeuge eines Handwerks eines Malers zeigt. Auch populär in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts war die Malerei einer großen Zusammenstellung von Mustern in der allegorischen Form, wie die "fünf Sinne", "vier Kontinente", oder "die vier Jahreszeiten", einer Göttin oder allegorischer durch passende natürliche und künstliche Gegenstände umgebener Zahl zeigend. Die Beliebtheit von vanitas Bildern und diese anderen Formen des Stilllebens, das bald von Holland nach Flandern und Deutschland, und auch nach Spanien und Frankreich ausgebreitet ist.

Deutsches Stillleben ist nah den holländischen Modellen gefolgt. Deutscher Maler Georg Flegel war ein Pionier im reinen Stillleben ohne Zahlen und hat die compositional Neuerung geschaffen, ausführlich berichtete Gegenstände in Kabinette, Küchenschränke und Schaukästen zu legen, und gleichzeitige vielfache Ansichten zu erzeugen. Stillleben, das in Spanien, auch genannt bodegones malt, war streng. Es hat sich vom holländischen Stillleben unterschieden, das häufig reiche Bankette enthalten hat, die durch reich verzierte und luxuriöse Sachen von Stoff oder Glas umgeben sind. Das Spiel in spanischen Bildern ist häufig einfache tote Tiere, die noch warten, um enthäutet zu werden. Die Früchte und Gemüsepflanzen sind roh. Die Hintergründe sind düsteres oder einfaches Holz geometrische Blöcke, häufig eine surrealistische Luft schaffend. Sogar während sowohl holländisches als auch spanisches Stillleben häufig einen eingebetteten moralischen Zweck hatte, scheint die Strenge, die einige verwandt mit der Hoffnungslosigkeit von einigen der spanischen Plateaus finden, die Sinnesvergnügen, die Vollkommenheit und den Luxus von holländischen Stillleben-Bildern zurückzuweisen. Im katholischen Italien und Spanien war die reine Vanitas-Malerei selten, und dort waren weniger Stillleben-Fachmänner weit. Im Südlichen Europa gibt es mehr Beschäftigung des weichen Naturalismus von Caravaggio und weniger Betonung auf dem Hyperrealismus im Vergleich mit Nordeuropäischen Stilen. In Frankreich waren Maler von Stillleben (Natur morte) sowohl unter Einfluss der Nördlichen als auch unter Einfluss Südlichen Schulen, von den vanitas Bildern der Niederlande und den Ersatzmaßnahmen Spaniens borgend.

Holländische, flämische, deutsche und französische Galerie

File:Ambrosius Bosschaert, Älterer 04.jpg|Ambrosius Bosschaert (1573-1621), Stillleben von Blumen, (1614) auf Kupfer, Getty-Museum

Datei:'Vase Blumen mit einem Vorhang', Öl auf der Tafel, die durch Jacques de Gheyn II, 1615.jpg|Jacques de Gheyn II (1565-1629), Vase von Blumen mit einem Vorhang, (1615), Museum von Kimball Art, das Fort Worth, Texas malt

File:Basket-fruits-1622.jpg|Balthasar van der Ast, (c. 1593-1657), Korb von Früchten, (1622), Nationalgalerie des Kunstwashingtons, Bezirk

File:Georg Flegel 001.jpg|Georg Flegel (1566-1638), Pfirsich-Zweig, c. 1630

Image:Hans Gillisz. Bollongier 001.jpg|Hans Gillisz. Bollongier (c. 1600-1675), Blumenstück, (1644), Museum von Frans Hals, Haarlem, die Niederlande. Die Spitzenblume war immer die teuerste, und in diesem Bukett ist es die Tulpe Semper Augustus

Image:Roelant Savery 001.jpg|Roelant Savery (1576-1639), Stillleben (1624), mit 44 verschiedenen Arten von Tieren und 63 Arten von Blumen.

