Die Geschichte des Films ist eine Rechnung der historischen Entwicklung des Mediums bekannt verschiedenartig als Kino, Filme, Film oder das Kino.

Die Geschichte des Films misst mehr als 100 Jahre vom letzten Teil des 19. Jahrhunderts bis zu den heutigen Tag ab. Filme haben sich allmählich von einer Karneval-Neuheit bis eines der wichtigsten Werkzeuge der Kommunikation und Unterhaltung und Massenmedien im 20. Jahrhundert und ins 21. Jahrhundert entwickelt. Die meisten Filme vor 1930 waren still. Film-Filme haben die Künste, Technologie und Politik wesentlich betroffen.

Das Kino wurde während der 1890er Jahre während der industriellen Revolution erfunden. Es wurde als eine preiswertere, einfachere Weise betrachtet, Unterhaltung den Massen zur Verfügung zu stellen. Kino würde die populärste Sehkunstform des späten viktorianischen Alters werden. Es war wegen der Tatsache einfacher, die vor den Kino-Leuten lange Entfernungen würde reisen müssen, um Hauptdioramen oder Vergnügungsparks zu sehen. Mit dem Advent des Kinos hat sich das geändert. Während des ersten Jahrzehnts der Existenz des Kinos haben Erfinder gearbeitet, um die Maschinen zu verbessern, um Filme zu machen und zu zeigen. Das Kino ist ein kompliziertes Medium, und bevor es erfunden werden konnte, musste mehreren technologischen Anforderungen entsprochen werden.

Der Anfang des Kinos

Vorgänger des Films

Theater und Tanz sind alte Vorgänger des Films und schließen viele allgemeine Elemente ein: Schriften, Sätze, Beleuchtung, Kostüme, Richtung, Schauspieler, Zuschauer, storyboards, Choreografie und Hunderte. Folglich teilen Film und Theater viel Fachsprache.

Einer der ersten technologischen Vorgänger des Films ist die Nadelloch-Kamera, die von der fortgeschritteneren Kamera obscura gefolgt ist, der zuerst im Detail von Alhazen in seinem Buch der Optik (1021) beschrieben, und später von Giambattista della Porta vervollkommnet wurde. Licht wird durch ein kleines Loch oder Linse von der Außenseite umgekehrt, und auf eine Oberfläche oder Schirm geplant. Mit der Kamera obscura ist es möglich, ein geplantes bewegendes Image, aber, ohne Aufnahme der Technologie nur in Realtime zu schaffen.

1739 und 1748 hat David Hume Eine Abhandlung der Menschlichen Natur und Einer Anfrage bezüglich des Menschlichen Verstehens veröffentlicht, für die Vereinigungen und Ursachen von Ideen mit Sehimages in einigen Sinnvorzeichen in die Sprache des Films argumentierend.

Bewegende Images wurden auf Drehtrommeln und Platten in den 1830er Jahren mit der unabhängigen Erfindung von Simon von Stampfer (Stroboskop) in Österreich, Joseph Plateau (Phenakistoscope) in Belgien und William Horner (zoetrope) in Großbritannien erzeugt.

Am 19. Juni 1872, unter der Bürgschaft von Leland Stanford, hat Eadweard Muybridge erfolgreich ein Pferd genannt "Sallie Gardner" im Zeitraffer mit einer Reihe von 24 stereoskopischen Kameras fotografiert. Das Experiment hat am 11. Juni an der Palo Altstimme-Farm in Kalifornien mit der Pressegegenwart stattgefunden. Die Übung ist gemeint geworden, um zu bestimmen, ob ein laufendes Pferd jemals alle vier Beine hatte, hat der Boden sofort abgehoben. Die Kameras wurden entlang einer Spur-Parallele zum Pferd eingeordnet, und jeder Kameraverschluss wurde von einer Reiseleitung kontrolliert, die durch die Hufe des Pferdes ausgelöst wurde. Sie waren 21 Zoll entfernt, um die vom Pferd-Schritt genommenen 20 Fuß zu bedecken, Bilder in tausendster von einer Sekunde nehmend.

Étienne-Jules Marey hat eine chronophotographic Pistole 1882 erfunden, die dazu fähig war, 12 Konsekutivrahmen pro Sekunde zu nehmen, alle Rahmen auf demselben Bild registrierend. Er hat die chronophotographic Pistole verwendet, um Tiere und menschliche Ortsveränderung zu studieren.

Der zweite experimentelle Film, die Roundhay Garten-Szene, die vom Prinzen von Louis Le am 14. Oktober 1888 in Roundhay, Leeds, Westliche Yorkshire, England gefilmt ist, ist das Vereinigte Königreich jetzt als der frühste überlebende Film bekannt.

Am 21. Juni 1889 wurde William Friese-Greene offener Nr. 10131 für seine 'chronophotographic' Kamera ausgegeben. Es war dazu anscheinend fähig, bis zu zehn Fotographien pro Sekunde mit dem perforierten Zelluloid-Film zu nehmen. Ein Bericht über die Kamera wurde in den britischen Fotografischen Nachrichten am 28. Februar 1890 veröffentlicht. Am 18. März hat Friese-Greene einen Ausschnitt der Geschichte Thomas Edison gesandt, dessen Laboratorium ein als Kinetoscope bekanntes Film-System entwickelt hatte. Der Bericht wurde im Wissenschaftlichen Amerikaner am 19. April nachgedruckt. Friese-Greene hat eine öffentliche Demonstration 1890 gegeben, aber die niedrige mit der offenbaren Unzuverlässigkeit des Geräts verbundene Rahmenrate hat gescheitert, einen Eindruck zu machen.

Infolge der Arbeit von Etienne-Jules Marey und Eadweard Muybridge haben viele Forscher gegen Ende des 19. Jahrhunderts begriffen, dass Filme, weil sie heute bekannt sind, eine praktische Möglichkeit waren, aber das erste, um einen völlig erfolgreichen Apparat zu entwerfen, war W. K. L. Dickson, unter der Richtung von Thomas Alva Edison arbeitend. Seine völlig entwickelte Kamera, genannt Kinetograph, wurde 1891 patentiert und hat eine Reihe von sofortigen Fotographien auf dem Standard Eastman auf einem durchsichtigen 35 Mm breiten Zelluloid-Streifen angestrichene lichtempfindliche Schicht von Kodak genommen. Die Ergebnisse dieser Arbeit wurden zuerst öffentlich 1893 mit dem Betrachtungsapparat gezeigt, der auch von Dickson entworfen ist, und haben Kinetoscope genannt. Das wurde innerhalb eines großen Kastens enthalten, und hat nur den Images erlaubt, von einer Person in einer Zeit angesehen zu werden, darin durch ein Guckloch, nach dem Starten der Maschine durch das Einfügen einer Münze blickend. Es war nicht ein kommerzieller Erfolg in dieser Form, und hat den Weg frei für Charles Francis Jenkins und seinen Kinoprojektor, Phantoscope mit der ersten Vertretung vor einem Publikum im Juni 1894 verlassen. Louis und Auguste Lumière haben Cinématographe, einen Apparat vervollkommnet, der, gedruckt genommen hat, und hat Film geplant. Sie haben ihre erste Show von geplanten Bildern zu einem Publikum in Paris im Dezember 1895 gegeben.

Nach diesem Datum hat die Gesellschaft von Edison seine eigene Form des Kinoprojektors entwickelt, wie verschiedene andere Erfinder getan hat. Einige dieser verwendeten verschiedenen Filmbreiten und Vorsprung-Geschwindigkeiten, aber nach ein paar Jahren der 35 Mm breite Film von Edison und den 16 Rahmen pro Sekunde Vorsprung-Geschwindigkeit von Lumière Cinématographe sind normal geworden. Der andere wichtige amerikanische Mitbewerber war amerikanischer Mutoscope & Biograph Company, der eine neue von Dickson entworfene Kamera verwendet hat, nachdem er die Gesellschaft von Edison verlassen hat.

An Chicago 1893 Kolumbianische Ausstellung In der Welt hat Muybridge eine Reihe von Vorträgen auf der Wissenschaft der Tierortsveränderung im Zoopraxographical Saal, gebaut besonders zu diesem Zweck in "Auf halbem Wege Plaisance" Arm der Ausstellung gegeben. Er hat seinen zoopraxiscope verwendet, um seine bewegenden Bilder zu einem zahlenden Publikum zu zeigen, den Saal das erste kommerzielle Filmtheater machend.

William Kennedy Laurie Dickson, Chefingenieur mit den Laboratorien von Edison, wird die Erfindung einer durchführbaren Form eines Zelluloid-Streifens zugeschrieben, der eine Folge von Images, die Basis einer Methode enthält, bewegende Images zu fotografieren und zu planen. Zelluloid-Blöcke wurden dünn aufgeschnitten, dann mit erhitzten Druck-Tellern entfernt. Danach wurden sie mit einer lichtempfindlichen Gelatine-Emulsion angestrichen. 1893 an Chicago Messe In der Welt hat Thomas Edison in die öffentlichen zwei auf dieser Neuerung gestützten Pioniererfindungen eingeführt; Kinetograph - die erste praktische bewegende Bilderkamera - und Kinetoscope. Der Letztere war ein Kabinett, in dem eine dauernde Schleife des Zelluloid-Films von Dickson (angetrieben durch einen elektrischen Motor) zurück durch eine Glühlampe angezündet und durch eine Vergrößern-Linse gesehen wurde. Der Zuschauer hat das Image durch ein Augenstück angesehen. Wohnzimmer von Kinetoscope wurden mit Fünfzig-Fuß-Filmschnipseln geliefert, die von Dickson, im Studio "der Grünen Minna" von Edison fotografiert sind (ausgesprochen wie "ma-RYE-ah"). Diese Folgen registrierte sowohl weltliche Ereignisse, wie das Niesen von Fred Ott als auch Unterhaltungstaten, wie Akrobaten, Varietee-Darsteller und boxende Demonstrationen.

Wohnzimmer von Kinetoscope bald Ausbreitung erfolgreich nach Europa. Edison hat jedoch nie versucht, diese Instrumente auf der anderen Seite des Atlantiks zu patentieren, seitdem sie sich so außerordentlich auf vorherige Experimente und Neuerungen von Großbritannien und Europa verlassen haben. Das hat die Entwicklung von Imitationen wie die Kamera ermöglicht, die vom britischen Elektriker und wissenschaftlichen Instrument-Schöpfer Robert W. Paul und seinem Partner Birt Acres ausgedacht ist.

1887 hat Ottomar Anschütz, wollend bewegende Bilder zu großen Gruppen von Leuten zeigen, seinen Electrotachyscope präsentiert, der 24 Images auf einer rotierenden Glasplatte verwendet hat. 1894 hat seine Erfindung bewegende Images in Berlin geplant. In ungefähr derselben Zeit, in Lyon, hat Frankreich, Auguste und Louis Lumière den Kinematographen, eine tragbare Kamera, Drucker und Kinoprojektor erfunden. Gegen Ende 1895 in Paris hat Vater Antoine Lumière Ausstellungen von geplanten Filmen vor dem zahlenden Publikum begonnen, die allgemeine Konvertierung des Mediums zum Vorsprung (Koch, 1990) beginnend. Sie sind schnell Europas Haupterzeuger mit ihrem actualités wie Arbeiter geworden, die die Fabrik von Lumière und komischen Vignetten wie Der Sprinkler Gesprenkelt (beider 1895) Verlassen. Sogar Edison, der am Anfang des Vorsprungs wegwerfend ist, hat sich der Tendenz mit Vitascope, einem Phantoscope von modifiziertem Jenkins innerhalb von weniger als sechs Monaten angeschlossen. Die erste öffentliche Film-Filmpräsentation in der Welt gehört aber Max und Emil Skladanowsky aus Berlin, der mit ihrem Apparat "Bioscop", einen flickerfree Duplexaufbau vom 1. bis zum 31. November 1895 geplant hat.

Dass dasselbe Jahr im Mai, in den USA, Eugene Augustin Lauste seinen Eidoloscope für die Familie von Latham ausgedacht hat. Aber die erste öffentliche Abschirmung des Films ist jemals wegen Jean Aimé "Gipfel" Le Roys, eines französischen Fotografen. Am 5. Februar 1894, sein 40. Geburtstag, hat er seinen "Erstaunlichen Kinematographen" einer Gruppe von ungefähr zwanzig Showbusiness-Männern in New York City präsentiert.

Die Filme der Zeit wurden größtenteils über vorläufige Fassade-Räume und reisende Aussteller oder als Taten in Varieté-Programmen gesehen. Ein Film konnte weniger als eine Minute lang sein und würde gewöhnlich eine einzelne Szene, authentisch oder inszeniert, des täglichen Lebens, eines öffentlichen Ereignisses, eines sportlichen Ereignisses oder der Pritsche präsentieren. Es gab wenig zu keiner filmischen Technik: kein Redigieren und gewöhnlich keine Kamerabewegung und flache, theatralische Zusammensetzungen. Aber die Neuheit, realistisch Fotographien zu bewegen, war genug für eine Film-Industrie, um vor dem Ende des Jahrhunderts in Ländern um die Welt zu wuchern. "Das Kino sollte eine preiswertere, einfachere Weise anbieten, Unterhaltung den Massen zur Verfügung zu stellen. Filmemacher konnten die Leistungen von Schauspielern registrieren, die dann zu Zuschauern um die Welt gezeigt werden konnten. Reisebeschreibungen würden die Sehenswürdigkeiten von abgelegenen Plätzen mit der Bewegung direkt zu den Heimatstädten von Zuschauern bringen. Kino würde die populärste Sehkunstform des späten späten viktorianischen Alters" werden

Das stille Zeitalter

Im stillen Zeitalter des Films, das Image mit dem gleichzeitigen Ton heiratend, war für Erfinder und Erzeuger nicht möglich, seitdem keine praktische Methode bis 1923 ausgedacht wurde. So, seit den ersten dreißig Jahren ihrer Geschichte, waren Filme, obwohl begleitet, durch lebende Musiker und manchmal Geräuscheffekte und sogar Kommentar still, der vom Impresario oder Operateur gesprochen ist.

Illustrierte Lieder waren eine bemerkenswerte Ausnahme zu dieser Tendenz, die 1894 in Varieté-Häusern begonnen hat und erst das Ende der 1930er Jahre in Filmtheatern angedauert hat. In diesem frühen Vorgänger zum Musik-Video wurden lebende Leistung oder gesunde Aufnahmen mit dem handfarbigen Glasgleiten paarweise angeordnet, das durch stereopticons und ähnliche Geräte geplant ist. Auf diese Weise wurde Liedbericht durch eine Reihe des Gleitens illustriert, dessen Änderungen mit der Bericht-Entwicklung gleichzeitig waren. Der Hauptzweck von illustrierten Liedern war, Notenblätter-Verkäufe zu fördern, und sie waren mit Verkäufen hoch erfolgreich, die in die Millionen für ein einzelnes Lied reichen. Später, mit der Geburt des Films, hat illustriert, dass Lieder als Füller-Material vorhergehende Filme und während Haspel-Änderungen verwendet wurden.

In den meisten Ländern ist das Bedürfnis nach der gesprochenen Begleitung schnell, mit dem Dialog und der in Zwischentiteln präsentierten Narration verwelkt, aber im japanischen Kino ist es populär im Laufe des stillen Zeitalters geblieben.

Filmgeschichte von 1895 bis 1906

Die ersten elf Jahre von Filmen zeigen das Kino, das sich von einer Neuheit bis eine feststehende groß angelegte Unterhaltungsindustrie bewegt. Die Filme vertreten eine Bewegung aus Filmen, die aus einem Schuss völlig bestehen, der von einer Person mit einigen Helfern zu mehrere Minuten langen Filmen gemacht ist, die aus mehreren Schüssen bestehen, die von großen Gesellschaften in etwas wie Industriebedingungen gemacht wurden.

Filmgeschäft bis zu 1906

Die erste kommerzielle Ausstellung des Films hat am 14. April 1894 am ersten jemals gebauten Wohnzimmer von Kinetoscope stattgefunden.

Jedoch war es klar, dass Edison ursprünglich vorgehabt hat, ein gesundes Filmsystem zu schaffen, das Weltanerkennung bis zur Ausgabe "Des Jazzsängers" 1927 nicht gewinnen würde. 1896 ist es klar geworden, dass mehr Geld durch die Vertretung von Film-Filmen mit einem Kinoprojektor vor einem großen Publikum gemacht werden sollte als das Ausstellen von ihnen in den Kinetoscope Maschinen der Blick-Show von Edison. Die Gesellschaft von Edison hat einen Kinoprojektor aufgenommen, der von Armat und Jenkins, dem "Phantoscope" entwickelt ist, der Vitascope umbenannt wurde, und es hat sich verschiedenen vorspringenden von anderen Leuten gemachten Maschinen angeschlossen die 480-Mm-Breite-Filme zeigen, die durch die Gesellschaft von Edison und andere in Frankreich und dem Vereinigten Königreich machen werden.

Jedoch war die erfolgreichste Film-Gesellschaft in den Vereinigten Staaten, mit der größten Produktion bis 1900, die amerikanische Mutoscope Gesellschaft. Das wurde am Anfang aufgestellt, um Typ-Filme der Blick-Show mit von W.K.L. Dickson gemachten Designs auszunutzen, nachdem er die Gesellschaft von Edison 1895 verlassen hat. Seine Ausrüstung hat 70 Mm breiten Film verwendet, und jeder Rahmen wurde getrennt auf Papierplatten für die Einfügung in ihre Betrachtungsmaschine, genannt Mutoscope gedruckt. Die Bildplatten sind von der Peripherie einer rotierenden Trommel hervorgetreten, und haben in die Ansicht in der Folge geschnipst. Außer Mutoscope haben sie auch einen Kinoprojektor genannt Biograph gemacht, der einen dauernden positiven von denselben Negativen gemachten Filmdruck planen konnte.

Es gab viele andere kleinere Erzeuger in den Vereinigten Staaten, und einige von ihnen haben eine langfristige Anwesenheit im neuen Jahrhundert gegründet. Amerikanischer Vitagraph, einer dieser geringen Erzeuger, hat Studio in Brooklyn gebaut, und hat seine Operationen 1905 ausgebreitet. Von 1896 gab es dauernde Streitigkeit in den Vereinigten Staaten über die Patente, die die grundlegenden Mechanismen bedecken, die Filme möglich gemacht haben.

In Frankreich hat die Gesellschaft von Lumière Kameramänner weltweit von 1896 vorwärts gesandt, um Filme zu drehen, die lokal von den Kameramännern ausgestellt wurden, und dann an die Firmenfabrik in Lyon zurückgesendet haben, um Drucke zum Verkauf dazu zu machen, wer auch immer sie gewollt hat. Es gab fast eintausend dieser Filme, die bis zu 1901, fast sie alle Aktualitäten gemacht sind.

Vor 1898 war Georges Méliès der größte Erzeuger von Fiktionsfilmen in Frankreich, und von diesem Punkt vorwärts war seine Produktion fast völlig Filme, die Trick-Effekten zeigen, die in allen Märkten sehr erfolgreich waren. Die spezielle Beliebtheit seiner längeren Filme, die von 1899 vorwärts mehrere Minuten lang waren (während die meisten anderen Filme noch nur eine Minute lang waren), hat andere Schöpfer dazu gebracht anzufangen, längere Filme zu erzeugen.

1900 Charles Pathé hat Filmproduktion unter der Pathé-Frères-Marke mit Ferdinand Zecca begonnen, der angestellt ist, um wirklich die Filme zu machen. Vor 1905 war Pathé die größte Filmgesellschaft in der Welt, eine Position, die es bis zum Ersten Weltkrieg behalten hat. Léon Gaumont hat Filmproduktion 1896 mit seiner von Alice Guy beaufsichtigten Produktion begonnen.

Im Vereinigten Königreich wurden Robert W. Paul, James Williamson und G.A. Smith und die anderen kleineren Erzeuger von Cecil Hepworth 1899 angeschlossen, und in ein paar Jahren erwies er sich 100 Filme pro Jahr mit seiner Gesellschaft, die das größte auf der britischen Szene wird.

Filmausstellung

Am Anfang wurden Filme größtenteils als eine Neuheit in speziellen Treffpunkten gezeigt, aber die Hauptmethoden der Ausstellung sind schnell entweder als ein Artikel auf den Programmen von Varietés, oder durch den reisenden Impresario in Zelt-Theatern geworden, die sie um die Messen in Landstädten genommen haben. Es ist die Praxis für die Produzieren-Gesellschaften geworden, um Drucke völlig an die Aussteller, an so viel pro Fuß unabhängig vom Thema zu verkaufen. Typische Preise waren am Anfang 15 Cent pro Fuß in den Vereinigten Staaten und ein Schilling pro Fuß in Großbritannien. Handfarbige Filme, die der populärsten Themen vor 1900 erzeugt wurden, haben 2 bis 3mal so viel pro Fuß gekostet. Es gab einige Erzeuger wie American Mutoscope and Biograph Company, die ihre Filme nicht verkauft hat, aber sie allein mit ihren eigenen Ausstellungseinheiten ausgenutzt hat.

Das erste erfolgreiche dauerhafte Theater, das nichts als Filme zeigt, war "Der Musikautomat", der in Pittsburgh 1905 geöffnet wurde. Durch dieses Datum gab es schließlich genug mehrere Minuten lange Filme, die verfügbar sind, um ein Programm zu füllen, das für mindestens eine halbe Stunde läuft, und der wöchentlich geändert werden konnte, als das lokale Publikum langweilig damit geworden ist. Andere Aussteller in den Vereinigten Staaten sind schnell Klage gefolgt, und innerhalb von ein paar Jahren gab es Tausende von diesen Musikautomaten in der Operation. Die amerikanische Situation hat zu einem Weltboom in der Produktion und Ausstellung von Filmen von 1906 vorwärts geführt.