Image:Heda noch Leben jpg|Willem Claeszoon Heda (1594-1680), Stillleben mit dem Kuchen, dem Silberwasserkrug und der Krabbe (1658), Museum von Frans Hals, Haarlem

Image:stilmous1.jpg|Abraham van Beyeren (ca. 1620-1690), Bankett-Stillleben (c. 1660), Grafschaftmuseum von Los Angeles der Kunst

Image:De Heem Noch Leben jpg|Jan Davidsz. de Heem (1606-1684), Stillleben mit Frucht, Blumen, Brille und Hummer, (c. Die 1660er Jahre), Musées Royaux des Beaux-Arts, Brüssel

Image:MariaVanOosterwijk.jpg|Maria van Oosterwijk, Vase von Tulpen, hat sich, und Andere Blumen mit Kerbtieren, (1669) Erhoben

File:Still Leben mit der Bauchigen Zinn-Weinflasche 1645 Jan Jansz Treck.jpg|Jan Jansz. Treck (1606-1652) Stillleben mit dem wanli Porzellan, der bauchigen Zinn-Weinflasche, Glas, Oliven und Serviette 1645, Museum von Schönen Künsten (Budapest) trinkend

File:Lubin Baugin 001.jpg|Lubin Baugin (c. 1610-1663), Le Dessert de gaufrettes (c. 1631), Musée du Louvre, Paris

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Das achtzehnte Jahrhundert

Vor dem 18. Jahrhundert, in vielen Fällen, waren die religiösen und allegorischen Konnotationen von Stillleben-Bildern fallen gelassen, und Küchentisch-Bilder in berechnete Bilder der verschiedenen Farbe und Form entwickelt, tägliche Nahrungsmittel zeigend. Die französische Aristokratie hat Künstler angestellt, um Bilder von freigebigen und ausschweifenden Stillleben-Themen durchzuführen, die ihren Esstisch, auch ohne den moralistic vanitas Nachricht ihrer holländischen Vorgänger geziert haben. Die Rokokoliebe des Kunstgriffs hat zu einem Anstieg der Anerkennung in Frankreich für trompe-l'œil geführt (Französisch: "Beschwindeln Sie das Auge") Malerei. Die Stillleben-Bilder von Jean-Baptiste Chardin verwenden eine Vielfalt von Techniken vom holländisch-artigen Realismus bis weichere Harmonien.

Der Hauptteil der Arbeit von Anne Vallayer-Coster wurde der Sprache des Stilllebens gewidmet, weil es im Laufe der siebzehnten und achtzehnten Jahrhunderte entwickelt worden war. Während dieser Jahrhunderte wurde das Genre des Stilllebens am niedrigsten auf der hierarchischen Leiter gelegt. Vallayer-Coster hatte einen Weg über ihre Bilder, die auf ihren Reiz hinausgelaufen sind. Es war die "kühnen, dekorativen Linien ihrer Zusammensetzungen, der Reichtum ihrer Farben und hat Texturen und die Leistungen von illusionism vorgetäuscht, den sie im Zeichnen des großen Angebotes an Gegenständen, sowohl natürlich als auch künstlich erreicht hat", der in der Aufmerksamkeit des Royal Académies und der zahlreichen Sammler gezogen hat, die ihre Bilder gekauft haben. Diese Wechselwirkung zwischen Kunst und Natur war in holländischen, flämischen und französischen Stillleben ziemlich üblich. Ihre Arbeit offenbart den klaren Einfluss von Jean-Baptiste-Siméon Chardin, sowie holländische Master des 17. Jahrhunderts, deren Arbeit viel höher geschätzt worden ist, aber was den Stil von Vallayer-Coster gegen die anderen Stillleben-Maler hat hervortreten lassen, waren ihre einzigartige Weise, Vertretungsillusionism mit dekorativen compositional Strukturen zu verschmelzen.

Das Ende des achtzehnten Jahrhunderts und der Fall der französischen Monarchie haben die Türen auf dem Stillleben des Vallayer-Straßenhändlers 'Zeitalter' geschlossen und haben sie zu ihrem neuen Stil von florals geöffnet. Es ist behauptet worden, dass das der Höhepunkt ihrer Karriere war, und wofür sie am besten bekannt ist. Jedoch ist es auch behauptet worden, dass die Blumenbilder zu ihrer Karriere sinnlos waren. Dennoch hat diese Sammlung Blumenstudien in Öl, Aquarellmalerei und Guasch enthalten.