Filmtechnik

Die ersten Filmkameras wurden direkt am Kopf ihres Dreifußes oder anderer Unterstützung mit nur der gröbsten Art befestigt, Geräte vorausgesetzt dass auf diese Art der Dreifuß-Köpfe der stillen Kamera der Periode zu ebnen. Die frühsten Filmkameras wurden so während des Schusses effektiv befestigt, und folglich waren die ersten Kamerabewegungen das Ergebnis, eine Kamera auf einem bewegenden Fahrzeug zu besteigen. Das über diese bekannte erste war ein Film, der von einem Kameramann von Lumière von der Zurückplattform eines Zugs gedreht ist, Jerusalem 1896 verlassend, und vor 1898 gab es mehrere Filme Schuss davon, Züge zu bewegen. Obwohl verzeichnet, unter dem allgemeinen Kopfstück von "Panoramen" in den Verkaufskatalogen der Zeit ist jener Filmschuss, der von vor einem Eisenbahnmotor aufrichtig ist, gewöhnlich spezifisch "Gespenst-Fahrten" genannt geworden.

1897 hatte Robert W. Paul den ersten echten rotierenden Kamerakopf, der veranlasst ist einen Dreifuß anziehen, so dass er den vorübergehenden Umzügen des Sechzigjährigen Jubiläums von Königin Victoria in einem ununterbrochenem Schuss folgen konnte. Dieses Gerät hat die Kamera auf einer vertikalen Achse besteigen lassen, die durch ein gesteuertes Wurm-Zahnrad durch das Drehen eines Kurbelgriffs rotieren gelassen werden konnte, und Paul es auf den allgemeinen Verkauf im nächsten Jahr gestellt hat. Genommene Schüsse mit solch einem "Schwenk"-Kopf sind auch "Panoramen" in den Filmkatalogen des ersten Jahrzehnts des Kinos genannt geworden.

Das Standardmuster für das frühe Filmstudio wurde vom Studio zur Verfügung gestellt, das Georges Méliès 1897 gebaut hatte. Das hatte ein Glasdach und drei Glaswände gebaut nach dem Modell des großen Studios für noch die Fotografie, und es wurde mit dünnen Baumwollstoffen ausgerüstet, die unter dem Dach gestreckt werden konnten, um den direkten Strahl der Sonne in Sonnentagen auszugießen. Das weiche gesamte Licht ohne echte Schatten, dass diese Einordnung erzeugt, und der auch natürlich in leicht bewölkten Tagen besteht, war, die Basis für den Film zu werden, der sich im Filmstudio für das nächste Jahrzehnt entzündet.

Effekten von Filmic

Einzigartig unter allen eine Minute langen Filmen, die von der Gesellschaft von Edison gemacht sind, die Teile der Taten von Vielfalt-Darstellern für ihren Kinetoscope registriert hat, der Maschinen ansieht, war Die Ausführung von Mary, Königin von Schotten. Das hat einer Person gezeigt, die als die Königin angekleidet ist, die ihren Kopf auf dem Ausführungsblock vor einer kleinen Gruppe von Zuschauern im elisabethanischen Kleid legt. Der Scharfrichter bringt seine Axt und die getrennten Hauptfälle der Königin auf den Boden herunter. Dieser Trick wurde durch das Aufhören der Kamera und das Ersetzen des Schauspielers mit einer Modepuppe, dann das Wiederstarten der Kamera gearbeitet, bevor die Axt fällt. Die zwei Stücke des Films wurden dann zurechtgemacht und zusammen zementiert, so dass die Handlung dauernd geschienen ist, als der Film gezeigt wurde.

Dieser Film war unter denjenigen, die nach Europa mit den ersten Maschinen von Kinetoscope 1895 exportiert sind, und wurde von Georges Méliès gesehen, der magische Shows in seinem Theater Robert-Houdin in Paris zurzeit anzog. Er hat Filmherstellung 1896, und nach dem Bilden von Imitationen anderer Filme von Edison, Lumière und Robert Paul aufgenommen, er hat Dame von Escamotage d'un chez Robert-Houdin (Die Verschwindende Dame) gemacht. Dieser Film zeigt sich einer Frau, die wird veranlasst durch das Verwenden derselben Halt-Bewegungstechnik wie der frühere Film von Edison verschwinden. Danach hat Georges Méliès viele einzelne Schuss-Filme mit diesem Trick im Laufe der nächsten beiden von Jahren gemacht.

Der andere grundlegende Satz von Techniken für die Trick-Kinematographie schließt doppelte Aussetzung des Films in der Kamera ein, die zuerst von G.A. Smith im Juli 1898 im Vereinigten Königreich getan wurde. Sein wurde Corsican Brothers im Katalog der Warwick Handelsgesellschaft beschrieben, die den Vertrieb der Filme von Smith 1900 so aufgenommen hat:

"Einer der Zwillingsbrüder kehrt nach Hause davon zurück, in den korsischen Bergen zu schießen, und wird vom Geist des anderen Zwillings besucht. Durch die äußerst sorgfältige Fotografie erscheint der Geist *quite transparent*. Nach dem Anzeigen, dass er durch einen Schwert-gestoßenen und das Bitten um Rache getötet worden ist, verschwindet er. Eine 'Vision' scheint dann zeigend des tödlichen Duells im Schnee. Zur Überraschung des Korsen werden das Duell und der Tod seines Bruders in der Vision, und schließlich lebhaft gezeichnet, durch seine Gefühle überwunden, er fällt zum Fußboden, gerade als seine Mutter ins Zimmer eingeht."

Die Geisterwirkung wurde einfach durch das Drapieren des Satzes im schwarzen Samt getan, nachdem die Haupthandlung, und dann das Wiederherausstellen der Verneinung mit dem Schauspieler geschossen worden war, der den Geist spielt, der die Handlungen am passenden Punkt durchgeht. Ebenfalls war die Vision, die innerhalb einer kreisförmigen Vignette oder matte erschienen ist, über ein schwarzes Gebiet in der Kulisse zur Szene, aber nicht über einen Teil des Satzes mit dem Detail darin ähnlich überlagert, so dass nichts durch das Image erschienen ist, das ziemlich fest geschienen ist. Smith hat diese Technik wieder ein Jahr später in Weihnachtsmann verwendet.

Georges Méliès hat zuerst Überlagerung auf einem dunklen Hintergrund in la Caverne maudite verwendet (Die Höhle der Dämonen) hat ein paar Monate später 1898 gemacht, und hat es dann weiter mit vielfachen Überlagerungen in derjenigen sorgfältig ausgearbeitet, die in l'Homme de têtes (Die Lästigen Köpfe) geschossen ist. Er hat es dann mit weiteren Schwankungen in zahlreichen nachfolgenden Filmen getan.

Andere spezielle Techniken

Die andere spezielle Wirkungstechnik, die G.A. Smith begonnen hat, war Rückwärtsbewegung und die Qualität, Images zu selbstmotivieren. Er hat das getan, indem er die Handlung ein zweites Mal wiederholt hat, während er es mit einer umgekehrten Kamera gefilmt hat, und sich dann dem Schwanz der zweiten Verneinung zu diesem der ersten angeschlossen hat. Das gemachte Verwenden der ersten Filme dieses Geräts, war Topsy, Turvy und Der Ungeschickte Schildermaler Beschwipst. Der Ungeschickte Schildermaler hat einer Schildermaler-Beschriftung ein Zeichen, und im Rückdruck derselben am Standarddruck angehangenen Gesamtlänge gezeigt, die Malerei auf dem Zeichen hat unter der Bürste des Malers verschwunden. Das frühste überlebende Beispiel dieser Technik ist Smith Das Haus Dass Jack Built, der vor dem September 1901 gemacht ist. Hier wird ein kleiner Junge gezeigt, ein Schloss niederschlagend, das gerade von einem kleinen Mädchen aus den Bausteinen von Kindern gebaut ist. Dann erscheint ein Titel, "Umgekehrt" sagend, und die Handlung wird rückwärts wiederholt, so dass das Schloss sich unter seinen Schlägen wiederaufstellt.

Cecil Hepworth hat diese Technik weiter genommen, indem er die Verneinung vorwärts gedruckt hat, Bewegung entwickelt sich umgekehrt durch den Rahmen, so einen Druck erzeugend, in dem die ursprüngliche Handlung genau umgekehrt wurde. Um das zu tun, hat er einen speziellen Drucker gebaut, in dem das negative Laufen durch einen Kinoprojektor ins Tor einer Kamera durch eine spezielle Linse geplant wurde, die ein Image der derselben-Größe gibt. Diese Einordnung ist gekommen, um einen "Vorsprung-Drucker", und schließlich einen "optischen Drucker" genannt zu werden. Damit hat Hepworth Die Schwimmer 1900 gemacht, in der Schwimmer haben sich die entkleidet und sind ins Wasser gesprungen erscheinen zum Frühling umgekehrt daraus, und haben ihre Kleidung magisch fliegen zurück auf ihre Körper.

Der Gebrauch von verschiedenen Kamerageschwindigkeiten ist auch 1900 erschienen. Um Robert Paul Auf einem Flüchtigen Auto durch den Piccadilly Zirkus (1899) zu machen, wurde die Kamera sehr langsam gedreht, so dass, als der Film an den üblichen 16 Rahmen pro Sekunde geplant wurde, die Landschaft geschienen ist, mit der großen Geschwindigkeit zu gehen. Cecil Hepworth hat die entgegengesetzte Wirkung im Indianerchef und dem Seidlitz Puder (1901) verwendet, in dem ein naiver Indianer viel von der zischenden Magen-Medizin isst, seinen Magen veranlassend, sich gewaltig auszubreiten. Er springt ringsherum in einem Weg, der einem Ballon ähnlich durch das Kröpfen der Kamera viel schneller gemacht wird als 16 Rahmen pro Sekunde. Das gibt, was wir eine Wirkung "der Zeitlupe" nennen würden.

Zeichentrickfilm

Die wichtigste Entwicklung in diesem Gebiet von speziellen Techniken, ist wohl, 1899, mit der Produktion des kurzen Films Matchs vorgekommen: Eine Bitte, eine zweiunddreißigste lange Halt-Bewegung hat Stück belebt, das beabsichtigt ist, um das Publikum dazu zu ermuntern, Matchs an britische Truppen zu senden, die mit dem Buren-Krieg kämpfen. Der Verhältniskultiviertheit dieses Stückes wurde für einige Zeit mit nachfolgenden Arbeiten im Zeichentrickfilm nicht gefolgt, der auf den kurzen, die zwei oder drei Rahmeneffekten, solche wird beschränkt, die 1902 von Edwin Porter kurzer "Spaß in einem Backgeschäft" erschienen sind, wo ein Klumpen des Geldes gemacht wurde, über den Kurs einer Drei-Rahmen-Folge zu lächeln. Arbeiten, die mit den in der Länge kurzen Briten konkurrieren, sind bis 1905 nicht erschienen, als Edwin Porter gemacht hat, Wie Jones Seine Rolle, und Die Ganze Dammfamilie und den Dammhund Verloren hat. Beide dieser Filme hatten Zwischentitel, die durch die Briefe gebildet wurden, die in Platz von einem zufälligen Zerstreuen umziehen, um die Wörter der Titel zu bilden. Das wurde durch das Herausstellen des Films ein Rahmen auf einmal und das Bewegen der Briefe ein kleines bisschen zu ihrer Endposition zwischen jeder Aussetzung getan. Das ist, was gekommen ist, um "Einzelbildzeichentrickfilm" oder "Gegenstand-Zeichentrickfilm" genannt zu werden, und es eine ein bisschen angepasste Kamera braucht, die nur einen Rahmen für jede Umdrehung des Kurbelgriffs, aber nicht die üblichen acht Rahmen pro Umdrehung ausstellt.

1906 haben Albert Edward Smith und James Stuart Blackton an Vitagraph den nächsten Schritt, und in ihren Humorvollen Phasen von Komischen Gesichtern gemacht, was scheint, Cartoon-Zeichnungen der Menschenbewegung von einer Pose bis einen anderen zu sein. Das wird für den grössten Teil der Länge dieses Films durch das Bewegen von verbundenen Ausschnitten des Zahl-Rahmens durch den Rahmen zwischen den Aussetzungen getan, gerade als Porter seine Briefe bewegt hat. Jedoch gibt es eine sehr kurze Abteilung des Films, wo Dinge gemacht werden zu scheinen, sich durch das Ändern der Zeichnungen selbst vom Rahmen bis Rahmen zu bewegen, der ist, wie Standardzeichentrickfilme bis zu heute seitdem gemacht worden sind.

Bericht-Filmaufbau

Der Weg vorwärts zum Bilden von aus mehr als einem Schuss zusammengesetzten Filmen wurde durch Filme des Lebens von Jesus Christus geführt. Der erste von diesen wurde in Frankreich 1897 gemacht, und ihm wurde in demselben Jahr durch einen Film des Leidenschaft-Spieles inszeniert jährlich in der tschechischen Stadt Horitz gefolgt. Das wurde von Amerikanern für die Ausstellung außerhalb der deutschsprachigen Welt gefilmt und wurde in speziellen Treffpunkten präsentiert, nicht als ein dauernder Film, aber mit den getrennten Szenen, die das Laterne-Gleiten, einen Vortrag, und lebende Chorzahlen eingestreut sind, um die Laufzeit des Schauspiels zu ungefähr 90 Minuten zu vergrößern.

Filme der gehandelten Fortpflanzung von Szenen vom Greco-türkischen Krieg wurden von Georges Méliès 1897, und obwohl verkauft, getrennt gemacht, diese wurden zweifellos in der dauernden Folge von Ausstellern gezeigt. 1898 wurden einige Filme der ähnlichen Art gemacht, aber dennoch hatte niemand dauernde Handlung, die sich von einem Schuss ins folgende bewegt. Die Mehrschuss-Filme, die Georges Méliès 1899 gemacht hat, waren viel länger als diejenigen, die von irgendjemand anderem gemacht sind, aber l'Affaire Dreyfus (Der Dreyfus Fall) und Cendrillon (Aschenputtel) hat noch keine Handlung enthalten, die sich von einem Schuss bis den folgenden bewegt. Außerdem von Cendrillon vorwärts hat Méliès ein Auflösen zwischen jedem Schuss in seinen Filmen gemacht, die jedes Äußere der Handlungskontinuität noch weiter reduziert haben. Um zu verstehen, was in beiden diesen Filmen weitergeht, musste das Publikum ihre Geschichten im Voraus wissen, oder sie von einem Moderator erzählt werden.

Filmkontinuität

Auf echte Filmkontinuität, was bedeutet, Handlung zu zeigen, die sich von einem Schuss in einen anderen bewegt, der damit angeschlossen ist, kann Robert W. Paul datiert werden ist Mitgekommen, Tun Sie! gemacht 1898. Im ersten Schuss dieses Films folgt ein altes Paar außerhalb einer Kunstausstellung anderen Leuten innen durch die Tür. Der zweite Schuss hat gezeigt, was sie innen tun.

Die weitere Entwicklung der Handlungskontinuität in Mehrschuss-Filmen hat 1899 weitergegangen. Im letzten Teil dieses Jahres hat George Albert Smith, in Brighton arbeitend, Den Kuss im Tunnel gemacht. Das hat mit einem Schuss von einer "Gespenst-Fahrt" am Punkt angefangen, an dem der Zug in einen Tunnel eintritt, und mit der Handlung auf einem Satz weitergegangen hat, der das Interieur eines Eisenbahnwagens vertritt, wo ein Mann einen Kuss einer Frau stiehlt, und dann zum Gespenst-Fahrt-Schuss stutzt, wenn der Zug aus dem Tunnel kommt. Einen Monat später hat die Gesellschaft von Bamforth in Yorkshire eine wiederinszenierte Version dieses Films laut desselben Titels gemacht, und in diesem Fall haben sie Schüsse eines Zugs hereingehend und abreisend eines Tunnels von neben den Spuren gefilmt, denen sie sich vorher und nach ihrer Version des Kusses innerhalb der Zugabteilung angeschlossen haben.

1900 wurde die Kontinuität der Handlung über aufeinander folgende Schüsse von George Albert Smith und James Williamson endgültig gegründet, der auch in Brighton gearbeitet hat. In diesem Jahr hat Smith Gesehen Durch das Fernrohr gemacht, in dem der Hauptschuss Straßenszene mit einem jungen Mann zeigt, der den Schnürsenkel bindet und dann den Fuß seiner Freundin liebkost, während ein alter Mann das durch ein Fernrohr beobachtet. Es gibt dann eine Kürzung, um Schuss der Hände auf den Fuß des Mädchens zu schließen, der innerhalb einer schwarzen kreisförmigen Maske, und dann eines gestutzten zur Verlängerung der ursprünglichen Szene gezeigt ist.

Noch bemerkenswerter ist der Angriff von James Williamson auf eine chinesische Missionsstation, die um dieselbe Zeit 1900 gemacht ist. Der erste Schuss zeigt das Tor zur Missionsstation von außen angegriffen und aufgebrochen von chinesischen Boxer-Rebellen, dann gibt es eine Kürzung zum Garten der Missionsstation, wo der Missionar und seine Familie gesetzt werden. Die Boxer eilen in und nach dem wert seienden Feuer mit dem Missionar hin, töten ihn, und jagen seine Familie ins Haus. Seine Frau erscheint auf dem Balkon, der für die Hilfe winkt, die sofort mit einer bewaffneten Partei von britischen Matrosen kommt, die durch das Tor zur Missionsstation, dieses Mal gesehen von innen erscheinen. Sie schießen an den Boxern und dem Fortschritt aus dem Rahmen in den folgenden Schuss, der von der entgegengesetzten Richtung genommen wird, die zum Haus schaut. Das setzt die erste "Gegenschuss"-Kürzung in der Filmgeschichte ein. Die Szene geht mit den Matrosen weiter, die die restlichen Mitglieder der Familie des Missionars retten.

G.A. Smith hat weiter die Ideen entwickelt, eine Szene zu brechen, die in einem Platz in eine Reihe von Schüssen geschossen ist, die von verschiedenen Kamerapositionen im Laufe der nächsten beiden von Jahren genommen sind, mit Den Kleinen Ärzten von 1901 anfangend. In diesem Film fungiert ein kleines Mädchen als Verwalter geben Medizin zu einem Kätzchen und Kürzungen von Smith in zu einem großen Ende des Kätzchens vor, wie sie so tut, und dann zum Hauptschuss stutzt. In diesem Fall schließen sich die eingefügten wird als ein in einer kreisförmigen Maske geschossener Gesichtspunkt nicht gezeigt. Er hat seine Arbeit im Missgeschick von Mary Jane von 1903, mit wiederholten Kürzungen in zu einem nahen Schuss eines Hausmädchens summiert, das, zusammen mit Überlagerungen und anderen Geräten, vor dem Aufgeben der Filmherstellung herumalbert, um das System von Kinemacolor der Farbenkinematographie zu erfinden.

James Williamson hat sich auf das Bilden von Filmen konzentriert, die von einem Platz handeln, der in einem Schuss zum folgenden gezeigt ist, das in einem anderen Schuss in Filmen wie Halt-Dieb gezeigt ist! und Feuer! gemacht 1901, und viele andere.

Filmkontinuität hat sich entwickelt

Andere Filmemacher haben dann alle diese Ideen aufgenommen, der die Basis des Filmaufbaus, oder "Filmsprache", oder "Filmgrammatik" ist, weil wir es wissen. Der am besten bekannte von diesen Filmemachern war Edwin S. Porter, der angefangen hat, Filme für Edison Company 1901 zu machen. Als er begonnen hat, längere Filme 1902 zu machen, hat er ein Auflösen zwischen jedem Schuss gestellt, wie Georges Méliès bereits tat, und er oft dieselbe Handlung über das Auflösen wiederholen lassen hat. Mit anderen Worten hat Edwin Porter die Grundlagen des Filmaufbaus nicht entwickelt. Die Pathé Gesellschaft in Frankreich hat auch Imitationen und Schwankungen von Smith und den Filmen von Williamson von 1902 vorwärts mit Kürzungen zwischen den Schüssen gemacht, die geholfen haben, die Grundlagen des Filmaufbaus zu standardisieren.

1903 gab es eine wesentliche Zunahme in der Zahl des mehrere Minuten langen Frau-Films [Bedeutung unklar] infolge der großen Beliebtheit des le Voyage dans la lune von Georges Méliès (Eine Reise zum Mond), der Anfang 1902 herausgekommen ist, obwohl solche Filme noch sehr Nebenrolle der Produktion waren. Die meisten von ihnen waren, was gekommen ist, um "Verfolgungsfilme" genannt zu werden. Diese wurden vom Halt-Dieb von James Williamson begeistert! 1901, der einem Getrampel gezeigt hat, das ein Bein des Hammelfleisches von einem Jungen eines Metzgers im ersten Schuss dann stiehlt, durch den zweiten Schuss durch den Jungen des Metzgers gejagt werden, und Hunde sortiert hat, und schließlich durch die Hunde im dritten Schuss gefangen werden.

Mehrere britische Filme, die in der ersten Hälfte von 1903 gemacht sind, haben die Verfolgungsmethode des Filmaufbaus erweitert. Diese haben Ein Durchbrennen à la mode und Der Taschendieb eingeschlossen: Eine Verfolgung Durch London, das von Alf Collins für den britischen Zweig der französischen Gaumont Gesellschaft gemacht ist, Tageslicht-Einbruchsdiebstahl Riskierend, der von Frank Mottershaw an Sheffield Photographic Company und Verzweifelter weich werdender Schlägerei gemacht ist, die von der Familie von Haggar gemacht ist, deren Hauptgeschäft Filme ausstellte, die durch andere in ihrem reisenden Zelt-Theater gemacht sind. Alle diese Filme, und tatsächlich wurden andere der ähnlichen Natur in den Vereinigten Staaten gezeigt, und einige sie wurden sicher von Edwin Porter gesehen, bevor er Den Großen Zugraub zum Ende des Jahres gemacht hat. Die Zeitkontinuität im Großen Zugraub ist wirklich verwirrender als das in den Filmen, auf denen es modelliert wurde, aber dennoch war es ein größerer Erfolg als sie weltweit wegen seiner Wilden Westgewalt.

Von 1900 haben die Firmenfilme von Pathé auch oft kopiert und haben die Ideen von den britischen Filmemachern geändert, ohne irgendwelche Hauptneuerungen im Bericht-Filmaufbau zu machen, aber schließlich hat das bloße Volumen ihrer Produktion zu ihren Filmemachern geführt, die eine weitere Präzision und polnisch zu den Details der Filmkontinuität geben.

Filmgeschichte von 1906 bis 1914

Das Filmgeschäft

1907 gab es ungefähr 4,000 kleine "Musikautomat"-Kinos in den Vereinigten Staaten. Die Filme wurden mit der Begleitung der von einem Pianisten zur Verfügung gestellten Musik gezeigt, obwohl es mehr Musiker geben konnte. Es gab auch ganz wenige größere Kinos in einigen der größten Städte. Am Anfang, die Mehrheit von Filmen in den Programmen waren Filme von Pathé, aber das hat sich ziemlich schnell geändert, weil die amerikanischen Gesellschaften Produktion gekröpft haben. Das Programm wurde aus gerade einigen Filmen zusammengesetzt, und die Show hat ungefähr 30 Minuten gedauert. Die Haspel des Films, der maximalen Länge, die gewöhnlich einen individuellen Film enthalten hat, ist die Standardeinheit der Filmproduktion und Ausstellung in dieser Periode geworden. Das Programm wurde zweimal oder mehr eine Woche geändert, aber ist zu fünf Änderungen des Programmes eine Woche nach ein paar Jahren gestiegen. Im Allgemeinen wurden Kinos in den feststehenden Unterhaltungsbezirken der Städte aufgestellt. In anderen Ländern der Westwelt war die Filmausstellungssituation ähnlich. Mit der Änderung zur "Musikautomat"-Ausstellung gab es auch eine Änderung, die von Pathé 1907, davon geführt ist, Filme völlig an das Mieten von ihnen durch den Filmaustausch zu verkaufen.

Die Streitigkeit über Patente zwischen allen amerikanischen Hauptfilmherstellungsgesellschaften hatte weitergegangen, und am Ende 1908 haben sie sich dafür entschieden, ihre Patente zu vereinen und ein Vertrauen zu bilden, um sie zu verwenden, um das amerikanische Filmgeschäft zu kontrollieren. Die betroffenen Gesellschaften waren Pathé, Edison, Biograph, Vitagraph, Lubin, Selig, Essanay, Kalem, und Kleine Optical Company, ein Haupteinfuhrhändler von europäischen Filmen. Die Gesellschaft von George Eastman, der einzige Hersteller des Rohfilms in den Vereinigten Staaten, war auch ein Teil der Vereinigung, die Motion Picture Patents Company (MPPC) und Eastman Kodak genannt wurde, der abgestimmt ist, um nur die Mitglieder mit dem Rohfilm zu versorgen. Lizenzgebühren, um Filme zu verteilen und zu planen, wurden aus allen Verteilern und Ausstellern herausgezogen. Die Produzieren-Gesellschaften, die ein Teil des Vertrauens waren, waren zugeteilte Produktionsquoten (zwei Haspeln, d. h. Filme, eine Woche für die größten, eine Haspel eine Woche für das kleinere), die haben genug sein sollen, um die Programme der lizenzierten Aussteller zu füllen. Vitagraph und Edison hatten bereits vielfache Produktionseinheiten, und so keine Schwierigkeit, die ihre Quote entspricht, aber 1908 hat Biograph ihren einen Arbeitsdirektor verloren. Sie haben den Job angeboten, ihre Filme D. W. Griffith, einem unwichtigen Schauspieler und Dramatiker zu machen, der den Job aufgenommen hat, und hat gefunden, dass er ein Geschenk dafür hatte. Allein hat er alle Filme von Biograph von 1908 bis 1910 gemacht. Das hat sich auf 30 Minuten der Schirm-Zeit eine Woche belaufen.

Aber der Markt war größer, als die Mitglieder von Motion Picture Patents Company liefern konnten. Obwohl 6,000 Aussteller mit dem MPPC unterzeichnet haben, ungefähr 2,000 haben andere nicht getan. Eine Minderheit des Austausches (d. h. Verteiler) ist außerhalb des MPPC geblieben, und 1909 hat dieser unabhängige Austausch sofort begonnen, neue Filmproduzieren-Gesellschaften finanziell zu unterstützen. Vor 1911 gab es genug unabhängige und ausländische Filme, die verfügbar sind, um alle Shows der unabhängigen Aussteller zu programmieren, und 1912 hatten die Unabhängigen fast Hälfte des Marktes. Der MPPC war in seinem Plan effektiv vereitelt worden, den ganzen USA-Markt zu kontrollieren, und die Regierungskartellhandlung, die nur jetzt gegen den MPPC angefangen hat, war nicht wirklich notwendig, um es zu vereiteln.

Mehrhaspel-Filme

Es war 1910, dass die Schauspieler in amerikanischen Filmen, die bis zu diesem Punkt anonym gewesen waren, begonnen haben, Schirm-Kredit zu erhalten, und der Weg zur Entwicklung von Filmstars geöffnet wurde. Das Äußere von Filmen, die länger sind als eine Haspel hat auch, diesem Prozess geholfen. Solche Filme waren äußerst selten, und haben fast völlig auf Filmversionen des Lebens von Christus eingeschränkt, der drei Haspeln in der Länge in den ersten paar Jahren des Kinos erreicht hatte. Sie wurden immer als ein spezielles Ereignis in speziellen Treffpunkten gezeigt, und durch den lebenden Kommentar und die Musik unterstützt. Eine einzigartige Hinzufügung zu diesem Stil der Präsentation war Die Geschichte der Bande von Kelly, die in Australien 1906 gemacht ist. Das war eine Vier-Haspeln-Version der Karriere davon berühmt (in Australien) Verbrecher, und war ohne Erklärung unverständlich. Mehr Mehrhaspel-Filme wurden in Europa gemacht als in den Vereinigten Staaten nach 1906, weil der MPPC darauf beharrt hat, auf der Grundlage von Ein-Haspel-Filmen herauf bis 1912 zu arbeiten. Jedoch, davor, haben einige MPPC Mitglieder um diese Beschränkung herumgekommen, indem sie gelegentlich längere Geschichten in getrennten Teilen gemacht haben, und sie in aufeinander folgenden Wochen veröffentlicht haben, mit Vitagraph Das Leben von Moses in fünf Teilen (und fünf Haspeln) am Ende 1909 anfangend. In anderen Ländern wurde dieser Film gerade bis als ein Bild gezeigt, und es hat die Entwicklung anderer Mehrhaspel-Filme in Europa begeistert.

Pathé-Frères stellen ein neues Zweigunternehmen in den Vereinigten Staaten genannt der Eklektische 1913 auf, und 1914 hat das Produktion von Eigenschaften am Werk von Pathé in New Jersey begonnen. Die französische Éclair Gesellschaft machte bereits Filme in den Vereinigten Staaten und ihre Produktion von mit der Übertragung von mehr Filmemachern vergrößerten Eigenschaften, als die französische Industrie am Anfang des Ersten Weltkriegs geschlossen wurde.

Bis zu 1913 wurde der grösste Teil amerikanischen Filmproduktion noch um New York ausgeführt, aber wegen des Monopols auf die Filmpatente von Thomas Edison hatten sich viele Filmemacher nach dem Südlichen Kalifornien bewegt, hoffend, der Litanei von Rechtssachen zu entkommen, die Edison Company gebracht hatte, um sein Monopol zu schützen. Einmal dort im Südlichen Kalifornien ist die Filmindustrie unaufhörlich gewachsen.

Die Bewegung zum Filmen in Kalifornien hatte begonnen, als Selig, eine der MPPC Gesellschaften, eine Produktionseinheit dorthin 1909 gesandt hat. Andere Gesellschaften, sowohl Unabhängige als auch Mitglieder des MPPC, haben dann Einheiten gesandt, um dort im Sommer zu arbeiten, um den Sonnenschein und die Landschaft auszunutzen. Der Letztere war für die Produktion von Westerns wichtig, der jetzt ein amerikanisches Hauptfilmgenre gebildet hat. Der erste Cowboy-Stern war G.M. Anderson ("Broncho Billy"), seine eigenen Westdramen für Essanay leitend, aber 1911 hat Tom Mix die Art von Kostümen gebracht, und im lebenden Wilden Westen verwendete Glanzstück-Handlung zeigt sich zu Filmproduktionen von Selig, und ist der größte Cowboy-Stern seit den nächsten zwei Jahrzehnten geworden.

Die meisten Hauptgesellschaften haben Filme in allen Genres gemacht, aber einige hatten ein spezielles Interesse an bestimmten Arten von Filmen. Sobald Selig Produktion in Kalifornien aufgenommen hatte, haben sie die (ziemlich) wilden Tiere vom Zoo verwendet, den Oberst Selig dort in einer Reihe von exotischen Abenteuern mit den Schauspielern aufgestellt, die menaced sind, oder durch die Tiere gespart hatte. Essanay hat sich auf Westerns spezialisiert, der "Broncho Billy" Anderson zeigt, und Kalem hat Sidney Olcott mit einem Aufnahmestab und einer Truppe von Schauspielern zu verschiedenen Plätzen in Amerika weggeschickt und auswärts Filmgeschichten in den wirklichen Plätzen zu machen, die sie haben geschehen sein sollen. Kalem hat auch für die weibliche Handlungsheldin von 1912 mit Ruth Roland den Weg gebahnt, die die Hauptrolle spielende Rollen in ihrem Westerns spielt.

Geringe Wissbegierde war einige der Filme von Solax, der von Herbert Blaché und seiner Frau Alice Guy geleitet ist. Sie haben amerikanischen Zweig der Gesellschaft von Gaumont 1912 verlassen, um ihre eigene unabhängige Firma zu gründen. Das Unterscheidungsmerkmal von einigen ihrer Filme war ein absichtlicher Versuch, entschlossen Theatertyp-Licht-Komödie zu verwenden, spielend, der zum Publikum geleitet wurde. Das ist gegen die Tendenz zur filmic Selbstbeherrschung gegangen, die bereits darin sichtbar ist, was "höfliche" Komödien von anderen Filmgesellschaften genannt wurde.

In Frankreich hat Pathé seine dominierende Position, gefolgt noch von Gaumont, und dann anderen neuen Gesellschaften behalten, die geschienen sind, den Filmboom zu befriedigen. Eine Filmgesellschaft mit einer verschiedenen Annäherung war Film d'Art. Das wurde am Anfang 1908 aufgestellt, um Filme einer ernsten künstlerischen Natur zu machen. Ihr offen erklärtes Programm sollte Filme mit nur die besten Dramatiker, Künstler und Schauspieler machen. Der erste von diesen war L'Assassinat du Duc de Guise (Der Mord des Duc de Guise), ein historischer unterworfener Satz im Gericht von Henri III. Dieser Film hat Hauptschauspieler von Comédie Francaise verwendet, und hatte eine spezielle von Camille Saint-Saens geschriebene Begleitkerbe. Die anderen französischen Majore sind Klage gefolgt, und diese Welle hat die Englischsprachige Beschreibung von Filmen mit künstlerischen Vorspiegelungen verursacht, die auf ein hoch entwickeltes Publikum als "Kunstfilme" gerichtet sind. Vor 1910 fingen die französischen Filmgesellschaften an, Filme nicht weniger als zwei, oder sogar drei Haspeln zu machen, obwohl die meisten noch eine Haspel lange waren. Dieser Tendenz wurde in Italien, Dänemark und Schweden gefolgt.

Obwohl die britische Industrie fortgesetzt hat sich auszubreiten, nach seinem hervorragenden Anfang haben sich die neuen Gesellschaften, die die ersten innovativen Filmemacher ersetzt haben, unfähig erwiesen, ihren Laufwerk und Originalität zu bewahren.

Neuer Film, der Länder erzeugt

Mit dem Weltfilmboom noch haben sich mehr Länder jetzt Großbritannien, Frankreich und den Vereinigten Staaten in der ernsten Filmproduktion angeschlossen. In Italien wurde Produktion über mehrere Zentren mit Turin ausgebreitet, das das erste und größte ist. Dort war Ambrosio die erste Gesellschaft im Feld 1905, und ist das größte im Land im Laufe dieser Periode geblieben. Sein wesentlichster Rivale war Cines in Rom, das angefangen hat, 1906 zu erzeugen. Die große Kraft der italienischen Industrie war historische Epen, mit großen Würfen und massiver Landschaft. Schon in 1911 machte der Zwei-Haspeln-la Caduta di Troia von Giovanni Pastrone (Der Fall des Troygewichts) einen großen Eindruck weltweit, und ihm wurde von noch größeren Brillen wie Quo Vadis gefolgt? (1912), der seit 90 Minuten und dem Cabiria von Pastrone von 1914 gelaufen ist, der seit zweieinhalb Stunden gelaufen ist.

Italienische Gesellschaften hatten auch eine starke Linie in der Pritsche-Komödie, mit Schauspielern wie Akt von André, bekannt lokal als "Cretinetti", und anderswohin als "Foolshead" und "Gribouille", Weltberühmtheit mit seinen fast surrealistischen Knebeln erreichend.

Das wichtigste filmerzeugende Land in Nordeuropa herauf bis den Ersten Weltkrieg war Dänemark. Die Nordisk Gesellschaft wurde dort 1906 von Ole Olsen, einem Festplatz-Impresario, und nach einer kurzen Periode aufgestellt, die Erfolge von französischen und britischen Filmemachern imitierend, 1907 hat er 67 Filme erzeugt, die durch Viggo Larsen, mit sensationellen Themen wie Bastelraum hvide Slavinde (Der Weiße Sklave), Isbjørnenjagt (Eisbär-Jagd) und Løvejagten (Die Löwe-Jagd) am meisten geleitet sind. Vor 1910 haben neue kleinere dänische Gesellschaften begonnen, sich dem Geschäft, und außer dem Bilden von mehr Filmen über den weißen Sklavenhandel anzuschließen, sie haben andere neue Themen beigetragen. Der wichtigste von diesen findet war Asta Nielsen in Afgrunden (Der Abgrund), geleitet durch die Städtische Zacke für Kosmorama, Das hat den Zirkus, das Geschlecht, den Neid und den Mord, alle gestellt mit der großen Überzeugung verbunden, und hat die anderen dänischen Filmemacher weiter in dieser Richtung gestoßen. Vor 1912 multiplizierten die dänischen Filmgesellschaften schnell.

Die schwedische Filmindustrie war kleiner und langsamer, um angefangen zu werden, als die dänische Industrie. Hier war der wichtige Mann Charles Magnusson, ein Wochenschau-Kameramann für die Kino-Kette von Svenskabiografteatern. Er hat Fiktionsfilmproduktion für sie 1909 angefangen, mehrere Filme selbst leitend. Produktion hat 1912 zugenommen, als die Gesellschaft Victor Sjöström und Mauritz Stiller als Direktoren verpflichtet hat. Sie sind aufgebrochen, indem sie die durch die dänische Filmindustrie bevorzugten Themen imitiert haben, aber vor 1913 erzeugten sie ihre eigene auffallend ursprüngliche Arbeit, die sehr gut verkauft hat.

Russland hat seine Filmindustrie 1908 mit Pathé begonnen, der einige Fiktionsthemen dort, und dann die Entwicklung von echten russischen Filmgesellschaften durch Aleksandr Drankov und Aleksandr Khanzhonkov schießt. Die Gesellschaft von Khanzhonkov ist schnell viel die größte russische Filmgesellschaft geworden, und ist also bis 1918 geblieben.

In Deutschland war Oskar Messter an der Filmherstellung von 1896 beteiligt worden, aber hat keine bedeutende Anzahl von Filmen pro Jahr bis 1910 gemacht. Als der Weltfilmboom angefangen hat, haben er und die wenigen anderen Leute im deutschen Filmgeschäft, fortgesetzt, Drucke ihrer eigenen Filme völlig zu verkaufen, die sie an einem Nachteil stellen. Es war nur, als Paul Davidson, der Eigentümer einer Kette von Kinos, Asta Nielsen und Urban Gad nach Deutschland von Dänemark 1911 gebracht hat, und eine Produktionsfirma, Projektions-AG "Vereinigung" (PAGU), für sie gegründet hat, dass ein Wechsel zum Mieten von Drucken begonnen hat. Messter hat mit einer Reihe von längeren Filmen geantwortet, die Henny Porten in der Hauptrolle zeigen, aber obwohl diese in der deutschsprachigen Welt gesund gewesen sind, waren sie international verschieden von den Filmen von Asta Nielsen nicht besonders erfolgreich. Ein anderer der wachsenden deutschen Filmerzeuger kurz vor dem Ersten Weltkrieg war der deutsche Zweig der französischen Éclair Gesellschaft, Deutsche Éclair. Das wurde von der deutschen Regierung enteignet, und DECLA verwandelt, als der Krieg angefangen hat. Aber zusammen hatten deutsche Erzeuger nur eine Nebenrolle des deutschen Marktes 1914.

Insgesamt, ungefähr von 1910, hatten amerikanische Filme den größten Anteil des Marktes in allen europäischen Ländern außer Frankreich, und sogar in Frankreich, die amerikanischen Filme hatten gerade die lokale Produktion aus dem ersten Platz am Vorabend des Ersten Weltkriegs gestoßen. So, selbst wenn der Krieg nicht geschehen war, können amerikanische Filme dominierend weltweit geworden sein. Obwohl der Krieg Dinge viel schlechter für europäische Erzeuger gemacht hat, haben die technischen Qualitäten von amerikanischen Filmen sie immer attraktiver für Zuschauer überall gemacht.

Filmtechnik

Mit der vergrößerten durch den Musikautomat-Boom erforderlichen Produktion wurde zusätzliche künstliche Beleuchtung immer mehr im Filmstudio verwendet, um weitschweifiges Sonnenlicht zu ergänzen, und so die Stunden zu vergrößern, dass Film während des Tages gedreht werden konnte. Die Hauptquellen haben verwendet wurden für die Straßenbeleuchtung gemachte Kreisbogen-Lichter modifiziert. Diese wurden entweder Latten aufgehoben vorwärts der Schauspieler vom Dach abgehangen, oder sind in Gruppen auf floorstands gestiegen. Die Hinzufügung eines Metallreflektors um die Kreisbogen-Quelle hat ein sehr breites Kehren des Lichtes in der gewünschten Richtung geleitet. Große Quecksilberdampf-Tube-Lichter (Cooper-Hewitts) wurden auch in Gestellen gelegt ebenso verwendet. Kreisbogen-Lichter waren verwendet worden, um spezielle sich entzündende Effekten in Filmen wie das Licht von einer Lampe oder Feuerschein vor 1906 zu erzeugen, aber das ist jetzt mehr üblich geworden.

File:vitlkW1.gif|thumb|Low Schlüssel, der sich für die unheilvolle Wirkung im Mysterium des Tempel-Gerichtes entzündet

Ein starker ausdrucksvoller Gebrauch einer Feuerwirkung kommt in D.W. Griffith eine Wandlung eines Alkoholikers (1909) vor. Hier wird der reformierte Alkoholiker mit seiner Familie vor dem Feuer im Herd in einer Einstellung glücklich wieder vereinigt, die das am Anfang des Films wieder hervorbringt, in dem das Feuer aus ist, und der Herd kalt ist, und die Familie mittellos ist.

Gedämpfte Beleuchtung (d. h. Beleuchtung, in der der grösste Teil des Rahmens dunkel ist) haben langsam begonnen, für unheilvolle Szenen, aber nicht in Filmen von D.W. Griffith verwendet zu werden. Der Thriller von Vitagraph, Das Mysterium des Tempel-Gerichtes (1910) hat gedämpfte Beleuchtung für eine Szene des Mords und ihr Gewissen (1912) Shows gedämpfte Beleuchtung getan allein mit dem künstlichen Licht für eine Szene des Terrors.

Diese Sorte der Beleuchtung erschien gelegentlich in europäischen Filmen vor 1911, und wurde in einigen Fällen viel weiter gestoßen. Die Beleuchtung von einem niedrigen Winkel wurde stärker im italienischen epischen Film Quo Vadis verwendet? 1912, und dann in berühmtem Cabiria (1914), um die unheimliche Atmosphäre in einer Szene zu verstärken.

Kontur-Effekten in Positionsszenen haben begonnen, 1909 sowohl in den Vereinigten Staaten als auch in Italien zu erscheinen; obwohl weil sich Dinge entwickelt haben, haben europäische Filmemacher mehr Gebrauch davon gemacht als die Amerikaner haben.

Der wichtigste Aspekt davon war, dass die Sonne solch Schüsse beteiligt zu haben, die Szene von hinten anzündet, und diese Annäherung durch das Verwenden des widerspiegelten Sonnenlichtes von einer weißen Oberfläche unter der Kamera erweitert wurde, um den Schatten auf den Schauspieler-Gesichtern von der Vorderseite anzuzünden. Das ist eine neuartige Technik, die D.W. Griffith und sein Kameramann Billy Bitzer wirklich erfunden haben können. Der nächste Schritt sollte diese Art der Hintergrundbeleuchtung auf die Beleuchtung von Schauspielern auf Studio-Sätzen übertragen. Bis zu dieser künstlichen Punkt-Beleuchtung im Studio waren Szenen immer von der Vorderseite oder Seitenvorderseite angezogen worden, aber 1912 hat es begonnen, einige Fälle zu geben, wohin Licht auf die Schauspieler von Kreisbogen-Flutlichtern aus dem Schuss hinter ihnen und zu einer Seite gestellt wurde, um eine Art Hintergrundbeleuchtung zu geben. Erst als 1915, dass die Wirkung der Hintergrundbeleuchtung der Schauspieler durch die Sonne in der Studio-Beleuchtung, durch das Verwenden eines starken Kreisbogen-Scheinwerfers völlig nachgeahmt wurde, der von oben und hinter dem Satz unten auf die Schauspieler scheint. Das ist langsam ein Standardbestandteil der Studio-Beleuchtung von Zahlen in amerikanischen Filmen geworden, aber sie hat viel länger genommen, um mit europäischen Kameramännern Anklang zu finden.