Image:RRuysch.jpg|Rachel Ruysch, Stillleben mit dem Bukett von Blumen und Pflaumen, 1704, Königliche Museen von Schönen Künsten Belgiens

File:Still Leben mit Blumen auf einer Marmortischplatte 1716 Rachel Ruysch.jpg|Rachel Ruysch, Stillleben mit Blumen auf einer Marmortischplatte, 1716

Image:Jean-Baptiste Siméon Chardin 007.jpg|Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779), Der Strahl 1728, Musée du Louvre, Paris

Image:Jean-Baptiste Siméon Chardin 029.jpg|Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Stillleben mit der Glastaschenflasche und Frucht, c. 1750

Image:Attributes der Malerei, der Skulptur, und des Vallayer-Straßenhändlers der Architektur jpg|Anne, Der Attribute der Malerei, c. 1769

File:Stillbotsm.jpg|Anne Vallayer-Straßenhändler, Stillleben mit einer Runden Flasche, c. 1770

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Das neunzehnte Jahrhundert

Mit dem Anstieg der europäischen Akademien hat am meisten namentlich Académie française, der eine Hauptrolle in der Akademischen Kunst, Stillleben gehalten hat, begonnen, von Bevorzugung zu fallen. Die Akademien haben die Doktrin der "Hierarchie von Genres" unterrichtet (oder "Hierarchie des Gegenstands"), der gemeint hat, dass ein künstlerisches Verdienst einer Malerei in erster Linie auf seinem Thema basiert hat. Im Akademischen System hat die höchste Form der Malerei aus Images der historischen, biblischen oder mythologischen Bedeutung mit zur sehr niedrigsten Ordnung der künstlerischen Anerkennung verbannten Stillleben-Themen bestanden. Anstatt Stillleben zu verwenden, um Natur zu verherrlichen, haben einige Künstler, wie Polizist von John und Camille Corot, Landschaften gewählt, um diesem Ende zu dienen.

Als Neoklassizismus angefangen hat, in Niedergang vor den 1830er Jahren einzutreten, sind Genre und Bildnis-Malerei der Fokus für den Realisten und die Romantischen künstlerischen Revolutionen geworden. Viele der großen Künstler dieser Periode haben Stillleben in ihren Körper der Arbeit eingeschlossen. Die Stillleben-Bilder von Francisco Goya, Gustave Courbet und Eugène Delacroix befördern einen starken emotionalen Strom, und sind weniger mit Genauigkeit und mehr interessiert für die Stimmung beschäftigt. Obwohl gestaltet, nach den früheren Stillleben-Themen von Chardin sind die Stillleben-Bilder von Édouard Manet stark tonal und klar zum Impressionismus köpfig. Henri Fantin-Latour, mit einer traditionelleren Technik, war wegen seiner exquisiten Blumenbilder berühmt und hat sein Leben fast exklusiv Malerei des Stilllebens für Sammler gemacht.

Jedoch, erst als der Endniedergang der Akademischen Hierarchie in Europa und des Anstiegs der impressionistischen und postimpressionistischen Maler, haben diese Technik und Farbenharmonie über den Gegenstand triumphiert, und dieses Stillleben wurde wieder von Künstlern begierig geübt. In seinem frühen Stillleben zeigt Claude Monet den Einfluss von Fantin-Latour, aber ist einer der ersten, um die Tradition des dunklen Hintergrunds zu brechen, den Pierre-Auguste Renoir auch im Stillleben mit dem Bukett und Fan (1871), mit seinem hellorange Hintergrund verwirft. Mit dem impressionistischen Stillleben ist allegorischer und mythologischer Inhalt völlig abwesend, wie Pinselarbeit peinlich genau ausführlich berichtet wird. Impressionisten haben sich stattdessen auf Experimentieren in breiten, antippenden Pinselstrichen, Tonwerten und Farbenstellen konzentriert. Die Impressionisten und Postimpressionisten wurden durch die Farbenschemas der Natur begeistert, aber die wiederinterpretierte Natur mit ihren eigenen Farbenharmonien, die sich manchmal aufschreckend unnaturalistisch erwiesen haben. Wie Gauguin festgestellt hat, "Haben Farben ihre eigenen Bedeutungen." Schwankungen in der Perspektive werden auch, wie das Verwenden dichter Saatbestellung und hoher Winkel, als mit der Frucht versucht, die auf einem Standplatz von Gustave Caillebotte, einer Malerei gezeigt ist, die zurzeit als eine "Anzeige der Frucht in einer Vogelperspektive verspottet wurde."