Zeichentrickfilm entwickelt sich

Die Technik des Einzelbildzeichentrickfilms wurde weiter 1907 von Edwin S. Porter in Den Teddys und von J. Stuart Blackton mit der Arbeit Gemacht Leicht entwickelt. Im ersten von diesen wurden die Spielzeugbären veranlasst sich zu bewegen, anscheinend selbstständig, und in den letzten Filmbauwerkzeugen wurden gemacht, Bauaufgaben ohne menschliches Eingreifen, durch das Verwenden des Rahmen-für-Rahmen-Zeichentrickfilms durchzuführen. Die Technik ist nach Europa fast sofort, und Segundo de Chomon gekommen, und andere an Pathé haben es weiter genommen, Tonzeichentrickfilm hinzufügend, in dem Skulpturen von einem Ding in ein anderes Ding Rahmen durch den Rahmen in der Skulptur moderne (1908) deformiert wurden, und dann Pathé den nächsten Schritt zum Zeichentrickfilm von Kontur-Gestalten gemacht hat. Auch in Frankreich hat Emile Cohl völlig gezogenen Zeichentrickfilm in einer Reihe von Filmen entwickelt, die mit Fantasmagorie (1908) anfangen, in denen Menschen und gezogenen Gegenständen weil Umriss-Zahlen obwohl eine Reihe von bemerkenswerten Wechselwirkungen und Transformationen gegangen sind. In den Vereinigten Staaten war die Antwort vom berühmten Bildgeschichte-Künstler Winsor McCay, der viel realistischere belebte Zahlen angezogen hat, die glattere, naturalistischere Bewegung in einer Reihe von Filmen durchgehen, die mit dem Film Wenig Außenreportage anfangen, die für Vitagraph 1911 gemacht ist. In den nächsten paar verschiedenen Jahren haben andere an dieser Entwicklung von Zeichentrickfilmen in den Vereinigten Staaten und anderswohin teilgenommen.

Querschneiden zwischen parallelen Handlungen

Da der Filmboom in Gang gekommen ist, haben die Filmemacher von Pathéa fortgesetzt, die Kontinuität der Handlung vom Schuss bis Schuss in ihren Filmen zu raffinieren. In Filmen wie der le Cheval emballé von Pathéa (Das Flüchtige Pferd) (1907), dort ist eine neue Eigenschaft erschienen, die Querschneiden zwischen parallelen Handlungen genannt werden kann. In diesem Film geht ein Ausfahrer über das Haus seiner Dame innerhalb eines Mietshauses, während sein Pferd eine große Mahlzeit einer Tasche von Hafer außerhalb eines Futter-Ladens stiehlt. Der Film stutzt und vorwärts zwischen den zwei Ketten der Handlung viermal, bevor der Ausfahrer herauskommt, und das Pferd mit ihm davonläuft. Noch wichtiger Anfang nächsten Jahres stutzt die Produktionseinheit von Pathé unten im Süden Frankreichs in Nettem gemachtem le Médecin du chateau (Der Arzt des Schlosses), in dem es gibt, und hervor zwischen Verbrechern, die einer Frau und Kind eines Arztes drohen, während der Arzt selbst nach Hause fährt, um sie zu retten, telefonisch gewarnt. Dieser Film enthält auch eine Kürzung in zu einem näheren Schuss des Arztes, weil er die schrecklichen Nachrichten am Telefon hört, die die neue Idee verwenden, näher am Schauspieler hineinzugelangen, um das Gefühl zu akzentuieren.

In den Vereinigten Staaten versuchte Vitagraph auch Querschneiden für die Spannung 1907 und 1908 mit Dem Mühle-Mädchen, und Bekommen Sie Mich eine Stehleiter. Bevor D.W. Griffith angefangen hat, an Biograph im Mai 1908 zu befehlen, hatte er die zwei Filme von Pathé gerade erwähnt und mehrere Filme von Vitagraph ebenso gesehen. Aber der erste Gebrauch von Griffith des Querschneidens in Der Tödlichen Stunde, gemacht im Juli 1908, hat eine viel stärkere Spannungsgeschichte, die durch diesen Aufbau gedient ist als diejenigen in den früheren Beispielen von Pathé. Von diesem Punkt vorwärts hat Griffith sicher das Gerät viel weiter entwickelt, allmählich die Zahl von Wechseln zwischen zwei, und spätere drei, Sätze von parallelen Szenen und auch ihre Geschwindigkeit steigernd. Dieser verstärkte Gebrauch wurde nur von anderen amerikanischen Filmemachern langsam aufgenommen. So, obwohl er die Technik des Querschneidens nicht erfunden hat, hat er es wirklich in eine starke Methode des Filmaufbaus bewusst entwickelt. Es ist auch wichtig zu bemerken, dass Griffith Querschneiden unterschiedslos als die 'Achterbahn' oder 'Beschränkung' oder 'Rückblende'-Technik beschrieben hat, und dass durch den letzten von diesen Begriffen er nicht vorgehabt hat, was wir jetzt durch eine 'Rückblende' verstehen. Die wahre 'Rückblende' wurde auch in dieser Periode, aber überhaupt nicht von D.W. Griffith entwickelt.

Obwohl D. W. Griffith keine neuen Filmtechniken erfunden hat, war er der beste Filmregisseur, der bis zu 1913 arbeitet, und das war, weil er besseren dramatischen und künstlerischen Gebrauch des Mediums gemacht hat als andere Direktoren. Ein Aspekt davon war die Struktur, die er seinen Filmen mit der Endszene gegeben hat, die die öffnende Szene, als im Beispiel einer Wandlung eines Alkoholikers bereits widerspiegelt, die oben erwähnt ist. Viele andere Beispiele davon wie Der Landarzt (1908) können in seiner Arbeit leicht gefunden werden. Aber die wichtigste Sache, die Griffith gemacht hat, war arbeiten bedeutende und ausdrucksvolle natürliche Gesten in intensiven Probe-Perioden mit seinen Schauspielern aus, bevor der Film, wie der aufgebrachte und eifersüchtige Mann in Der Stimme des Kindes (1911) das Wandern um sein Büro gedreht wurde, das auf einer Zigarre laut kaut und Wolken des Rauchs daraus durch zusammengepresste Zähne bläst.

Der vergrößerte Gebrauch von Griffith des Querschneidens zwischen parallelen Handlungen hat ihm geholfen, mehr Schüsse in seine Filme zu bekommen, als andere Direktoren, aber er hatte auch eine andere Methode, um das zu tun. Das war, eine Szene zu spalten, die im Zimmer (oder anderer Platz) in zwei oder mehr Abteilungen gespielt worden sein könnte, die sich umgekehrt und vorwärts zwischen angrenzenden Zimmern oder Räumen bewegt haben. Das Ergebnis davon bestand darin, dass die Filme von D.W. Griffith mindestens doppelt so viele Schüsse in ihnen hatten, wie diejenigen anderer amerikanischer Direktoren getan hat. Im Laufe dieser Periode haben die anderen Direktoren beschleunigt, aber haben Griffith auch. Zuerst hat die Technik des Ausschnitts in zu einem näheren Schuss eines Schauspielers in einer Szene keinen Beitrag zur Zunahme im Ausschnitt der Rate geleistet, weil es noch trotz des gründet als eine Möglichkeit in der Vorperiode sehr selten getan wurde. Die Ausnahme dazu war ein naher Schuss eines Gegenstands, der manchmal verwendet wurde, um genau verständlich zu machen, was eine Person tat. Es war nur zu 1913, dass Filmemacher begonnen haben, in nähere Schüsse mit jeder Regelmäßigkeit zu schneiden.

Jedoch sind amerikanische Filmemacher wirklich näher an den Schauspielern im Durchschnitt geworden, indem sie die ganze Szene mit der Kamera geschossen haben, die näher ist als vorher. Die Vitagraph Gesellschaft ist hier durch das Verwenden vorangegangen, was sie "die Neun-Fuß-Linie" von 1910 vorwärts genannt haben. Das hat bedeutet, dass die Schauspieler eine Szene bis zu einer Linie gespielt haben, die auf dem Boden neun Fuß von der Kameralinse gekennzeichnet ist, die bedeutet hat, dass mit ihnen Kürzung an der Taille im Image geprotzt wurde. Einige, aber nicht alle, amerikanische Filmemacher sind ihrem Beispiel gefolgt, es den "amerikanischen Vordergrund" nennend, während europäische Filmemacher beim "französischen Vordergrund geblieben sind, der" von Pathé 1907 gegründet ist, die nur die Schauspieler an den Schienbeinen abschneiden. Das hat den Schauspielern entsprochen, die bis zu hingestellten 4 Metern einer Linie vor der Kameralinse spielen.

Gesichtspunkt-Schüsse

Eine noch wichtigere Entwicklung war der Gebrauch des Gesichtspunkt-Schusses. Vorher waren diese nur verwendet worden, um die Idee davon zu befördern, was jemand im Film durch ein Fernrohr (oder andere Öffnung) sah, und das angezeigt wurde, indem es eine schwarze kreisförmige Maske oder Vignette innerhalb des Filmrahmens gehabt worden ist. Der wahre Gesichtspunkt (POV) hat geschossen, in dem einem Schuss von jemandem, auf etwas schauend, von einer Kürzung zu einem Schuss gefolgt wird, der von ihrer Position ohne jede Maske genommen ist, hat länger genommen, um zu erscheinen. 1910 in Vitagraph Zurück zur Natur sehen wir eine Riskante Wette von Leuten, die über die Schiene eines Schiffs herabsehen, das von unten genommen ist, gefolgt von einem Schuss des Rettungsboots sie schauen auf den genommenen von ihrer Position.

Jedoch haben die Filmemacher von Vitagraph fortgesetzt, etwas mit dem Gerät beunruhigt zu sein, weil ein wahrer POV-Schuss durch einen erklärenden Zwischentitel, "Eingeführt wird, was sie im Haus über das Gericht" in Jean von Larry Trimble und dem Verlassenen Kind gesehen haben, das am Ende 1910 gemacht ist. Aber ein paar Monate später hat Trimble Jean Rescues, eine andere der populären Reihen gemacht, die die erfundenen Großtaten seines Grenzcollies besternen, der Schüsse des Gesichtspunkts [POV] an einem passenden Punkt ohne Erklärung einführen ließ. Danach haben unvignettierte POV Schüsse begonnen, ziemlich oft in Filmen von Vitagraph, und auch gelegentlich in Filmen von anderen amerikanischen Gesellschaften zu erscheinen. Jedoch hat D.W. Griffith nur sie in einer Theatersituation verwendet, um zu zeigen, worauf das Publikum in einem Theater schauten, wie europäische Filmemacher getan hat.

Gegenschuss-Ausschnitt

Eine andere wichtige Entwicklung war im Gebrauch von Gegenschuss-Schüssen; d. h. eine Szene mit einer Kürzung zu einem Schuss der von der entgegengesetzten Richtung genommenen Handlung fortsetzend. Es gab isolierte Beispiele davon sehr früh und den ersten von diesen, der Angriff von Williamson auf eine chinesische Mission (1900) ist bereits erwähnt worden. Aber 1908, mit l'Assassinat du duc de Guise (Der Mord des Duc de Guise) anfangend, dort hat begonnen, andere Filme zu sein, in denen eine Szene von einer anderen Richtung durch den Ausschnitt zur Gegenseite gezeigt wurde. Diese Wirkung wurde gelegentlich in Europa und den Vereinigten Staaten im Laufe der nächsten beiden von Jahren imitiert und ist gekommen, um eine "Rückszene" genannt zu werden.

Der nächste Schritt, in dem zwei Schauspieler, die einander ins Gesicht sehen, in aufeinander folgenden nahen Schüssen von genommenen entgegengesetzten Richtungen zu jedem von ihnen gezeigt werden, ist erst, um am Ende 1911 im Bummler gesehen zu werden, der von Arthur Mackley für Essanay gemacht ist. Das ist, was Gegenschuss-Shot|reverse-Winkelausschnitt genannt wird, und er ständig in der gegenwärtigen Filmherstellung verwendet wird. Jedoch hat man einige Jahre gebraucht, um mit anderen amerikanischen Filmemachern Anklang zu finden, aber vor 1913 fing es an, mit der größeren Frequenz in der Arbeit von einigen Direktoren vorzukommen. Das ist völlig geschehen, als sie Außenszenen filmten, wo es kein Problem über das Schießen vorbei am Rand des Studio-Satzes gab. Ein Hauptbeispiel dieses Gebrauches des Endes im Gegenschuss-Ausschnitt ist Sein Letzter Kampf (1913), geleitet von Ralph Ince für Vitagraph, in dem-Drittel der Kürzungen zwischen einem Schuss und dem Gegenschuss sind. Jedoch ist diese Sorte des Dings nie in den Filmen von D.W. Griffith, oder in europäischen Filmen geschehen.

Symbolik und Einsatz-Schüsse

In dieser Periode wurde das Wort "Art" immer mehr im Zusammenhang mit Filmen, und infolge der zunehmenden künstlerischen Bestrebungen von Filmemachern erwähnt, Gedichte haben begonnen, direkt in Filme umgestellt zu werden. D.W. Griffith ist weiter gegangen als das, indem er die Sehentsprechung vom poetischen oder musikalischen Refrain im Weg der Welt (1910) geschaffen hat, indem er in Schüssen von Kirchglocken an Zwischenräumen unten die Länge des Films geschnitten hat. Jedoch war das ein Ausnahmefall, und erst als 1912, dass es die ersten Zeichen des speziellen ausdrucksvollen Gebrauches von Einsatz-Schüssen gab; d. h. Schüsse von Gegenständen aber nicht Leuten. Im italienischen Firmenfilm von Ambrosio La mala planta (Das Schlechte Werk), geleitet von Mario Caserini, der einen Fall der Vergiftung einschließt, gibt es einen Einsatz-Schuss einer Schlange, die über das 'Schlechte Werk' schlittert. Ein anderes der noch sehr seltenen Beispiele zu diesem Datum ist in Griffith Das Gemetzel, das am Ende 1912 gemacht wurde. Das schließt einen Einsatz-Schuss einer Kerze an einer Bettkante eines kranken Mannes ein, die rinnt, um seinen Tod anzuzeigen. Und doch ist ein anderer in der Firmenversion von Ambrosio von Gli ultimi giorni di Pompei (Die Letzten Tage von Pompeii) (1913). Dieser Film schließt eine Szene ein, die durch den Titel "Die Dornen des Neides vorangegangen ist," in dem eine zurückgewiesene Frau den Mann belauscht, den sie mit einer anderen Frau liebt, und wird dem von einem Verwelken zu einem Schuss eines Paares von Tauben gefolgt, das sich dann in einen Schuss eines Raubvogels auflöst.

Es war 1914, dass D.W. Griffith begonnen hat, den Gebrauch des Einsatzes zu aufrichtig drastisch ausdrucksvollen Enden zu biegen, aber er hatte das häufig nicht getan, und es wirklich nur mit seinem Das Rächende Gewissen von 1914 ist, den eine neue Phase im Gebrauch des Einsatz-Schusses anfängt. In diesem Film hat der Zwischentitel "Die Geburt des Übels gedacht" geht einer Reihe von drei Schüssen der Hauptfigur voran, die auf eine Spinne und Ameisen schaut, ein Kerbtier essend, obwohl an einem späteren Punkt im Film, wenn er sich vorbereitet, jemanden zu töten, diese Schüsse gerade in ohne Erklärung geschnitten werden. Sowie die symbolischen Einsätze haben bereits erwähnt, Das Rächende Gewissen hat auch umfassenden Gebrauch der großen Anzahl des Großen Endes Schüsse gemacht, Hände festzuhalten und Füße als ein Mittel zu klopfen, jene Teile des Körpers als Hinweise der psychologischen Spannung zu betonen. Griffith ist nie bis jetzt in dieser Richtung wieder gegangen, aber sein Gebrauch des Einsatz-Schusses hat seinen echten Eindruck auf anderen amerikanischen Filmemachern während der Jahre 1915-1919 gemacht.

Filmkunst

Die riesengroße Zunahme in der Filmproduktion hat nach 1906 unvermeidlich Fachmann-Schriftstellern in die Filmherstellung als ein Teil der zunehmenden Unterteilung der Arbeit gebracht, aber trotzdem mussten die Filmgesellschaften noch Geschichten von Außenseitern kaufen, um genug Material für ihre Produktion zu bekommen. Das hat eine größere Vielfalt in die Typen der in Filmen verwendeten Geschichte eingeführt. Der Gebrauch von komplizierteren Geschichten ist literarisch zurückzuführen gewesen, und Bühne-Arbeiten der neuen Vergangenheit haben auch zu Entwicklungen im Schrift-Filmaufbau beigetragen. Die allgemeine amerikanische Tendenz war, die Anschläge zu vereinfachen, die von Romanen und Spielen geliehen sind, so dass sie in einer Haspel und mit dem Minimum von titling und dem Maximum der aufrichtigen Bericht-Kontinuität befasst werden konnten, aber es gab Ausnahmen dazu. In diesen Fällen wurde die Information, die zum Film schwierig war und im starken dramatischen Interesse fehlend, in Bericht-Titel vor jeder Szene gestellt, und das war auch größtenteils die Gewohnheit in europäischen Filmen der ernstlicher beabsichtigten Art.

Filme wurden in Genres durch die Filmindustrie im Anschluss an die Abteilungen eingeteilt, die bereits in anderen Medien, besonders die Bühne gegründet sind. Die Hauptabteilung war in die Komödie und das Drama, aber diese Kategorien wurden weiter unterteilt. Komödie konnte irgendein Pritsche (gewöhnlich gekennzeichnet als "possenhafte Farce"), oder wechselweise "höfliche Komödie" sein, die später gekommen ist, um "Innenkomödie" oder "hoch entwickelte Komödie" genannt zu werden. D.W. Griffith hat eine kleine Zahl vom letzten Typ des Films in seinen ersten zwei Jahren an Biograph gemacht, aber hatte wenig Interesse oder Begabung für das Genre. Von 1910 hat er Frank Powell gelassen, und dann leitet Mack Sennett die Komödien von Biograph. Sennett ist 1912 abgereist, um die Schlussstein-Firma zu gründen, wo er seine Begeisterung für den Pritsche-Komödie-Stil geben konnte, ist auf die früheren Komödien von Pathé wie le Cheval emballé (Das Flüchtige Pferd) voller Zügel zurückzuführen gewesen. In Europa wurde der zurückhaltendere Typ der Komödie in wesentlichen Mengen in Frankreich mit den Filmen von Max Linder für Pathé entwickelt, der den Gipfel des Genres von 1910 vorwärts vertritt. Die Komödie von Linder wurde in einem oberen Mittelstandsmilieu gesetzt, und hat sich auf kluge und erfinderische Weisen verlassen, um die Unbehaglichkeit und Hindernisse herumzukommen, die in seiner aufrichtigen Verfolgung einer Absicht entstehen. Ganz häufig eine Absicht einer sexuellen Natur.

D.W. Griffith hatte einen Haupteinfluss auf die Vereinfachung von Filmgeschichten. Nachdem er an Biograph seit einem Jahr gewesen war, hat Griffith angefangen, einige Filme zu machen, die viel weniger Geschichte-Inhalt hatten als irgendwelche vorherigen Ein-Haspel-Filme. Im Landarzt ist die Handlung nicht mehr als verschiedene Leute einschließlich des Arztes, umgekehrt und vorwärts zwischen dem Haus des Arztes eilend, wo sein Kind, und ein benachbartes Cottage krank ist, wo ein anderes Kind auch krank ist. Vor 1912 und 1913, dort beginnen, viele Filme von vielen amerikanischen Gesellschaften zu sein, die sich auf die Verwendung neuartiger Dekoration zur Geschichte verlassen, anstatt irgendwelche Drehungen dem Drama selbst zu liefern, um Interesse zu stützen.

Zwischentitel

Zwischentitel, die Linien des Dialogs enthalten, haben begonnen, durchweg von 1908 vorwärts verwendet zu werden. In diesem Jahr, Vitagraph Eine Auto-Heldin; oder Die Rasse für die Vitagraph Tasse, und Wie Es Gewonnen Wurde, enthält einige Dialog-Titel, und der Julius Caesar des desselben Unternehmens schließt drei Linien des Dialogs vom in Zwischentiteln angesetzten Spiel von Shakespeare ein, bevor die Schauspieler sie sprechen, "Damit fertig zu sein, war der edelste Römer von ihnen allen".

Von 1909 ist eine kleine Anzahl von amerikanischen Filmen und sogar einem oder zwei europäischen, gekommen, um einige Dialog-Titel, oder "gesprochene Titel" einzuschließen, wie sie zurzeit genannt wurden. Filmemacher sind langsam davon fortgeschritten, diese Dialog-Titel vor der Szene zu stellen, in der sie, zum Ausschnitt von ihnen in die Mitte des geschossenen der Punkt gesprochen wurden, an dem, wie man verstand, sie wirklich durch die Charaktere gesprochen wurden. Dieser Übergang hat 1912 begonnen. Einmal im Gange wurde der Tendenz durch die Bewegung zum zunehmenden Gebrauch von Kürzungen innerhalb von Szenen in amerikanischen Filmen geholfen. 1913 wurde ein wesentliches Verhältnis der Dialog-Titel, die in amerikanischen Filmen verwendet wurden, in am Punkt geschnitten, als sie gesprochen wurden. Kaum war einige der Filme, wo das geschehen ist, Filme von D.W. Griffith, und tatsächlich enthalten viele seiner 1913-Filme noch keine Dialog-Titel überhaupt. Obwohl einige europäische Filmemacher die Tendenz zum Verwenden von Dialog-Titeln aufgenommen haben, haben sie sich in Bewegung zum Ausschnitt von ihnen in die Szene am Punkt nicht erholt, an dem sie wirklich bis ein paar Jahre später gesprochen wurden.

Die Einführung von Dialog-Titeln war davon weit, eine triviale Sache zu sein, weil sie völlig die Natur des Filmberichts umgestaltet haben. Als Dialog-Titel gekommen sind, um immer in eine Szene gerade geschnitten zu werden, nachdem ein Charakter anfängt, und dann verlassen mit einer Kürzung zum Charakter zu sprechen, kurz bevor sie beenden zu sprechen, dann hatte man etwas, was effektiv die Entsprechung von einem heutigen gesunden Film war.

Filmgeschichte von 1914 bis 1919

Das Filmgeschäft von 1914 bis 1919

Die Jahre des Ersten Weltkriegs waren eine komplizierte Übergangsperiode für die Filmindustrie. Es war die Periode, als sich die Ausstellung von Filmen aus kurzen Programmen von Ein-Haspel-Filmen zu längeren Shows geändert hat, die aus einem Hauptfilm von vier Haspeln oder länger, obwohl noch unterstützt, durch kurze Filme bestehen. Die Ausstellungstreffpunkte haben sich auch von kleinen Musikautomat-Kinos bis größere Kinos geändert, die höhere Preise beladen. Diese höheren Preise wurden von den neuen Filmstars teilweise gerechtfertigt, die jetzt geschaffen wurden. In den Vereinigten Staaten sind fast alle ursprünglichen Filmgesellschaften, die Motion Picture Patents Company gebildet haben, aus dem Geschäft in dieser Periode wegen ihres Widerstands gegen den Wechsel zu langen Hauptfilmen gegangen. Eine Ausnahme dazu war die Gesellschaft von Vitagraph, die bereits zu langen Filmen vor 1914 zur Seite rückte. Die Bewegung zum Drehen von mehr Filmen auf der Westküste um Los Angeles hat während des Ersten Weltkriegs weitergegangen, bis der Hauptteil der amerikanischen Produktion dort getragen wurde.

Universal Film Manufacturing Company war 1912 als eine Regenschirm-Gesellschaft für viele der unabhängigen Produzieren-Gesellschaften gebildet worden und hat fortgesetzt, während des Krieges zu wachsen. Andere unabhängige Gesellschaften wurden unter der Gegenseitigen Schlagzeile 1912 gruppiert, und es gab auch wichtige neue Eintretende, besonders Jesse Lasky Feature Play Company und Berühmte Spieler, die beide 1913 gebildet wurden, um die Tatsache auszunutzen, dass Filme die echte Substanz eines Bühne-Spieles (plus Dekorationen) wieder hervorbringen konnten, und so konnten die besten Spiele und Schauspieler von der legitimen Bühne in Filme gelockt werden. Tatsächlich hat die Filmindustrie den Begriff "Photospiel" für Filme in dieser Zeit angenommen. 1914 wurden die Gesellschaft von Lasky und Berühmten Spieler in Berühmte Spieler-Lasky mit dem Vertrieb ihrer von neuer Paramount Pictures Corporation behandelten Filme fusioniert.

Eine andere neue während der Kriegsjahre gebildete Hauptproduzieren-Gesellschaft war Dreieck, mit dem Regenmantel Sennett, D.W. Griffith und Thomas Ince, der seine Produktionseinheiten anführt. Trotz der beteiligten Talente hat es nur von 1915 bis 1917 gedauert, nach dem seine getrennten Erzeuger ihre Filme in Paramount für den Vertrieb gebracht haben. Ebenso kurzlebig, aber noch sehr wichtig, war World Film Company, die die meisten französischen Direktoren, Kameramänner und Entwerfer rekrutiert hat, die vorher am Fort Lee, Studio von New Jersey für Pathé und Éclair gearbeitet hatten.

Der größte Erfolg dieser Jahre war D.W. Griffith Die Geburt einer Nation (1915), gemacht für das Dreieck. Griffith hat sich an alle Ideen wegen des Films gewandt, der das inszeniert, er war in seinen Filmen von Biograph zu einer epischen Ansicht eines fanatischen weißen Südländers vom Bürgerkrieg und seinen Nachwirkungen gut gelaufen. Trotz Proteste in den nördlichen Städten der Vereinigten Staaten, die von der Nationalen Vereinigung für die Förderung von Farbigen Leuten und anderen organisiert sind, hat man viele Millionen an der Kasse gebraucht. Gestochen durch die Kritik seines Films hat Griffith einen neuen Film gemacht, den er gerade, Die Mutter und das Gesetz, in eines der Ufer eines noch größeren Films mit einem noch größeren Thema, Intoleranz (1916) beendet hatte.

Europäische Filmproduktion

In Frankreich haben Filmproduktion und Ausstellung geschlossen, weil sein Personal ein Teil der allgemeinen militärischen Mobilmachung des Landes am Anfang des Krieges geworden ist. Obwohl Filmproduktion wieder 1915 begonnen hat, war es auf einer reduzierten Skala, und die größten Gesellschaften haben sich allmählich von der Produktion zurückgezogen, um sich auf den Filmvertrieb und die Ausstellung zu konzentrieren. Folglich wurde durch die Kinos importierten Filmen, besonders amerikanischen übergeben. Neue kleine Gesellschaften sind ins Geschäft eingegangen, und neue junge Direktoren sind angekommen, um diejenigen zu ersetzen, die entworfen sind oder in den Vereinigten Staaten arbeitend. Der bemerkenswerteste von diesen war Abel Gance.

Italienische Filmproduktion hat sich während des Krieges mit langen als die Hauptform bereits gegründeten Eigenschaften gehalten. Jedoch gab es eine unglückselige Bewegung im Gegenstand dazu, was "Diva-Filme" genannt wurde. Diese romantischen Dramen hatten den weiblichen Star (die "Diva"), unter der unglücklichen Liebe leidend, und endlose kummervolle Jugendstil-Posen, während umgeben, durch Bewunderer männlichen Geschlechts und Luxus schlagend. Sie waren ein kommerzieller Misserfolg außerhalb Italiens.

In Dänemark hat die Gesellschaft von Nordisk seine Produktion so viel 1915 und 1916 vergrößert, dass es alle seine Filme nicht verkaufen konnte, die zu einem sehr scharfen Niedergang in der dänischen Produktion, und das Ende von Dänemarks Wichtigkeit auf der Weltfilmszene geführt haben. Nordisk Vertriebs- und Kino-Kette in Deutschland wurde von der deutschen Regierung 1917 effektiv enteignet. Die schwedische Industrie hatte dieses Problem nicht, wie seine Produktion mehr im Gleichgewicht mit dem Markt, und wichtiger war, war die Qualität seiner Filme jetzt als diejenigen von Dänemark höher.

Die deutsche Filmindustrie wurde durch den Krieg, obwohl mit den Hauptgesellschaften ernstlich geschwächt, die wie zuvor weitermachen. Die Vertriebsorganisation Projektions-AG "Vereinigung" (PAGU) hat als eine Regenschirm-Gesellschaft gehandelt, die Produktion durch individuelle Erzeuger und die Gesellschaft von Messter auch unterstützt, hat viele Filme gemacht. Der wichtigste von den neuen Filmerzeugern war zurzeit Joe May, der eine Reihe von Thrillern und Abenteuer-Filmen im Laufe der Kriegsjahre gemacht hat, aber Ernst Lubitsch ist auch in Bekanntheit mit einer Reihe von sehr erfolgreichen Komödien und Dramen eingetreten.

Wegen des großen lokalen Marktes für Filme in Russland wurde der Industrie dort durch den Krieg zuerst nicht geschadet, obwohl die Isolierung des Landes viele russische Filme dazu gebracht hat, eigenartig unterscheidende Merkmale zu entwickeln. Die Gesellschaft von Khanzhonkov hat seine Überlegenheit behalten, aber die Gesellschaft von Ermoliev, die 1914 gebildet worden war, ist sein Hauptmitbewerber geworden, der durch die Arbeit seines Sterns, Ivan Mosjoukins, und des Hauptdirektors, Yakov Protazanovs angetrieben ist. Die bolschewistische Revolution hat im Oktober 1917 die Filmgesellschaften in Privatbesitz zuerst nicht beseitigt, obwohl Produktion im Laufe 1918 reduziert wurde. Es war nur 1919, dass der Exodus des Talents aus dem Land stattgefunden hat, und Fiktionsfilmproduktion auf praktisch nichts reduziert wurde.

Filmstudio

Die Hauptänderung in Filmproduktionsmethoden in den Vereinigten Staaten während dieser Periode war die Änderung zum Schießen im "dunklen" Studio. Das vorhandene Glas-Roofed-Studio wurde bewusstlos gemacht, und die vielen neuen, die um Los Angeles bauen werden, wurden mit festen Wänden und Decken gebaut. Das hat bedeutet, dass das Schießen den ganzen Tag und Nacht weitergehen konnte, ohne durch das sich ändernde Sonnenlicht beschränkt zu werden. Der allgemeine weitschweifige daylighting im alten Studio wurde durch Flutlichter völlig ersetzt, und die Schauspieler wurden mit Flutlichtern auf floorstands individuell angezündet. Der Gebrauch eines Scheinwerfers von hoch am Rücken auf die Schauspieler zu rimlight sie ist häufiger, und ungefähr 1918 geworden einige amerikanische Kameramänner haben angefangen, Scheinwerfer zu verwenden, um die Schauspieler von der Vorderseite anzuzünden. All das hat bedeutet, dass die Zahlen der Schauspieler mehr durch die Beleuchtung modelliert, und vom Hintergrund durch die niedrigeren leichten auf den Sätzen jetzt verwendeten Niveaus mehr getrennt wurden. Das war ein Hauptschritt zu den sich entzündenden Standardstudio-Methoden der gesunden Periode. Zur gleichen Zeit gab es den Anfang einer Bewegung zum Verwenden künstlichen Lichtes, um die Schauspieler auf der Position anzuzünden, und etwas vom größten Studio hat elektrische Generator-Lastwagen für diesen Zweck gekauft. Alle diese Entwicklungen haben Jahre genommen, um Europa zu erreichen

Irising und weicher Fokus

Eine sehr erkennbare technische Entwicklung war die weit verbreitete Adoption irising-in und Szenen zu beginnen und zu beenden. Das ist die Enthüllung eines Films, der durch sein Äußeres innerhalb einer kleinen kreisförmigen Vignette-Maske gedreht ist, die allmählich größer wird, bis sie sich außer dem Rahmen ausbreitet, und das ganze Image im klaren ist. D.W. Griffith, der es unbarmherzig verwendet hat, war für die Popularisierung dieses Geräts verantwortlich. Vor 1918 fing der Gebrauch der Iris, um Folgen zu beginnen und zu beenden, an, in den Vereinigten Staaten abzunehmen, obwohl in Europa es gerade anfing, modisch zu werden. Zu diesem Datum ist es ziemlich leicht, amerikanische Filme wie Stella Maris zu finden, in der nur verwelkt, werden verwendet.

Es gab andere Varianten der einfachen Iris ebenso und in diesen die Maske-Öffnung oder das Schließen vor der Linse hatten Gestalten außer dem Rundschreiben. Einer der häufigeren von diesen Gestalten war der sich öffnende Schlitz; ein vertikaler Hauptspalt erscheint im völlig schwarzen Rahmen und erweitert sich, bis der ganze Rahmen klar ist, die Szene offenbarend, die im Begriff ist anzufangen. Schließlich hat die diagonal Öffnung geschlitzt ist ebenso erschienen, und dann gab es die rautenförmige öffnende Iris, als in Schlechtem Kleinem Peppina und Elsass (1916), aber nicht der übliche Kreis. Wieder wurden alle diese verschiedenen Formen sehr selten verwendet, und als sie wirklich in amerikanischen Filmen vorgekommen sind, war es gewöhnlich in den einleitenden Stufen. Vor 1918 wurden die Ränder von gewöhnlichen kreisförmigen Iris sehr kraus, als sie in amerikanischen Filmen verwendet wurden.

Das Umgeben des Images innerhalb von statischen Vignetten oder Masken von Gestalten außer dem Rundschreiben hat auch begonnen, in Filmen während der Jahre 1914-1919, einschließlich symbolischer Gestalten wie ein kreuzförmiger Ausschnitt im Film von Mary Pickford Stella Maris (Marshall Neilan, 1918) zu erscheinen, und Maurice Elvey in Großbritannien hat romantische Szenen in eine herzförmige Maske in Nelson gestellt; die Geschichte von Englands Unsterblichem Marinehelden (1918) und Die Felsen von Valpré (1919). Die elegantesten Varianten kommen in einigen Filmen vor, die Ernst Lubitsch 1919 gemacht hat. Darin Sterben Austernprinzessin (Die Auster-Prinzessin) eine dreifache Schicht von horizontalen Rechtecken mit rund gemachten Enden schließt Sätze von tanzenden Füßen an der wahnsinnigen Spitze eines Foxtrotts ein, und darin Sterben Puppe (Die Puppe) ein Dutzend klatschende Münder werden jeder in individuellen kleinen kreisförmigen in einer Matrix eingeordneten Vignetten eingeschlossen.

Eine neue von noch der Fotografie übernommene Idee war "weicher Fokus". Das hat 1915 mit einigen Schüssen begonnen, die unscharf für die ausdrucksvolle Wirkung, als im Fanchon von Mary Pickford das Kricket absichtlich werfen werden. Die Idee entwickelt langsam im Laufe der Kriegsjahre, bis in den Gebrochenen Blüten von D.W. Griffith (1918) die ganze Nahe USV von Lillian Gish wird durch den Gebrauch von Schichten des feinen schwarzen vor der Linse gelegten Baumwollineinandergreifens schwer ausgegossen. Schwere Linse-Verbreitung wurde auch auf allen anderen Schüssen verwendet, die die romantischen und sentimentalen Teile der Geschichte dieses Films vortragen.

Subjektive Effekten

Es war während dieser Periode, dass Kameraeffekten vorgehabt haben, die subjektiven Gefühle von Charakteren in einem Film zu befördern, wirklich hat begonnen, gegründet zu werden. Diese konnten jetzt als Schüsse des Gesichtspunkts (POV), als in Sidney Drew Die Geschichte des Handschuhs (1915) getan werden, wo ein wackliger tragbarer Schuss einer Tür und seines Schlüsselloches den POV eines betrunkenen Mannes vertritt. Im Armen Kleinen Reichen Mädchen (1917) ist ein Kameraschuss, der sich seitwärts neigt, beabsichtigt, um Delirium zu befördern, und vor 1918 hatte die Idee nach Russland, in Baryshnya i khuligan (Die Dame und der Rowdy), wo die Vernarrtheit des Rowdys mit der Dame durch seinen Gesichtspunkt ihres Aufspaltens in ein Multiplizieren überlagerten Images befördert wird.

Der Gebrauch von anamorphic (im allgemeinen Sinn der verdrehten Gestalt) Images erscheint zuerst in diesen Jahren mit dem la Folie du Docteur Tube von Abel Gance (Der Wahnsinn von Dr Tube). In diesem Film wurde die Wirkung eines zu einer Gruppe von Leuten verwalteten Rauschgifts durch das Schießen der in einem Verzerren-Spiegel des Festplatz-Typs widerspiegelten Szenen angedeutet. Später haben wir Bis die Wolkenrolle Durch (Victor Fleming, 1919), wo anamorphosis verwendet wird, um die Albtraum-Effekten der Verdauungsstörung auf eine komische Weise zu zeichnen. Tatsächlich wie so viele Filmeffekten, die die Darstellung der Wirklichkeit verdrehen, wurde anamorphosis zuerst exklusiv in komischen Zusammenhängen verwendet.

"Poetisches Kino" und Symbolik

Symbolische von der herkömmlichen literarischen und künstlerischen Tradition übernommene Effekten haben fortgesetzt, einen Anschein in Filmen während dieser Jahre zu machen. In D.W. Griffith Das Rächende Gewissen (1914) hat der Titel "Die Geburt des Übels gedacht" geht einer Reihe von drei Schüssen der Hauptfigur voran, die auf eine Spinne und Ameisen schaut, ein Kerbtier essend, obwohl an einem späteren Punkt im Film, wenn er sich vorbereitet, jemanden zu töten, diese Schüsse gerade in ohne Erklärung geschnitten werden. Vielleicht infolge des Einflusses von Griffith war 1915 ein großes Jahr für die Symbolik, Allegorien und Gleichnisse im amerikanischen Kino. Filme im Anschluss an diesen Weg haben unveränderlich Frauenfiguren in leichte, knappe Vorhänge, und tatsächlich manchmal das Tragen von nichts überhaupt, Tun "ausdrucksvoller" Tänze oder bemerkenswerter Plastikposen in Waldeinstellungen eingeschlossen. Titel schließen die Heuchler von Lois Weber, die Jugend von Vitagraph, eine Reinheit von jemandem anderen und so weiter ein. Der Blassgelbe Pfad fängt mit einer großen Malerei an, die das Konzept illustriert, das sich in eine Replik derselben Szene mit Schauspielern aufgestellt auflöst, und dann sie lebendig werden, weil diese bald populäre Aspekte des Filmbildens werden würden. Das wird dann durch nähere ausführliche lebende Handlungsdarstellungen von Stationen auf "Dem Blassgelben Pfad" verstärkt. Ein interessantes deutsches Beispiel davon ist ein paar Jahre später das Opium von Robert Reinert (1919), der einige bemerkenswerte Neuerungen im Gebrauch von Einsatz-Schüssen hat, um zu helfen, die Sensation der Rauschgift-Träumereien zu befördern. Diese reisen Landschaft-Schüsse, die von einem Boot genommen sind, das einen Fluss herunterkommt, und sie werden unscharf absichtlich geschossen, oder unterbelichtet, oder in den Film umgekehrt geschnitten.

Symbolistische Kunst und Literatur von der Jahrhundertwende hatten auch eine allgemeinere Wirkung auf eine kleine Anzahl von Filmen, die in Italien und Russland gemacht sind. Die nachlässige Annahme des Todes, der sich aus Leidenschaft und verbotenem Verlangen ergibt, war eine Haupteigenschaft dieser Kunst, und Staaten des Deliriums sind näher eingegangen ausführlich waren ebenso wichtig. Die ersten russischen Beispiele wurden alle von Yevgeni Bauer für Khanzhonkov während des Ersten Weltkriegs gemacht, und schließen Grezy, Schastye vechnoi nochi und Posle smerti, alle von 1915 ein. Diese entsprechen einigermaßen der Versprechung des `dekadenten' durch ihre Titel angedeuteten ästhetischen; Wachträume, Glück der Ewigen Nacht, und Nach dem Tod. Schastye vechnoi nochi schließt eine visuell sehr bemerkenswerte Vision eines medusa ähnlichen Ungeheuers ein, das auf einer Nachtschnee-Szene und *Posle smerti*has eine etwas feinere Traumvision eines toten Mädchens überlagert ist, das durch die Extrakreisbogen-Beleuchtung ausgewählt ist, durch ein windgeblasenes Getreidefeld im Halbdunkel spazieren gehend. In Italien hat ein anderes Land etwas filmically durch den Krieg isoliert, dieselbe Art der Verwirklichung des fin-de-siecle dekadenten ästhetischen Symbolisten kann größtenteils in mit dem "Diva"-Phänomen vereinigten Filmen gefunden werden. Das am meisten ganze Beispiel, das auch Dekor hat, um zusammenzupassen, ist Il gatto von Charles Kraus nero (Die Schwarze Katze). Das dauert ist einer der wenigen Filme dieser Art, um atmosphärische Einsatz-Schüsse zu verwenden, um die Stimmung zu erhöhen. Der erste von seinem Schöpfer ausführlich beabsichtigte Film, um eine Sehentsprechung der Dichtung, Marcel L'Herbier'sRose-France (1919) zu sein, geht weiter entlang diesen denselben Pfaden weiter.

Einsatz-Schüsse

Der Gebrauch von Einsatz-Schüssen, d. h. Nahe USV von Gegenständen außer Gesichtern, wurde sehr früh, aber abgesondert vom speziellen Fall von Einsätzen eines Briefs gegründet, der durch einen der Charaktere gelesen wurde, wurden sie vor 1914 selten verwendet. Es ist wirklich nur mit seinem *The, Conscience*of 1914 Rächend, den eine neue Phase im Gebrauch des Einsatz-Schusses anfängt. Sowie die symbolischen Einsätze haben bereits erwähnt, Das Rächende Gewissen hat auch umfassenden Gebrauch der großen Anzahl des Großen Endes Schüsse gemacht, Hände festzuhalten und Füße als ein Mittel zu klopfen, jene Teile des Körpers als Hinweise der psychologischen Spannung zu betonen. Griffith ist nie bis jetzt in dieser Richtung wieder gegangen, aber sein Gebrauch des Einsatzes hat seinen echten Eindruck auf anderen amerikanischen Filmemachern während der Jahre 1914-1919 gemacht. Cecil B. DeMille war eine Leitfigur im vergrößerten Gebrauch des Einsatzes, und vor 1918 hatte er den Punkt des Umfassens von ungefähr 9 Einsätzen in allen 100 Schüssen im Geflüster-Chor erreicht. Er hat auch den Einsatz in Gebiete der Sehsinnlichkeit gestoßen, die D.W. Griffith mit solchen Images als ein Ende eines versilberten Revolvers unzugänglich ist, der sich in einem Stapel von seidenen erotischen Zierbändern in einer Schublade in Alten Frauen für den Neuen (1918) einnistet.