Die "Sonnenblume"-Bilder von Vincent van Gogh sind einige der am besten bekannten Stillleben-Bilder des 19. Jahrhunderts. Van Gogh verwendet größtenteils Töne der gelben und ziemlich flachen Übergabe, um einen denkwürdigen Beitrag zur Stillleben-Geschichte zu leisten. Sein Stillleben mit dem Zeichenbrett (1889) ist ein Selbstbildnis in der Stillleben-Form mit Van Gogh, der viele Sachen seines persönlichen Lebens, einschließlich seiner Pfeife, einfaches Essen (Zwiebeln), ein inspiriertes Buch und ein Brief von seinem Bruder, alle zeichnet, die auf seinem Tisch ohne seine eigene Bildgegenwart angelegt sind. Er hat auch seine eigene Version eines vanitas Malerei des Stilllebens mit der Offenen Bibel, der Kerze und dem Buch (1885) gemalt.

In den Vereinigten Staaten während Revolutionärer Zeiten haben amerikanische Künstler auswärts angewandte europäische Stile zur amerikanischen Bildnis-Malerei und dem Stillleben erzogen. Charles Willson Peale hat eine Familie von prominenten amerikanischen Malern, und als Hauptführer in der amerikanischen Kunstgemeinschaft gegründet, auch hat eine Gesellschaft für die Ausbildung von Künstlern sowie ein berühmtes Museum der natürlichen Wissbegierde gegründet. Sein Sohn Raphaelle Peale war eine einer Gruppe von frühen amerikanischen Stillleben-Künstlern, die auch John F. Francis, Charles Bird King und John Johnston eingeschlossen haben. Vor der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts hat Martin Johnson Heade die amerikanische Version des Habitats oder Biotop-Bildes eingeführt, das Blumen und Vögel in vorgetäuschten Außenumgebungen gelegt hat. Die amerikanischen trompe-l'œil Bilder sind auch während dieser Periode gediehen, die von John Haberle, William Michael Harnett und John Frederick Peto geschaffen ist. Peto hat sich auf die nostalgische Wandgestell-Malerei spezialisiert, während Harnett das höchste Niveau hyper - Realismus in seinen bildlichen Feiern des amerikanischen Lebens durch vertraute Gegenstände erreicht hat.

Galerie des neunzehnten Jahrhunderts

File:Francisco de Goya y Lucientes 093.jpg|Francisco Goya, Stillleben mit Frucht, Flaschen, Broten, 1824-1826

File:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 054.jpg|Eugène Delacroix, Stillleben mit dem Hummer und den Trophäen der Jagd und Fischerei, 1826-1827, Louvre

File:Cailebotte - Natur Morte.jpg|Gustave Caillebotte, (1848-1894), Gelbe Rosés in einer Vase, 1882, Dallas Museum der Kunst

Image:Roses Traubentischdecke durch Fantin-Latour.jpg|Henri Fantin-Latour, (1836-1904), Weiße Rosés, Chrysanthemen in einer Vase, Pfirsiche und Trauben auf einem Tisch mit einer Weißen Tischdecke, 1867

Image:Paul Cézanne 052.jpg|Paul Cézanne (1839-1906), Die Schwarze Marmoruhr, (1869-1871), Privatsammlung