Der atmosphärische Einsatz

Wie viele andere Geräte, die in Europa während des nächsten Jahrzehnts mehr völlig entwickelt wurden, was den "atmosphärischen Einsatz-Schuss" genannt werden konnte, hat sein erstes Äußeres in amerikanischen Filmen während der Jahre vor 1919 gemacht. Diese Art des Schusses ist ein in einer Szene, die weder einigen der Charaktere in der Geschichte enthält, noch ein Gesichtspunkt wird gesehen von einem von ihnen geschossen. Ein frühes Beispiel ist in Maurice Tourneur Der Stolz des Clans (1917), in dem es eine Reihe von Schüssen von Wellen gibt, die an einer felsigen Küste schlagen, die gezeigt werden, wenn der Schauplatz der Geschichte, die über die harten Leben von Fischer-Leuten ist, eingeführt wird. Einfachere und gröbere Beispiele von demselben Jahr kommen in William S. Hart'sThe Narrow Trail vor, in dem einem einzelnen Schuss des Mundes der San Francisco Bucht, die gegen das Licht (das Goldene Tor) genommen ist, durch einen Bericht-Titel vorangegangen wird, seine symbolische Funktion in der Geschichte erklärend. Dieser Film enthält auch einen Schuss der wilden Hügel- und Talkürzung darin, weil ein Charakter kommentiert, dass das von der Stadt weite Land so sauber und rein ist. Vor 1918 können wir einen Schuss des Himmels finden, der wird pflegt, die Stimmung von einem der Charaktere ohne spezifische Erklärung in Der Pistole-Frau (Frank Borzage) zu widerspiegeln, aber es muss betont werden, dass diese Beispiele sehr selten sind, und nicht entweder dann, oder innerhalb der nächsten mehreren Jahre getan haben, setzen Sie regelmäßige Praxis im amerikanischen Kino ein. Das Beispiel von Tourneur gerade erwähnt konnte auch als ein Teil des Anfangs der "Montage-Folge" stehen. Nelson von Maurice Elvey - Englands Unsterblicher Marineheld (1919) hat eine symbolische Folge, die sich aus einem Bild von Kaiser Wilhelm II zu einem Pfau, und dann zu einem Kriegsschiff auflöst. Der atmosphärische Einsatz hat seine bemerkenswerte Karriere im europäischen Kunstkino in Marcel L'Herbier'sRose-France begonnen. Hier unter dem absichtlich "poetischen" Gebrauch von Vignetten und Filtern und literarischen Zwischentiteln wird ein Schuss des leeren von den Geliebten einmal beschrittenen Pfads verwendet, um die Vergangenheit herbeizurufen.

Kontinuitätskino

Die Jahre 1914-1919 in Amerika haben auch die Verdichtung der Formen dessen gesehen, was die dominierende Weise des kommerziellen Kinos werden sollte:" Kontinuitätskino", oder "klassisches Kino". Während dieser Periode gab es andere Stile, die noch wichtig waren, und, wie man betrachten kann, diese entlang einem Spektrum zwischen den besten Beispielen des "Kontinuitätskinos" an einem Extrem, und am anderen Extrem das "Diskontinuitätskino" von D.W. Griffith liegen. Es gibt mehrere Faktoren, die an den starken und offenbaren Sehdiskontinuitäten zwischen aufeinander folgenden Schüssen in den Filmen von Griffith beteiligt sind, und der Gebrauch des Querschneidens zwischen parallelen Handlungen ist nur von diesen am offensichtlichsten. 1915 waren Kürzungen innerhalb der Dauer einer Szene noch in seinen Filmen relativ selten, und wenn sie wirklich vorkommen, waren sie oft von der Riskanten Wette oder Mittleren Riskanten Wette (die die Schüsse er am meisten verwendet waren) zu einem Großen Ende eines Einsatz-Details, das nur einen kleinen Teil des Rahmens im vorherigen Schuss besetzt hat. Das führt an sich eine ziemlich starke Sehdiskontinuität über die Kürzung ein, aber sowie dass der Einschnitt-Schuss häufig eine kreisförmige Vignette-Maske haben könnte, wenn es ein Ende einer Person war, so die Wirkung verstärkend. Und manchmal könnten die jetzt normale Iris von Griffith und Iris - darin auch auf dem eingefügten Schuss verlassen werden, wenn auch es Handlungskontinuität mit den Schüssen auf beiden Seiten seiner hatte. Sowie all das dort war die Gewohnheit von Griffith dazu, die Handlung in einen anderen Schuss in einem angrenzenden Raum, und dann zurück wieder zu bewegen, wenn es überhaupt möglich war, der eine gekennzeichnete Änderung im Hintergrund erzeugt hat, der auch seinen kleinen Beitrag zur Diskontinuität zwischen Schüssen geleistet hat.

Eine der fortgeschrittenen Kontinuitätstechniken ist mit der genauen Weise verbunden, wie die Bewegung von Schauspielern von einem Schuss in einer Position zu einem anderen in einer benachbarten Position behandelt wird. Am besten war diese Art des Übergangs vorher befasst worden, indem sie die Richtungen des Reisens des Schauspielers in den zwei Schüssen gehabt worden ist, entsprechen auf dem Schirm, aber in einem Film wie Das Bankeinbrecher-Schicksal (Jack Adolfi, 1914), kann man Schuss-Übergänge sehen, in denen eine Kürzung von einem Schauspieler gemacht wird, der gerade den Rahmen, zu einem Schuss von ihm gut innerhalb des Rahmens in einer angrenzenden Position verlässt, die die Positionen und so gut gewählten Richtungen haben, dass zum zufälligen Auge seine Bewegung ziemlich dauernd scheint, und die echte Ellipse der Zeit und Raums zwischen den Schüssen verborgen wird. Andere gute Beispiele dieser Technik, um mehrere Yards des überflüssigen Raums und ein paar Sekunden dessen zu beseitigen, verschwenden Zeit kann in den Filmen von Ralph Ince, besonders Das Richtige Mädchen (1915) gesehen werden, und vor 1919 wurde es in amerikanischen Filmen, aber nicht in denjenigen weit ausgegossen, die in Europa gemacht sind. All das steht mit dem Anstieg des Gebrauches des Ausschnitts zu verschiedenen Winkeln innerhalb einer Szene während der Jahre 1914-1919, und insbesondere zur Entwicklung des Gegenschuss-Ausschnitts in Verbindung.

Gegenschuss-Ausschnitt

Der Ausschnitt zu verschiedenen Winkeln innerhalb einer Szene ist jetzt fest als eine Technik geworden, für eine Szene in Schüsse in amerikanischen Filmen zu analysieren. Diese Annäherung war ein paar Male in früheren Jahren erschienen, aber in allgemeinen Kürzungen zu oder von einem näheren Schuss innerhalb einer Szene wurden noch mehr oder weniger unten die Linse-Achse, wie gegründet, in der Riskanten Wette der fraglichen Szene gemacht. Die besondere Form des Ausschnitts zu verschiedenen Winkeln innerhalb einer Szene, in der die Richtungsänderungen durch mehr als neunzig Grade Gegenschuss genannt wird, der von Filmemachern schneidet. Die Leitfigur in der vollen Entwicklung des Gegenschuss-Ausschnitts war Ralph Ince. Filme, die er an Vitagraph 1915 wie Das Richtige Mädchen und Sein Gespenst-Schätzchen gemacht hat, haben eine Vielzahl von Gegenschuss-Kürzungen im Interieur, sowie Äußeres, Szenen. Andere Direktoren fingen auch gerade an, diesen Stil 1915, zum Beispiel William S. Hart im Schlechten Dollar von Santa Ynez aufzunehmen.

Bezüglich Griffiths in der Geburt einer Nation gibt es gerade acht Kürzungen zu Gegenschuss-Schüssen in der Szene im Theater des Fords, während anderswohin überall in der Länge der zweieinhalb Stunde dieses Films es nur vier wahrere Gegenschuss-Kürzungen gibt. Dennoch wurde dem Stil von Griffith der Filmherstellung noch in seiner vollen Eigentümlichkeit, mit dem umfassenden Gebrauch von nebeneinander Räumen und einer bestimmten "Vorderseite" für die Kamera im grössten Teil der Pritsche-Komödie gefolgt. Direktoren von dramatischen Filmen, die Griffith auch gearbeitet hatten, sind seinem Stil ziemlich nah und ihm der Standard für durch seine Abteilung der Schönen Künste der Dreieck-Gesellschaft gemachte Filme gefolgt.

Vor 1916 gibt es mehrere Filme, in denen es ungefähr 15 bis 20 wahre Gegenschuss-Kürzungen pro Hundert Schuss-Übergänge, wie Der Fahnenflüchtige (Scott Sidney) und das Gehen Gerade gibt. Am Ende des Krieges haben solche Filme einen merklichen, aber Nebenrolle der Produktion gebildet: z.B Die Pistole-Frau (F. Borzage, 1918) und Jubilo (Clarence Badger, 1919). Dieses ganze kaum betroffene europäische Kino, wo jene wenigen verwendeten Gegenschuss-Kürzungen größtenteils zwischen einem Beobachter waren, und was er aus seinem Gesichtspunkt, beider sieht, in einem ziemlich entfernten Schuss gefilmt werden. Jedoch nach dem Ende des Krieges haben einige der klügeren jungen Direktoren wie Lubitsch angefangen, einige Gegenschuss-Kürzungen größtenteils in Verbindung mit dem Gesichtspunkt-Ausschnitt zu verwenden.

Die Rückblende

Der Gebrauch von Rückblende-Strukturen hat fortgesetzt, sich in dieser Periode zu entwickeln, und die übliche Weise, in eine Rückblende hereinzugehen und sie zu verlassen, war durch ein Auflösen, und das war tatsächlich der Hauptgebrauch in dieser Zeit für dieses Gerät. Die Vitagraph Gesellschaft Der Mann, Der (William Humphrey, 1914) Gewesen Sein Könnte, ist mit einer Reihe von Träumereien und Rückblenden noch komplizierter, die dem echten Durchgang der Hauptfigur durch das Leben damit gegenüberstellen, wie gewesen sein könnte, wenn sein Sohn nicht gestorben war. In diesem Film löst sich auf werden verwendet, sowohl um in die Rückblenden und auch die Wunsch-Träume, und auch für ein Zeitrafferinneres Träumereien einmal einzugehen als auch sie zu verlassen. Aber verwelkt werden auch zu diesen Zwecken darin und anderen Filmen der Periode verwendet, und Rückblende-Übergänge werden auch mit irising in anderen Filmen und sogar geraden Kürzungen getan.

Während des Ersten Weltkriegs ist der Gebrauch von Rückblenden in Filmen aus allen europäischen Hauptfilmherstellungsländern ebenso, aus Italien (Wiederale von Tigre) nach Dänemark (Evangeliemandens Liv) nach Russland vorgekommen (Grezy und Posle smerti), wohin es 1915 angekommen ist.

Da die Jahre einen plötzlichen Niedergang im Gebrauch des langen Rückblende-Folge-Satzes ungefähr 1917 vorwärtsgetrieben haben, aber andererseits ist der Gebrauch eines Übergangs zu und von einer kurzen einzelnen Schuss-Speicherszene ziemlich üblich in amerikanischen Filmen geblieben. Jedoch konnte es noch einen noch komplizierteren Rückblende-Aufbau in amerikanischen Filmen im Fall von der Dame von W.S. Van Dyke'sThe des Schützengrabens (1918) geben. Dieser Film hat eine Geschichte, die geschehen ist, lange vor dem durch einen Charakter in der sich entwickelnden Szene erzählt, und durch seinen erzählenden Dialog in Zwischentiteln am Anfang begleitet wird, obwohl nach einer Weile das anhält, und die Zwischentitel dann den Dialog befördern, der innerhalb der Rückblende vorkommt. Innerhalb dieser Hauptrückblende dort entwickelt Querschneiden zu einer anderen Geschichte, zur gleichen Zeit, und zuerst anscheinend unverbunden damit geschehend, obwohl die Verbindung schließlich erscheint. Dann innerhalb dieser ersten Rückblende erzählt die Dame des Titels eine andere Geschichte, die in der Rückblende-Form präsentiert ist, aber mit Cuts darin zurück zu Ereignissen, die im Zeitrahmen vorkommen, in dem sie ihr Erzählen tut. Wirklich ist all das ziemlich leicht zu folgen, während es den Film teilweise beobachtet, weil, was in allen diesen Schnuren der Handlung geschieht, relativ einfach ist.

Querschneiden zwischen parallelen Handlungen

Nach 1914 ist das Querschneiden zwischen parallelen Handlungen gekommen, um wann auch immer passend, in amerikanischen Filmen verwendet zu werden, obwohl das nicht der Fall in europäischen Filmen war. Es sollte bemerkt werden, dass ziemlich viel vom amerikanischen Gebrauch des Querschneidens nicht der schnelle Wechsel zwischen parallelen Ketten der Handlung war, die von D.W. Griffith, aber einer begrenzten Zahl von Wechseln entwickelt ist, um es zu machen, möglich, langweilige Bit der Handlung ohne echte Anschlag-Funktion auszulassen. In Europa haben einige der unternehmungslustigsten Direktoren Querschneiden manchmal verwendet, aber sie haben nie die Geschwindigkeit der vielen amerikanischen Beispiele dieser Technik erreicht.

Querschneiden wurde auch verwendet, um neue Effekten der Unähnlichkeit, wie die Querfolge in Cecil B. DeMille Der Geflüster-Chor zu bekommen, in dem ein vermutlich toter Mann eine Verbindung mit einer chinesischen Prostituierten in einer Opiumhöhle hat, während gleichzeitig seine unwissende Frau in der Kirche wieder geheiratet wird.

All das war im Vergleich zur Intoleranz von D.W. Griffith (1916) einfach, in dem vier parallele Geschichten überall in der ganzen Länge des Films zwischengeschnitten werden, obwohl in diesem Fall die Geschichten ähnlicher sind als das Kontrastieren in ihrer Natur. Der Gebrauch des Querschneidens innerhalb dieser parallelen Geschichten sowie zwischen ihnen hat eine Kompliziertheit erzeugt, die außer dem Verständnis des durchschnittlichen Publikums der Zeit war. Der Einfluss der Intoleranz hat einige andere Filme erzeugt, die mehrere ähnliche Geschichten verbunden haben, die ähnliche Themen, wie die Frau von Maurice Tourneur (1918) haben, aber der Kassenmisserfolg der Intoleranz hat sichergestellt, dass diese späteren Filme einfachere Strukturen hatten.

Die Entwicklung der Filmkunst

Die allgemeine Tendenz in der Entwicklung des Kinos, das von den Vereinigten Staaten geführt ist, war zum Verwenden kürzlich entwickelt spezifisch filmic Geräte für den Ausdruck des Bericht-Inhalts von Filmgeschichten und das Kombinieren davon mit den dramatischen Standardstrukturen bereits im Gebrauch im kommerziellen Theater. D.W. Griffith hatte das höchste Stehen unter amerikanischen Direktoren in der Industrie grundsätzlich wegen der dramatischen Aufregung er ist in seine Filme gekommen. Aber es gab andere, die auch als Hauptzahlen zurzeit betrachtet wurden. Der erste von diesen war Cecil B. DeMille, dessen Filme, wie Der Schwindel (1915), die moralischen Dilemmas herausgebracht haben, die ihren Charakteren auf eine feinere Weise gegenüberstehen als Griffith. DeMille war auch in der näheren Berührung mit der Wirklichkeit des zeitgenössischen amerikanischen Lebens. Maurice Tourneur wurde auch für die bildlichen Schönheiten seiner Filme zusammen mit der Subtilität seines Berührens der Fantasie hoch aufgereiht, während zur gleichen Zeit er dazu fähig war, größeren Naturalismus von seinen Schauspielern in passenden Momenten, als in einer Albernheit eines Mädchens (1917) zu bekommen.

Sidney Drew war der Führer im Entwickeln "höflicher Komödie", während Pritsche von Fetthaltigem Arbuckle und Charles Chaplin raffiniert wurde, den beide mit der Regenmantel-Schlussstein-Gesellschaft von Sennet angefangen haben. Sie haben den üblichen rasenden Schritt der Filme von Sennett reduziert, um dem Publikum eine Chance zu geben, die Subtilität und Finesse ihrer Bewegung und die Klugheit ihrer Knebel zu schätzen. Vor 1917 führte Chaplin auch dramatischeren Anschlag in seine Filme ein, und mischte die Komödie mit dem Gefühl.

In Russland hat Yevgeni Bauer eine langsame Intensität gestellt, verbunden mit symbolistischen Obertönen auf den Film auf eine einzigartige Weise zu handeln.

In Schweden hat Victor Sjöström eine Reihe von Filmen gemacht, die die Realien der Leben von Leuten mit ihren Umgebungen auf eine bemerkenswerte Weise verbunden haben, während Mauritz Stiller hoch entwickelte Komödie zu einem neuen Niveau entwickelt hat.

In Deutschland hat Ernst Lubitsch seine Inspiration von der Bühne-Arbeit von Max Reinhardt sowohl in der bürgerlichen Komödie als auch im Schauspiel bekommen und hat sich gewandt das zu seinen Filmen, in seinem kulminierend, starben Puppe (Die Puppe), stirbt Austernprinzessin (Die Auster-Prinzessin) und gnädige Frau Dubarry.

Triumphierendes Hollywood

Bis zu diesem Punkt waren die Kinos Frankreichs und Italiens das am meisten allgemein populäre und starke gewesen. Aber die Vereinigten Staaten gewannen bereits schnell, als Erster Weltkrieg (1914-1918) eine verheerende Unterbrechung in den europäischen Filmindustrien verursacht hat. Die amerikanische Industrie oder "Hollywood", weil es bekannt nach seinem neuen geografischen Zentrum in Kalifornien wurde, hat die Position gewonnen, die es mehr oder weniger seitdem gehalten hat: Filmfabrik für die Welt, sein Produkt zu den meisten Ländern auf der Erde exportierend und den Markt in vielen von ihnen kontrollierend.

Vor den 1920er Jahren haben die Vereinigten Staaten erreicht, was noch sein Zeitalter der größten jemals Produktion ist, einen Durchschnitt von 800 Hauptfilmen jährlich, oder 82 % der globalen Summe (Eyman, 1997) erzeugend. Die Komödien von Charlie Chaplin und Buster Keaton, den prahlerischen Abenteuern von Douglas Fairbanks und den Romanen von Clara Bow, um gerade einige Beispiele zu zitieren, haben die Gesichter dieser Darsteller wohl bekannt auf jedem Kontinent gemacht. Die Westsehnorm, die das klassische Kontinuitätsredigieren werden würde, wurde entwickelt und hat exportiert - obwohl seine Adoption in einigen Nichtwestländern ohne starke Realist-Traditionen in der Kunst und dem Drama wie Japan langsamer war.

Diese Entwicklung war mit dem Wachstum des Studio-Systems und seiner größten Werbungsmethode, des Sternsystems zeitgenössisch, das amerikanischen Film seit Jahrzehnten charakterisiert hat, um zu kommen, und zur Verfügung gestellte Modelle für andere Filmindustrien. Die effiziente, verfeinernde Kontrolle des Studios über alle Stufen ihres Produktes hat ein neues und jemals wachsendes Niveau der großzügigen Produktion und technischen Kultiviertheit ermöglicht.

Zur gleichen Zeit konzentriert sich die kommerzielle Reglementierung des Systems und auf entmutigte Kühnheit des bezaubernden Eskapismus und Ehrgeiz außer einem bestimmten Grad, ein Hauptbeispiel, das der Schriftsatz, aber noch die legendäre befehlende Karriere des bilderstürmenden Erich von Stroheims im verstorbenen Teenageralter und die 20er Jahre ist.

Das gesunde Zeitalter

Das Experimentieren mit der gesunden Filmtechnik, sowohl für die Aufnahme als auch für das Play-Back, war im Laufe des stillen Zeitalters eigentlich unveränderlich, aber die Zwillingsprobleme der genauen Synchronisation und genügend Erweiterung waren schwierig gewesen (Eyman, 1997) zu siegen. 1926 hat Studio von Hollywood Warner Bros. das "Vitaphone" System eingeführt, kurze Filme von lebenden Unterhaltungstaten und öffentlichen Zahlen erzeugend und registrierte Geräuscheffekte und Orchesterhunderte zu einigen seiner Haupteigenschaften hinzufügend. Während Endes 1927 hat Warners Den Jazzsänger befreit, der größtenteils still, aber enthalten war, was allgemein als der erste synchronisierte Dialog betrachtet wird (und singend) in einem Hauptfilm; aber dieser Prozess wurde wirklich zuerst von Charles Taze Russell 1914 mit dem langen Film Das Photodrama der Entwicklung vollbracht. Dieses Drama hat aus dem Bildergleiten und den bewegenden Bildern bestanden, die mit Plattenspieler-Aufzeichnungen von Gesprächen und Musik synchronisiert sind. Die frühen Prozesse des Tons auf der Scheibe wie Vitaphone wurden bald durch Methoden des Tons auf dem Film wie Fuchs Movietone ersetzt, Entwalden Phonofilm und RCA-Phototelefon. Die Tendenz hat die größtenteils widerwilligen Industriellen überzeugt, die, "Bilder" oder "Tonfilme" redend, die Zukunft waren. Viele Versuche wurden vor dem Erfolg des Jazzsängers gemacht, der in der Liste von Filmtonanlagen gesehen werden kann.

Industrieeinfluss des Tons

Die Änderung war bemerkenswert schnell. Am Ende von 1929 war Hollywood fast Volltonfilm, mit mehreren konkurrierenden Tonanlagen (bald, um standardisiert zu werden). Gesamtwechsel war im Rest der Welt hauptsächlich aus Wirtschaftsgründen ein bisschen langsamer. Kulturelle Gründe waren auch ein Faktor in Ländern wie China und Japan, wo silents erfolgreich mit dem Ton gut in die 1930er Jahre koexistiert hat, tatsächlich erzeugend, was einige der am meisten verehrten Klassiker in jenen Ländern wie Wu Yonggang sein würde, ist Die Göttin (China, 1934) und Yasujiro Ozu Geboren gewesen, Aber... (Japan, 1932). Aber sogar in Japan, eine Zahl wie der benshi, hat der lebende Erzähler, der ein Hauptteil des japanischen stillen Kinos war, gefunden, dass seine stellvertretende Karriere endete.

Klingen Sie weiter zusammengezogen der Griff des Hauptstudios in zahlreichen Ländern: Der riesengroße Aufwand des Übergangs hat kleinere Mitbewerber überwältigt, während die Neuheit des Tons gewaltig größere Zuschauer für jene Erzeuger gelockt hat, die geblieben sind. Im Fall von den Vereinigten Staaten schreiben einige Historiker Ton das Sparen des Studio-Systems von Hollywood angesichts der Weltwirtschaftskrise (Parkinson, 1995) zu. So hat begonnen, was jetzt häufig "Das Goldene Zeitalter Hollywoods" genannt wird, das sich grob auf die Periode bezieht, die mit der Einführung des Tons bis zum Ende der 1940er Jahre beginnt. Das amerikanische Kino hat seine Spitze des effizient verfertigten Zaubers und der globalen Bitte während dieser Periode erreicht. Von den Spitzenschauspielern des Zeitalters wird jetzt als die klassischen Filmstars, wie Clark Gable, Katharine Hepburn, Humphrey Bogart, Greta Garbo gedacht, und die größte Kasse zieht der 1930er Jahre, Kinderdarstellers Shirley Temple.

Kreativer Einfluss des Tons

Kreativ, jedoch, war der schnelle Übergang ein schwieriger, und in mancher Hinsicht, Film ist kurz zu den Bedingungen seiner frühsten Tage zurückgekehrt. Das Ende der 20er Jahre war mit statischen, theatralischen Tonfilmen voll, weil Künstler vor und hinter der Kamera mit den strengen Beschränkungen des frühen Stereogeräts und ihrer eigenen Unklarheit betreffs gekämpft haben, wie man das neue Medium verwertet. Viele Bühne-Darsteller, Direktoren und Schriftsteller wurden ins Kino vorgestellt, weil Erzeuger in der Dialog-basierten Erzählkunst erfahrenes Personal gesucht haben. Viele stille Hauptfilmemacher und Schauspieler waren unfähig sich anzupassen und haben ihre Karrieren streng verkürzt oder sogar beendet gefunden.

Diese ungeschickte Periode war ziemlich kurzlebig. 1929 war ein Wasserscheide-Jahr: William Wellman mit Chinesenviertel-Nächten und Der Mann ich Liebe, Rouben Mamoulian mit dem Beifall, Alfred Hitchcock mit der Erpressung (Großbritanniens erste gesunde Eigenschaft), waren unter den Direktoren, um größere Flüssigkeit zu Tonfilmen und Experiment mit dem ausdrucksvollen Gebrauch des Tons (Eyman, 1997) zu bringen. Darin,

sie beide haben dadurch Vorteil gehabt, und haben weiter, technische Fortschritte in Mikrofonen und Kameras und Fähigkeiten gestoßen, um Ton zu editieren und zu postsynchronisieren (anstatt den ganzen Ton direkt zur Zeit des Filmens zu registrieren).

Gesunde Filme, die auf der schwarzen Geschichte betont sind, und haben verschiedenen Genres mehr genützt als silents hat. Am offensichtlichsten ist der Musikfilm geboren gewesen; das erste klassisch-artige Musical von Hollywood war Die Broadway Melody (1929), und die Form würde seinen ersten Hauptschöpfer im Ballettmeister/Direktor Busby Berkeley (die 42. Straße, 1933, Damen, 1934) finden. In Frankreich hat der avantgardistische Direktor René Clair surrealen Gebrauch des Liedes und Tanz in Komödien wie Unter den Dächern Paris (1930) und Le Million (1931) gemacht. Universal Pictures beginnt, gotische Horrorfilme wie Dracula und Frankenstein (beider 1931) zu veröffentlichen. 1933 hat RKO das klassische "riesige Ungeheuer von Merian C. Cooper" Filmkönig Kong veröffentlicht. Die Tendenz ist am besten in Indien gediehen, wo der Einfluss des traditionellen Lied-Und-Tanzdramas des Landes das Musical die grundlegende Form von den meisten gesunden Filmen (Koch, 1990) gemacht hat; eigentlich unbemerkt durch die Westwelt seit Jahrzehnten würde dieses populäre Indianerkino dennoch das fruchtbarste in der Welt werden. (Siehe auch Bollywood.)

In dieser Zeit, amerikanischen Gangster-Filmen wie Kleiner Caesar und Wellman ist Der Staatsfeind (beider 1931) populär geworden. Dialog hat jetzt vor "der Pritsche" in Komödien von Hollywood den Vortritt gehabt: die schnell durchschrittene, witzige Neckerei Der Titelseite (1931) oder Es Zufällig eines Nachts (1934), der sexuelle doppelte entrendres von Mae West (Sie Getan Er Falsch, 1933) oder das häufig umstürzlerisch anarchische Quatsch-Gespräch von Marx Brothers (Ente-Suppe, 1933). Walt Disney, der vorher im kurzen Cartoon-Geschäft gewesen war, ist in Hauptfilme mit der ersten englisch sprechenden belebten Eigenschaft gegangen, die Schneewittchen und die Sieben Überragen; veröffentlicht von RKO Pictures 1937. 1939, ein Hauptjahr für das amerikanische Kino, hat solche Filme wie Der Zauberer der Unze und Gegangen mit Dem Wind gebracht.

Die 1940er Jahre: die Kriegs- und Nachkriegsjahre

Der Wunsch nach der Kriegspropaganda schuf eine Renaissance in der Filmindustrie in Großbritannien, mit realistischen Kriegsdramen wie 49. Parallele (1941), Ging der Tag Gut? (1942), Der Weg Vorn (1944) und Noël Coward und der berühmte Marinefilm von David Lean In Der Wir Aufschlag 1942, der einen speziellen Oscar gewonnen hat. Diese haben neben extravaganteren Filmen wie Michael Powell und Emeric Pressburger Das Leben und der Tod von Obersten Blimp (1943), Ein Märchen (1944) von Canterbury und Eine Sache des Lebens und Todes (1946), sowie dem 1944-Film von Laurence Olivier Henry V bestanden, der auf der Shakespearischen Geschichte Henry V gestützt ist. Der Erfolg von Schneewittchen und den Sieben ragt Über hat Disney erlaubt, mehr belebte Eigenschaften wie Pinocchio (1940), Fantasie (1940), Dumbo (1941) und Bambi (1942) zu machen.

Der Anfall der US-Beteiligung am Zweiten Weltkrieg hat auch eine Proliferation von Filmen sowohl als der Patriotismus als auch als die Propaganda gebracht. Amerikanische Propaganda-Filme haben Verzweifelte Reise, Frau Miniver, Für immer und ein Tag und Ziel Birma eingeschlossen. Bemerkenswerte amerikanische Filme von den Kriegsjahren schließen die antinazistische Bewachung auf dem Rhein (1943), scripted durch Dashiell Hammett ein; Schatten Zweifel (1943), die Richtung von Hitchcock einer Schrift von Thornton Wilder; das biografische Filmepos von George M. Cohan, Yankee-Kritzelei-Dandy (1942), James Cagney und unermesslich populären Casablanca mit Humphrey Bogart in der Hauptrolle zeigend. Bogart würde in 36 Filmen zwischen 1934 und 1942 einschließlich John Hustons Den maltesischen Falken (1941) in der Hauptrolle zeigen, einer der ersten Filme hat jetzt einen klassischen Film noir gedacht. 1941 hat RKO Pictures von Orson Welles gemachten Bürger Kane befreit. Es wird häufig als der größte Film aller Zeiten betrachtet. Es würde den Weg für den modernen Film bereiten, weil es das Filmgeschichte-Erzählen revolutioniert hat.

Die Strikturen der Kriegszeit haben auch ein Interesse an fantastischeren Themen gebracht. Diese haben Großbritanniens Melodramen von Gainsborough (einschließlich Des Mannes im Grau und Der Schlechten Dame) eingeschlossen, und Filme mögen Hier Kommt Herr Jordan, Himmel Kann Warten, ich habe eine Hexe und Vergnügten Geist Geheiratet. Val Lewton hat auch eine Reihe von atmosphärischen und einflussreichen Horrorfilmen des kleinen Budgets, einige der berühmteren Beispiele erzeugt, die Katze-Leute, Insel der Toten und Des Körpers Snatcher sind. Das Jahrzehnt hat wahrscheinlich auch die so genannten "Frauenbilder", solcher als Jetzt, Reisender, Zufällige Ernte und Mildred Pierce an der Spitze ihrer Beliebtheit gesehen.

1946 hat RKO Radio gesehen veröffentlichen Es ist ein Wunderbares von Frank Capra geleitetes Leben. Soldaten, die vom Krieg zurückkehren, würden die Inspiration für Filme wie Die Besten Jahre Unserer Leben zur Verfügung stellen, und viele von denjenigen in der Filmindustrie hatten in etwas Kapazität während des Krieges gedient. Die Erfahrungen von Samuel Fuller im Zweiten Weltkrieg würden seine größtenteils autobiografischen Filme von späteren Jahrzehnten wie Das Große Rote beeinflussen. Das Studio des Schauspielers wurde im Oktober 1947 von Elia Kazan, Robert Lewis, und Cheryl Crawford, und dasselbe Jahr gegründet Oskar Fischinger hat Bewegungsmalerei Nr. 1 gefilmt.

1943 wurde Ossessione in Italien geschirmt, den Anfang von italienischem neorealism kennzeichnend. Hauptfilme dieses Typs während der 1940er Jahre haben Rad-Diebe, Rom, Offene Stadt und La Terra Trema eingeschlossen. 1952 wurde Umberto D befreit, gewöhnlich hat den letzten Film dieses Typs gedacht.

Gegen Ende der 1940er Jahre, in Großbritannien, hat Ealing Studio ihre Reihe von berühmten Komödien einschließlich Whiskys In rauen Mengen unternommen!, der Pass zu Pimlico, Freundlichen Herzen und Kronen und Dem Mann in der Weißen Klage und Carol Reed hat seine einflussreichen Thriller Sonderbarer Mann, Das Gefallene Idol und Der Dritte Mann geleitet. David Lean wurde auch eine Kraft im Weltkino mit der Kurzen Begegnung und seinen Anpassungen von Dickens Große Erwartungen und Oliver Twist schnell, und Michael Powell und Emeric Pressburger würden die beste von ihrer kreativen Partnerschaft mit Filmen wie Schwarze Narzisse und Die Roten Schuhe erfahren.

Die 1950er Jahre

Das Haus Unamerikanisches Tätigkeitskomitee hat Hollywood am Anfang der 1950er Jahre untersucht. Protestiert von Hollywood Zehn vor dem Komitee ist das Hören hinausgelaufen von vielen Schauspielern, Schriftstellern und Direktoren, einschließlich Chayefsky, Charlie Chaplins und Dalton Trumbos auf die schwarze Liste zu setzen, und viele von diesen sind nach Europa, besonders dem Vereinigten Königreich geflohen.

Das Zeitalter des Kalten Kriegs zeitgeist übersetzt in einen Typ der nahen Paranoia ist in Themen wie das Eindringen in Armeen von schlechten Ausländern, (Invasion des Körpers Snatchers, Der Krieg der Welten) erschienen; und die kommunistischen fünften Kolumnisten, (Der Manchurian Kandidat).

Während der unmittelbaren Nachkriegsjahre wurde die filmische Industrie auch durch das Fernsehen bedroht, und die zunehmende Beliebtheit des Mediums hat bedeutet, dass einige Filmtheater Bankrotteur und nahe würden. Die Besitzübertragung des "Studio-Systems" hat den Selbstkommentar von Filmen wie der Sunset Boulevard (1950) und Das Schlechte und das Schöne (1952) gespornt.

1950 hat Lettrists avante-gardists Aufruhr an den Cannes Filmfestspielen verursacht, als die Abhandlung von Isidore Isou auf dem Schlamm und der Ewigkeit geschirmt wurde. Nach ihrer Kritik von Charlie Chaplin und Spalt mit der Bewegung hat der Ultra-Lettrists fortgesetzt, Störungen zu verursachen, als sie ihre neuen hypergrafischen Techniken gezeigt haben.

Der notorischste Film ist das Heulen von Guy Debord für Sade von 1952.

Gequält durch die steigende Zahl von geschlossenen Theatern würden Studio und Gesellschaften neue und innovative Weisen finden, Zuschauer zurückzubringen. Diese eingeschlossenen Versuche, ihre Bitte mit neuen Schirm-Formaten wörtlich breiter zu machen. Cinemascope, der eine Unterscheidung von 20th Century Fox bis 1967 bleiben würde, wurde mit dem 1953 Die Robe bekannt gegeben. VistaVision, Cinerama, hat And-Todd AO AO "größer geprahlt ist bessere" Annäherung an Marktfilme zu einem abnehmenden US-Publikum. Das ist auf das Wiederaufleben von epischen Filmen hinausgelaufen, um die neuen Kinoleinwand-Formate auszunutzen. Einige der erfolgreichsten Beispiele dieser biblischen und historischen spectaculars schließen Die Zehn Gebote (1956), Die Wikinger (1958), Ben-Hur (1959), Spartacus (1960) und El Cid (1961) ein. Auch während dieser Periode waren mehrere andere bedeutende Filme erzeugter In-Todd AO AO, der von Mike Todd kurz vor seinem Tod einschließlich Oklahomas entwickelt ist! (1955) Um die Welt in 80 Tagen (1956), der Südliche Pazifik (1958) und Cleopatra (1963) plus noch viele.

Kniffe sind auch gewuchert, um in Zuschauern zu locken. Der Modeschrei für den 3. Film würde seit nur zwei Jahren, 1952-1954 dauern und hat geholfen, Haus von Wachs und Wesen von der Schwarzen Lagune zu verkaufen. Schloss des Erzeugers William würde tout Filme, die "Emergo" "Percepto", die erste von einer Reihe von Kniffen zeigen, die populäre Marktwerkzeuge für das Schloss und andere im Laufe der 1960er Jahre bleiben würden.

In den Vereinigten Staaten wurde eine post-WW2 Tendenz zum Verhör der Errichtung und gesellschaftlichen Normen und des frühen Aktivismus der Bürgerrechtsbewegung in Filmen von Hollywood wie Wandtafel-Dschungel (1955), Auf dem Ufer (1954), Marty von Paddy Chayefsky und die 12 Bösen Männer von Reginald Rose (1957) widerspiegelt. Disney hat fortgesetzt, belebte Filme namentlich zu machen; Aschenputtel (1950), Peter Pan (1953), Dame und das Getrampel (1955), und Dornröschen (1959). Er hat jedoch begonnen, an lebenden Handlungsfilmen mehr beteiligt, Klassiker wie 20,000 Ligen Unter dem Meer (1954), und Alter Yeller (1957) erzeugend. Fernsehen hat begonnen, sich ernstlich mit in Theatern geplanten Filmen zu bewerben, aber überraschend hat es mehr filmgoing gefördert, anstatt es zu verkürzen.

Rampenlicht ist wahrscheinlich ein einzigartiger Film in mindestens einer interessanter Rücksicht. Seine zwei, führen Charlie Chaplin und Claire Bloom, waren in der Industrie in keinen weniger als drei verschiedenen Jahrhunderten. Im 19. Jahrhundert hat Chaplin sein Theaterdebüt im Alter von acht Jahren, 1897, in einer Klotz-Tanzen-Truppe, Den Acht Jungen von Lancaster gemacht. Im 21. Jahrhundert genießt Bloom noch eine volle und produktive Karriere, in Dutzenden von Filmen und Fernsehreihe erschienen, die bis zu und einschließlich 2010 erzeugt ist.

Goldenes Zeitalter des asiatischen Kinos

Im Anschluss an das Ende des Zweiten Weltkriegs in den 1940er Jahren, im nächsten Jahrzehnt, die 1950er Jahre, hat ein 'Goldenes Zeitalter' für das nichtenglische Weltkino besonders für das asiatische Kino gekennzeichnet. Viele der am kritischsten mit Jubel begrüßten asiatischen Filme aller Zeiten wurden während dieses Jahrzehnts, einschließlich der Geschichte von Tokio von Yasujiro Ozu (1953), Satyajit Ray Die Apu Trilogie (1955-1959) und Das Musik-Zimmer (1958), der Ugetsu von Kenji Mizoguchi (1954) und Sansho der Gerichtsvollzieher (1954), der Awaara von Raj Kapoor (1951), die Schwimmwolken von Mikio Naruse (1955), der Pyaasa des Gurus Dutt (1957) und Kaagaz Ke Phool (1959), und die Filme von Akira Kurosawa Rashomon (1950), Ikiru (1952), Sieben Samurais (1954) und Thron des Bluts (1957) erzeugt.

Während 'des Goldenen Zeitalters' des japanischen Kinos der 1950er Jahre haben erfolgreiche Filme Rashomon (1950), Sieben Samurais (1954) und Die Verborgene Festung (1958) durch Akira Kurosawa, sowie die Geschichte von Tokio von Yasujiro Ozu (1953) und den Godzilla von Ishirō Honda (1954) eingeschlossen. Diese Filme haben einen tiefen Einfluss auf das Weltkino gehabt. Insbesondere die Sieben Samurais von Kurosawa ist mehrere Male als Westfilme, solcher als Das Großartige Sieben (1960) und Kampf Außer den Sternen (1980) wieder gemacht worden, und hat auch mehrere Filme von Bollywood, wie Sholay (1975) und chinesisches Tor (1998) begeistert. Rashomon wurde auch als Das Verbrechen (1964), und inspirierte Filme mit "Rashomon Wirkung" Erzählkunst-Methoden, wie Andha Naal (1954), Die Üblichen Verdächtigen (1995) und Hero (2002) wieder gemacht. Die Verborgene Festung war auch die Inspiration hinter den Star Wars von George Lucas (1977). Andere berühmte japanische Filmemacher von dieser Periode schließen Kenji Mizoguchi, Mikio Naruse, Hiroshi Inagaki und Nagisa Oshima ein. Japanisches Kino ist später eine der Hauptinspirationen hinter der Neuen Bewegung von Hollywood der 1960er Jahre zu den 1980er Jahren geworden.

Während 'des Goldenen Zeitalters' des Indianerkinos der 1950er Jahre erzeugte es 200 Filme jährlich, während unabhängige Indianerfilme größere Anerkennung durch internationale Filmfestspiele gewonnen haben. Einer der berühmtesten war Die Apu Trilogie (1955-1959) vom kritisch mit Jubel begrüßten bengalischen Filmregisseur Satyajit Ray, dessen Filme einen tiefen Einfluss auf das Weltkino, mit Direktoren wie Akira Kurosawa, Martin Scorsese, James Ivory, Abbas Kiarostami, Elia Kazan, François Truffaut, Steven Spielberg, Carlos Saura, Jean-Luc Godard, Isao Takahata, Gregory Nava, Ira Sachs, Wes Anderson und Danny Boyle hatten, der unter Einfluss seines filmischen Stils ist. Gemäß Michael Sragow Des Atlantiks Monatlich schulden die "jungen mit der Ankunft volljährigen Dramen, die Kunsthäuser seit der Mitte der fünfziger Jahre überschwemmt haben, eine enorme Schuld gegenüber der Trilogie von Apu". Die kinematografische Technik von Subrata Mitra des Schlags, der sich auch entzündet, entsteht aus Der Apu Trilogie. Andere berühmte Indianerfilmemacher von dieser Periode schließen Guru Dutt, Ritwik Ghatak, Mrinal Sen., Raj Kapoor, Bimal Roy, K. Asif und Mehboob Khan ein.

Das Kino Südkoreas hat auch ein 'Goldenes Zeitalter' in den 1950er Jahren erfahren, mit dem schrecklich erfolgreichen Remake von Direktor Lee Kyu-Hwan von Chunhyang-jon (1955) beginnend. In diesem Jahr auch hat die Ausgabe der Yangsan Provinz durch den berühmten Direktor, Kim Ki-Young gesehen, den Anfang seiner produktiven Karriere kennzeichnend. Sowohl die Qualität als auch Menge der Filmherstellung hatten schnell am Ende der 1950er Jahre zugenommen. Südkoreanische Filme, wie die 1956-Komödie von Lee Byeong-Il Sijibganeun nal (Der Hochzeitstag), hatten begonnen, internationale Preise zu gewinnen. Im Gegensatz zum Anfang der 1950er Jahre, als nur 5 Filme pro Jahr gemacht wurden, wurden 111 Filme in Südkorea 1959 erzeugt.

Die 1950er Jahre waren auch ein 'Goldenes Zeitalter' für das philippinische Kino, mit dem Erscheinen von künstlerischeren und reifen Filmen und der bedeutenden Verbesserung in filmischen Techniken unter Filmemachern. Das Studio-System hat rasende Tätigkeit in der lokalen Filmindustrie erzeugt, weil viele Filme jährlich gemacht wurden und mehrere lokale Talente angefangen haben, Anerkennung auswärts zu verdienen. Die Premiere philippinische Direktoren des Zeitalters hat Gerardo de Leon, Gregorio Fernandez, Eddie Romero, Lamberto Avellana und Cirio Santiago eingeschlossen.