File:Cassatt Mary Lilacs in einem Fenster 1880.jpg|Mary Cassatt, (1844-1926), Lilacs in einem Fenster, 1880

File:Monet-Still-Life-with-Apples-and-Grapes-1880.jpg|Claude Monet (1840-1926), Stillleben mit Äpfeln und Trauben, (1880), Kunstinstitut für Chicago

File:Paul Gauguin 116.jpg|Paul Gauguin, Stillleben mit Äpfeln, einer Birne und einer Keramischen Bauchigen Bildnis-Weinflasche, 1889, Fogg Museum, Cambridge, Massachusetts

File:William Stillleben-Geige von Michael Harnett und Musik jpg|William Harnett (1848-1892), Stillleben-Geige und Musik, (1888), Metropolitanmuseum der Kunst, New York City

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Das zwanzigste Jahrhundert

Die ersten vier Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts haben eine außergewöhnliche Periode des künstlerischen Ferments und der Revolution gebildet. Avantgardistische Bewegungen haben sich schnell entwickelt und haben in einem Marsch zur nichtbildlichen, ganzen Abstraktion überlappt. Das Stillleben, sowie die andere Vertretungskunst, hat fortgesetzt, sich zu entwickeln und sich bis zur Mitte des Jahrhunderts anzupassen, als Gesamtabstraktion, wie veranschaulicht, durch die Tropfrohr-Bilder von Jackson Pollock, den ganzen erkennbaren Inhalt beseitigt hat.

Das Jahrhundert hat mit mehreren Tendenzen begonnen, die in der Kunst ergreifen. 1901 hat Paul Gauguin Stillleben mit Sonnenblumen, seiner Huldigung seinem Freund Van Gogh gemalt, der elf Jahre früher gestorben war. Die Gruppe bekannt als Les Nabis, einschließlich Pierre Bonnards und Edouard Vuillards, hat die harmonischen Theorien von Gauguin aufgenommen und hat Elemente hinzugefügt, die durch japanische Holzschnitte zu ihren Stillleben-Bildern begeistert sind. Französischer Künstler Odilon Redon hat auch bemerkenswertes Stillleben während in dieser Periode, besonders Blumen gemalt.

Henri Matisse hat die Übergabe von Stillleben-Gegenständen noch weiter zu ein wenig mehr reduziert als kühne, flache mit hellen Farben gefüllte Umrisse. Er auch simplifyied Perspektive und das Einführen vielfarbiger Hintergründe. In einigen seiner Stillleben-Bilder, wie Stillleben mit Eierfrüchten, wird sein Tisch von Gegenständen fast mitten unter den anderen bunten Mustern verloren, die den Rest des Zimmers füllen. Andere Hochzahlen von Fauvism, wie Maurice de Vlaminck und André Derain, haben weiter reine Farbe und Abstraktion in ihrem Stillleben erforscht.

Paul Cézanne hat im Stillleben das vollkommene Fahrzeug für seine revolutionären Erforschungen in der geometrischen Raumorganisation gefunden. Für Cézanne war Stillleben ein primäres Mittel, Malerei von einem veranschaulichenden oder Mimetic-Funktion zu einem Demonstrieren unabhängig die Elemente der Farbe, Form, und Linie, eines Hauptschritts zur Abstrakten Kunst wegzunehmen. Zusätzlich können die Experimente von Cézanne als Führung direkt zur Entwicklung des kubistischen Stilllebens am Anfang des 20. Jahrhunderts gesehen werden.

Die Verschiebung von Cézanne von Flugzeugen und Äxten anpassend, haben die Kubisten die Farbenpalette von Fauves unterworfen und haben sich stattdessen auf das Dekonstruieren von Gegenständen in reine geometrische Formen und Flugzeuge konzentriert. Zwischen 1910 und 1920, kubistischen Künstlern wie Pablo Picasso, Georges Braque und Juan Gris hat viele Stillleben-Zusammensetzungen, häufig einschließlich Musikinstrumente, sowie des Schaffens der ersten Synthetischen kubistischen Collage-Arbeiten wie das ovale "Stillleben von Picasso mit dem Stuhl gemalt, der" (1912) Prügelt. In diesen Arbeiten greifen Stillleben-Gegenstände über und vermischen kaum das Aufrechterhalten identifizierbarer zweidimensionaler Formen, Verlieren individueller Oberflächentextur und Mischen in den Hintergrund — das Erreichen von Zielen fast gegenüber denjenigen des traditionellen Stilllebens. Das Stillleben von Fernand Léger hat den Gebrauch des reichlichen Leerraums eingeführt und hat sich, scharf definierte, überlappende geometrische Gestalten gefärbt, um eine mechanischere Wirkung zu erzeugen. Das Zurückweisen des Flachdrückens des Raums durch Kubisten, Marcel Duchamp und andere Mitglieder der Bewegung von Dada, ist in eine radikal verschiedene Richtung hineingegangen, 3. "Konfektions"-Stillleben-Skulpturen schaffend. Als ein Teil, eine symbolische Bedeutung zum Stillleben wieder herzustellen, haben die Futuristen und die Surrealisten erkennbare Stillleben-Gegenstände in ihren dreamscapes gelegt. In den Stillleben-Bildern von Joan Miró scheinen Gegenstände schwerelos und Hin- und Herbewegung im leicht angedeuteten zweidimensionalen Raum, und sogar Berge werden als einfache Linien gezogen. In Italien während dieser Zeit war Giorgio Morandi der erste Stillleben-Maler, ein großes Angebot an Annäherungen an das Zeichnen täglicher Flaschen und Küchenwerkzeuge erforschend. Holländischer Künstler M. C. Escher, der für sein ausführliches noch zweideutige Grafik am besten bekannt ist, hat Stillleben und Straße (1937), seine aktualisierte Version des traditionellen holländischen Tabellenstilllebens geschaffen.

Als sich amerikanische Künstler des 20. Jahrhunderts des europäischen Modernismus bewusst geworden sind, haben sie begonnen, Stillleben-Themen mit einer Kombination des amerikanischen Realismus und der Kubist-abgeleiteten Abstraktion zu interpretieren. Typisch für die amerikanischen Stillleben-Arbeiten dieser Periode sind die Bilder von Georgia O'Keeffe, Stuart Davis, und Marsden Hartley und den Fotographien von Edward Weston. Die ultranahen Blumenbilder von O'Keeffe offenbaren sowohl die physische Struktur als auch den emotionalen Subtext von Blütenblättern und Blättern auf eine beispiellose Weise.

In Mexiko, in den 1930er Jahren anfangend, haben Frida Kahlo und andere Künstler ihre eigene Marke des Surrealismus geschaffen, heimische Nahrungsmittel und kulturelle Motive in ihren Stillleben-Bildern zeigend.

Als er

in den 1930er Jahren angefangen hat, hat Abstrakter Expressionismus streng Stillleben auf rohe Bilder der Form und Farbe reduziert, bis vor den 1950er Jahren Gesamtabstraktion die Kunstwelt beherrscht hat. Jedoch hat Pop-Art in den 1960er Jahren und 1970er Jahren die Tendenz umgekehrt und hat eine neue Form des Stilllebens geschaffen. Viel Pop-Art (wie die "Suppendosen von Campbell von Andy Warhol") basiert auf dem Stillleben, aber sein wahres Thema ist meistenteils das commodified Image des kommerziellen Produktes vertreten aber nicht der physische Stillleben-Gegenstand selbst. Das Stillleben von Roy Lichtenstein mit der Goldfisch-Schüssel (1972) Vereinigungen die reinen Farben von Matisse mit der Knall-Ikonographie von Warhol. Die Mittagessen-Tabelle (1964) von Wayne Thiebaud porträtiert das Mittagessen keiner einzigen Familie, aber ein Montageband von standardisierten amerikanischen Nahrungsmitteln.

Neo-dada ist Bewegung, einschließlich Jasper Johns, zur dreidimensionalen Darstellung von Duchamp von täglichen Haushaltsgegenständen zurückgekehrt, ihre eigene Marke der Stillleben-Arbeit, als in der Gemalten Bronze von Johns (1960) und dem Haus des Dummkopfs (1962) zu schaffen. Avigdor Arikha, der als ein abstractionist begonnen hat, hat die Lehren von Piet Mondrian in seine Stillleben als in seine andere Arbeit integriert; während er zu alten Master-Traditionen in Verbindung wiedergestanden hat, hat er einen Modernist-Formalismus erreicht, in einer Sitzung und im natürlichen Licht arbeitend, durch das der Gegenstand häufig in einer überraschenden Perspektive erschienen ist.

Ein bedeutender Beitrag zur Entwicklung des Stilllebens, das im 20. Jahrhundert malt, wurde von russischen Künstlern, unter ihnen Sergei Ocipov, Victor Teterin, Evgenia Antipova, Gevork Kotiantz, Sergei Zakharov, Taisia Afonina, Maya Kopitseva und andere geleistet.

Im Vergleich hat der Anstieg des Photorealismus in den 1970er Jahren illusionistic Darstellung wieder behauptet, während er etwas von der Nachricht von Pop der Fusion des Gegenstands, Images und kommerziellen Produktes behalten hat. Typisch sind in dieser Beziehung die Bilder von Don Eddy und Ralph Goings.

Galerie des zwanzigsten Jahrhunderts

File:Matisse - Teller und Frucht (1901).jpg|Henri Matisse (1869-1954), Teller und Frucht (1901), Klause-Museum, St.Petersburg, Russland

File:Redon.flowers.jpg|Odilon Redon (1840-1916), Blumen, 1903

File:Violin und Kerzenständer jpg|Georges Braque (1882-1963), Geige und Kerzenständer (1910), San Francisco Museum der modernen Kunst

Image:26. Bodegón.jpg|Juan Gris (1887-1927), Natur morte, 1913. Museo Thyssen Bornemisza

File:Brooklyn Museum - Ansehnliche Getränke - Marsden Hartley - gesamter jpg|Marsden Hartley (1877-1943), Ansehnliche Getränke, c. 1916, Brooklyn Museum

Image:Leger Bierbecher jpg|Fernand Léger (1881-1955), Stillleben mit einem Bierbecher 1921, Tate

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Das 21. Jahrhundert

In den letzten drei Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts, und in den frühen Jahren des Stilllebens des 21. Jahrhunderts hat sich außer der Grenze eines Rahmens ausgebreitet. Besonders im Gefolge des Computeralters und des Anstiegs des Computers Kunst- und Digitalkunst haben sich die Natur und Definition des Stilllebens geändert. Etwas Mischmediastillleben-Arbeit, die verwendet, hat Gegenstände, Fotografie, Video und Ton gefunden, und sogar sich von der Decke bis Fußboden ergießend, und ein komplettes Zimmer in einer Galerie füllend. Computererzeugte Grafik hat die für Stillleben-Künstler verfügbaren Techniken ausgebreitet. Mit dem Gebrauch der Videokamera können Stillleben-Künstler sogar den Zuschauer in ihre Arbeit vereinigen.

Siehe auch

• Digitalillustration
• Digitalmalerei
• Digitalfotografie
• Holländisches Goldenes Zeitalter, malend
• Elektronische Kunst
• Grafische Kunstsoftware
• Geschichte, zu malen
• Liste von holländischen Malern
• Neue Medien
• Softwarekunst
• Stillleben-Fotografie
• Kunst von Tradigital

Referenzen

• Ebert-Schifferer, Sybille. Stillleben: Eine Geschichte, Harry N. Abrams, New York, 1998, internationale Standardbuchnummer 0-8109-4190-2
• Slive, Seymour, holländische Malerei, 1600-1800, Yale Universität Presse, 1995, internationale Standardbuchnummer 0-300-07451-4
• Vlieghe, Hans (1998). Flämische Kunst und Architektur, 1585-1700. Yale Universitätspressepelikan-Geschichte der Kunst. Neuer Hafen: Yale Universität Presse. Internationale Standardbuchnummer 0-300-07038-1

Links