Die 1960er Jahre

Während der 1960er Jahre hat sich das Studio-System in Hollywood geneigt, weil viele Filme jetzt auf der Position in anderen Ländern gemacht wurden, oder Studio-Möglichkeiten auswärts, wie Kiefernwald im Vereinigten Königreich und Cinecittà in Rom verwendet. Filme "Von Hollywood" wurden noch auf Familienzuschauer größtenteils gerichtet, und es waren häufig die altmodischeren Filme, die die größten Erfolge des Studios erzeugt haben. Die Produktion wie Mary Poppins (1964), Meine Schöne Dame (1964) und Der Ton der Musik (1965) war unter den größten guten Geschäftsmännern des Jahrzehnts. Das Wachstum in unabhängigen Erzeugern und Produktionsgesellschaften und der Zunahme in der Macht von individuellen Schauspielern hat auch zum Niedergang der traditionellen Studio-Produktion von Hollywood beigetragen.

Es gab auch ein zunehmendes Bewusstsein des fremdsprachigen Kinos während dieser Periode. Während des Endes der 1950er Jahre und der 1960er Jahre haben die französischen Neuen Welle-Direktoren wie François Truffaut und Jean-Luc Godard Filme wie Cent-Staatsstreiche von Les quatre, Atemlos und Jules und Jim erzeugt, der die Regeln der Kino-Bericht-Struktur von Hollywood gebrochen hat. Ebenso wurden sich Zuschauer italienischer Filme wie La Dolce Vita von Federico Fellini und der steifen Dramen von Schwedens Ingmar Bergman bewusst.

In Großbritannien, das "Freie Kino" von Lindsay Anderson, führen Tony Richardson und andere zu einer Gruppe von realistischen und innovativen Dramen einschließlich der Samstagsnacht und am Sonntagsmorgen, Eine Art Lieben und Dieses Sportliche Leben. Andere britische Filme wie Repulsion, Liebling, Alfie, Explosion und Georgy Girl (alle in 1965-1966) haben geholfen, Verbot-Geschlecht und Nacktheit auf dem Schirm zu reduzieren, während das zufällige Geschlecht und die Gewalt der Filme von James Bond, mit Dr No beginnend, 1962 die Reihe populär weltweit machen würden.

Während der 1960er Jahre hat Ousmane Sembène mehrere Franzosen - und Wolof-sprachige Filme erzeugt und ist der 'Vater' des afrikanischen Kinos geworden. In Lateinamerika wurde die Überlegenheit des Modells "von Hollywood" von vielen Filmemachern herausgefordert. Fernando Solanas und Octavio Gettino haben nach einem politisch beschäftigten Dritten Kino im Gegensatz zu Hollywood und dem europäischen auteur Kino verlangt.

Weiter haben die Kernparanoia des Alters und die Drohung eines apokalyptischen Kernaustausches (wie der 1962-Ende-Anruf mit der UDSSR während der kubanischen Raketenkrise) eine Reaktion innerhalb der Filmgemeinschaft ebenso veranlasst. Filme wie Dr Strangelove von Stanley Kubrick und Scheitern Sicher mit Henry Fonda wurden in Hollywood erzeugt, das einmal für seinen offenen Patriotismus und Kriegspropaganda bekannt war.

Im Dokumentarfilm haben die sechziger Jahre das Blühen des Direkten Kinos, einen Beobachtungsstil des Filmbildens sowie des Advents mehr offen parteiischer Filme wie Im Jahr des Schweins über den Krieg von Vietnam durch Emile de Antonio gesehen. Bis zum Ende der 1960er Jahre jedoch begannen Filmemacher von Hollywood, mehr innovative und groundbreaking Filme zu schaffen, die die soziale Revolution übernommen viel von der Westwelt wie Bonnie und Clyde (1967), Der Absolvent (1967), (1968), Rosmarins Baby (1968), Mitternachtcowboy (1969), Leichter Reiter (1969) und Das Wilde Bündel (1969) widerspiegelt haben. Bonnie und Clyde werden häufig als der Anfang so genannten Neuen Hollywoods betrachtet.

Im japanischen Kino hat Oscar, Direktor Akira Kurosawa gewinnend, Yojimbo (1961) erzeugt, der wie seine vorherigen Filme auch einen tiefen Einfluss um die Welt hatte. Der Einfluss dieses Films ist in Sergio Leone Eine Hand voll Dollars (1964) und das Letzte Mann-Stehen von Walter Hill (1996) am meisten offenbar. Yojimbo war auch der Ursprung des "Mannes ohne Namen" Tendenz.

Inzwischen in Indien hat der Oscar, den bengalischen Direktor Satyajit Ray gewinnend, eine Schrift für Den Ausländer 1967, gestützt auf einer Sciencefictionsgeschichte von Bangla geschrieben, die er selbst 1962 geschrieben hatte. Der Film war beabsichtigt, um sein Debüt in Hollywood zu sein, aber die Produktion wurde schließlich annulliert. Dennoch hat die Schrift fortgesetzt, spätere Filme wie der E.T von Steven Spielberg zu beeinflussen. (1982) und der Koi von Rakesh Roshan... Mil Gaya (2003).

Die 1970er Jahre: 'Neues Hollywood' oder Postklassisches Kino

'Neues Hollywood' und 'postklassisches Kino' sind Begriffe, die gebraucht sind, um die Periode im Anschluss an den Niedergang des Studio-Systems während der 1950er Jahre und der 1960er Jahre und des Endes des Produktionscodes, zu beschreiben (der 1968 durch das MPAA geltende Filmsystem ersetzt wurde). Während der 1970er Jahre haben Filmemacher zunehmend ausführlichen sexuellen Inhalt gezeichnet und haben gunfight und Kampfszenen gezeigt, die grafische Images von blutigen Todesfällen eingeschlossen haben.

'Postklassisches Kino' ist ein Begriff, der gebraucht ist, um die sich ändernden Methoden der Erzählkunst "Neuen Hollywoods" Erzeuger zu beschreiben. Die neuen Methoden des Dramas und der Charakterisierung haben auf Publikum-Erwartungen gespielt, die während der Klassischen Periode / Periode des Goldenen Zeitalters erworben sind: Geschichte-Chronologie kann zusammengerafft werden, Handlungen der Geschichte können beunruhigende "Drehungsenden" zeigen, Hauptcharaktere können sich auf eine moralisch zweideutige Mode benehmen, und die Linien zwischen dem Gegner und der Hauptfigur können verschmiert werden. Die Anfänge der postklassischen Erzählkunst können im Film der 1940er Jahre und 1950er Jahre noir Filme, in Filmen wie Rebell Ohne eine Ursache (1955), und im Psycho von Hitchcock gesehen werden. 1971 hat die Ausgabe von umstrittenen Filmen wie Strohhunde, Uhrwerk Orange gekennzeichnet, Die französische Verbindung und Schmutzig Verwüsten. Diese befeuerte erhitzte Meinungsverschiedenheit über die wahrgenommene Eskalation der Gewalt im Kino.

Während der 1970er Jahre ist eine neue Gruppe von amerikanischen Filmemachern, wie Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Roman Polanski, Steven Spielberg, George Lucas und Brian De Palma erschienen. Das ist mit der zunehmenden Beliebtheit der auteur Theorie in der Filmliteratur und den Medien zusammengefallen, die das postuliert haben, drücken Filme eines Filmregisseurs ihre persönliche Vision und kreative Einblicke aus. Die Entwicklung des auteur Stils der Filmherstellung hat geholfen, diesen Direktoren viel größere Kontrolle über ihre Projekte zu geben, als in früheren Zeitaltern möglich gewesen wäre. Das hat zu einigen großen kritischen und kommerziellen Erfolgen, wie der Taxichauffeur von Scorsese, Coppola Die Pate-Filme, das Chinesenviertel von Polanski, die Kiefer von Spielberg und Nahen Begegnungen der Dritten Art und George Lucas geführt. Es ist auch jedoch auf einige Misserfolge, einschließlich Peter Bogdanovichs Endlich Liebe und das Tor des ungeheuer teuren epischen Westhimmels von Michael Cimino hinausgelaufen, das geholfen hat, die Besitzübertragung seines Unterstützers, Vereinigter Künstler zu verursachen.

Die Finanzkatastrophe des Tors des Himmels, das das Ende der visionären "auteur" Direktoren "Neuen Hollywoods" kennzeichnet, die ungehemmte kreative und finanzielle Freiheit hatten, Filme zu entwickeln. Der phänomenale Erfolg in den 1970er Jahren von Kiefern und Star Wars insbesondere geführt der Anstieg des modernen "Kassenerfolgs". Studio von Hollywood hat sich zunehmend darauf konzentriert, eine kleinere Zahl von sehr großen preisgünstigen Filmen mit dem massiven Marketing und den fördernden Kampagnen zu erzeugen. Diese Tendenz war bereits durch den kommerziellen Erfolg von Katastrophe-Filmen wie Das Abenteuer von Poseidon und Das Hohe Inferno ahnen lassen worden.

Während der Mitte der 1970er Jahre wurden mehr pornografische Theater, euphemistisch genannt "erwachsene Kinos", gegründet, und die gesetzliche Produktion von harten pornografischen Filmen hat begonnen. Porno-Filme wie Tiefer Hals und sein Stern ist Linda Lovelace etwas eines populären Kulturphänomenes geworden und ist auf eine Überschwemmung von ähnlichen Sexualfilmen hinausgelaufen. Die Porno-Kinos sind schließlich während der 1980er Jahre ausgestorben, wenn die Popularisierung des Hausvideorecorders und der Pornografie erlaubte Zuschauer aufnimmt, um Sexualfilme zuhause zu beobachten. Am Anfang der 1970er Jahre sind sich Englischsprachige Zuschauer mehr des neuen westdeutschen Kinos, mit Werner Herzog, Rainer Werner Fassbinder und Wim Wenders unter seinen Haupthochzahlen bewusst geworden.

Im Weltkino haben die 1970er Jahre eine dramatische Zunahme in der Beliebtheit von Kampfsportarten-Filmen größtenteils wegen seiner Wiedererfindung durch Bruce Lee gesehen, der vom künstlerischen Stil von traditionellen chinesischen Kampfsportarten-Filmen abgewichen ist und hinzugefügt hat, dass ein viel größerer Sinn des Realismus zu ihnen mit seinem Jeet Kune Wirklich entwirft. Das hat mit Dem Großen Chef (1971) begonnen, der ein Haupterfolg über Asien war. Jedoch hat er Berühmtheit in der Westwelt nicht gewonnen, bis kurz nach seinem Tod 1973 wenn in den Drachen Eingehen, veröffentlicht wurde. Der Film hat fortgesetzt, der erfolgreichste Kampfsportarten-Film in der filmischen Geschichte zu werden, hat das Kampfsportarten-Filmgenre überall in der Welt verbreitet, und hat den Status von Bruce Lee als eine kulturelle Ikone zementiert. Handlungskino von Hongkong war jedoch im Niedergang wegen einer Welle von "Bruceploitation" Filmen. Diese Tendenz ist schließlich 1978 mit den Kampfsportarten-Komödie-Filmen, der Schlange im Betrunkenen und Schattenmaster des Adlers abgelaufen, der von Yuen Woo-Ping und die Hauptrolle spielendem Jackie Chan geleitet ist, die Fundamente für den Anstieg des Handlungskinos von Hongkong in den 1980er Jahren legend.

Während sich das Musikfilmgenre in Hollywood zu diesem Zeitpunkt geneigt hatte, gewannen Musikfilme Beliebtheit im Kino Indiens schnell, wo der Begriff "Bollywood" für die wachsende Hindi-Filmindustrie in Bombay ins Leben gerufen wurde (jetzt Mumbai), der damit geendet hat, südasiatisches Kino zu beherrschen, die kritischer mit Jubel begrüßte bengalische Filmindustrie in der Beliebtheit einholend. Hindi-Filmemacher haben die Musical-Formel von Hollywood mit der Vereinbarung des alten Indianertheaters verbunden, um ein neues Filmgenre genannt "Masala" zu schaffen, der Indianerkino im Laufe des Endes des 20. Jahrhunderts beherrscht hat. Diese "Masala" Filme haben Handlung, Komödie, Drama, Roman und Melodrama plötzlich, mit "dem filmi" Lied und den Tanzroutinen porträtiert, die darin geworfen sind. Diese Tendenz hat mit Filmen begonnen, die von Manmohan Desai und die Hauptrolle spielendem Amitabh Bachchan geleitet sind, der einer der populärsten Filmstars im Südlichen Asien bleibt. Der populärste Indianerfilm aller Zeiten war Sholay (1975), ein "Masala" Film, der durch einen wahren dacoit sowie die Sieben Samurais von Kurosawa und die Italowesterns begeistert ist.

Das Ende des Jahrzehnts hat das erste internationale Hauptmarketing des australischen Kinos, als die Filme von Peter Weir Picknick am Hängenden Felsen und Der Letzten Welle und Fred Schepisi gesehen Der Singsang von Jimmie Blacksmith hat kritischen Beifall gewonnen. 1979 hat australischer Filmemacher George Miller auch internationale Aufmerksamkeit für seinen gewaltsamen, billigen Handlungsfilm Verrückter Max gespeichert.

Die 1980er Jahre: Fortsetzungen, Kassenerfolge und Videokassette

Während der 1980er Jahre haben Zuschauer zunehmend begonnen, Filme auf ihren Hausvideorecordern zu beobachten. Im frühen Teil dieses Jahrzehnts hat das Filmstudio gerichtliches Vorgehen versucht, um Hauseigentumsrecht von Videorecordern als eine Übertretung des Copyrights zu verbieten, das sich erfolglos erwiesen hat. Schließlich sind der Verkauf und Pachtbetrag von Filmen auf dem Hausvideo ein bedeutender "zweiter Treffpunkt" für die Ausstellung von Filmen und eine zusätzliche Quelle von Einnahmen für die Filmindustrien geworden.

Die Vereinigung von Lucas-Spielberg würde Kino "von Hollywood" seit vielen der 1980er Jahre beherrschen, und zu viel Imitation führen. Zwei Fortsetzungen zu, drei zu Kiefern und drei Filmen von Indiana Jones haben geholfen, Fortsetzungen von erfolgreichen Filmen mehr von einer Erwartung zu machen, als jemals vorher. Lucas hat auch THX Ltd, eine Abteilung von Lucasfilm 1982 gestartet, während Spielberg einen der größten Erfolge des Jahrzehnts in E.T. der Außerirdische dasselbe Jahr genossen hat. 1982 hat auch die Ausgabe des Tron von Disney gesehen, der einer der ersten Filme von einem Hauptstudio war, um Computergrafik umfassend zu verwenden. Amerikanisches unabhängiges Kino hat mehr während des Jahrzehnts gekämpft, obwohl der Wütende Stier von Martin Scorsese (1980), Nach Stunden (1985), und Der König der Komödie (1983) geholfen hat, ihn als einer der am kritischsten mit Jubel begrüßten amerikanischen Filmemacher des Zeitalters einzusetzen. Auch während 1983 Scarface wurde veröffentlicht, war sehr gewinnbringend und ist auf noch größere Berühmtheit für seinen führenden Schauspieler Al Pacino hinausgelaufen. Wahrscheinlich wurde der erfolgreichste Film gewerblich während 1989 verkauft: Die Version von Tim Burton der Entwicklung von Bob Kane, Batman, hat Kassenaufzeichnungen überschritten. Die Beschreibung von Jack Nicholson des verrückten Spaßvogels hat ihn insgesamt 60,000,000 $ nach dem Berechnen in seinem Prozentsatz des Grosses verdient.

Britischem Kino wurde ein Auftrieb während des Anfangs der 1980er Jahre durch die Ankunft der Gesellschaft von David Puttnam Goldcrest Films gegeben. Die Filme Kampfwagen des Feuers, Gandhis, Der Tötungsfelder und Eines Zimmers mit einer Ansicht haben an ein Publikum "des geistigen Normalverbrauchers" appelliert, das vom Hauptstudio von Hollywood zunehmend ignoriert wurde. Während die Filme der 1970er Jahre geholfen hatten, moderne Kassenerfolg-Filme zu definieren, hat der Weg "Hollywood" seine Filme veröffentlicht würde sich jetzt ändern. Filme würden größtenteils Premiere in einer breiteren Zahl von Theatern, obwohl, bis jetzt, einige Filme noch Premiere mit dem Weg des beschränkten/Informationsgruppe Ausgabe-Systems. Gegen einige Erwartungen hat der Anstieg des Mehrfachkinos weniger Hauptströmungsfilmen nicht erlaubt, gezeigt, aber einfach die Hauptkassenerfolge erlaubt zu werden, die eine noch größere Zahl von Abschirmungen zu geben sind. Jedoch wurden Filme, die in Kinos überblickt worden waren, eine zweite Chance auf dem Hausvideo zunehmend gegeben.

Während der 1980er Jahre hat japanisches Kino ein Wiederaufleben größtenteils wegen des Erfolgs von anime Filmen erfahren. Am Anfang der 1980er Jahre Raumkriegsschiff Yamato (1973) und Bewegliche Klage wurden Gundam (1979), von denen beide als Fernsehreihe erfolglos waren, als Filme wieder gemacht und sind ungeheuer erfolgreich in Japan geworden. Insbesondere Bewegliche Klage Gundam hat die Lizenz von Gundam des Echten Roboters mecha anime befeuert. Der Erfolg auch befeuerten eine Lizenz von Macross von mecha anime. Das war auch das Jahrzehnt, als Studio Ghibli gegründet wurde. Das Studio hat die ersten Fantasie-Filme von Hayao Miyazaki, Nausicaä des Tales des Winds (1984) und Schloss im Himmel (1986), sowie das Grab von Isao Takahata der Leuchtkäfer (1988) erzeugt, von denen alle in Japan sehr erfolgreich waren und kritischen Weltbeifall erhalten haben. Filme der ursprünglichen Filmanimation (OVA) haben auch während dieses Jahrzehnts begonnen; der einflussreichste von diesen frühen EI-Filmen war die Cyberpunk-Filmmegazone von Noboru Ishiguro 23 (1985). Der berühmteste anime Film dieses Jahrzehnts war der Cyberpunk-Film von Katsuhiro Otomo Akira (1988), der, obwohl am Anfang erfolglos, an japanischen Theatern, fortgesetzt hat, ein internationaler Erfolg zu werden.

Handlungskino von Hongkong, das in einem Staat des Niedergangs wegen endloser Filme von Bruceploitation nach dem Tod von Bruce Lee war, hat auch ein Wiederaufleben in den 1980er Jahren größtenteils wegen der Wiedererfindung des Handlungsfilmgenres durch Jackie Chan erfahren. Er hatte vorher den Komödie-Film und die Kampfsportarten-Filmgenres erfolgreich in der 1978-Filmschlange im Betrunkenen und Schattenmaster des Adlers verbunden. Der nächste Schritt, den er gemacht hat, war im Kombinieren dieses Komödie-Kampfsportarten-Genres mit einer neuen Betonung auf wohl durchdachten und hoch gefährlichen Glanzstücken, die an das stille Filmzeitalter erinnernd sind. Der erste Film in diesem neuen Stil des Handlungskinos war Projekt A (1983), das die Bildung der Glanzstück-Mannschaft von Jackie Chan sowie der "Drei Brüder" (Chan, Sammo Hung und Yuen Biao) gesehen hat. Der Film hat wohl durchdachte, gefährliche Glanzstücke zu den Kämpfen und dem Pritsche-Humor hinzugefügt, und ist ein riesiger Erfolg überall im Fernen Osten geworden. Infolgedessen hat Chan diese Tendenz mit Kampfsportarten-Handlungsfilmen fortgesetzt, die noch mehr wohl durchdachte und gefährliche Glanzstücke, einschließlich Räder auf Mahlzeiten (1984), Polizeigeschichte (1985), Rüstung des Gottes (1986), Projekt Ein zweiter Teil (1987), Polizeigeschichte 2 (1988), und Drachen Für immer (1988) enthalten. Andere neue Tendenzen, die in den 1980er Jahren begonnen haben, waren die "Mädchen mit Pistolen" Subgenre, für das Michelle Yeoh Berühmtheit gewonnen hat; und besonders das "heroische Blutvergießen" Genre, um Triaden kreisend, die größtenteils von John Woo den Weg gebahnt sind, und wegen dessen Chow-Chow-Yun-Fett berühmt geworden ist. Diese Handlungstendenzen von Hongkong wurden später durch viele Handlungsfilme von Hollywood in den 1990er Jahren und 2000er Jahren angenommen.

Die 1990er Jahre: Neue spezielle Effekten, unabhängige Filme und DVDs

Der Anfang der 1990er Jahre hat die Entwicklung eines gewerblich erfolgreichen unabhängigen Kinos in den Vereinigten Staaten gesehen. Obwohl Kino durch Filme der speziellen Effekten solcher als (1991) zunehmend beherrscht wurde, Liegt der Jurassic Park (1993) und Titanisch (1997), unabhängige Filme wie das Geschlecht von Steven Soderbergh, und Videokassette (1989) und die Reservoir-Hunde von Quentin Tarantino (1992) hatten bedeutenden kommerziellen Erfolg sowohl am Kino als auch auf dem Hausvideo. Filmemacher haben mit dänischem filmmovement Dogme 95 verkehrt hat ein Manifest eingeführt, das gerichtet ist, um Filmherstellung zu reinigen. Seine ersten paar Filme haben kritischen Weltbeifall gewonnen, nach dem die Bewegung langsam verwelkt ist.

Amerikanisches Hauptstudio hat begonnen, ihre eigenen "unabhängigen" Produktionsgesellschaften zu schaffen, um Nichthauptströmungsfahrgeld zu finanzieren und zu erzeugen. Einer der erfolgreichsten Unabhängigen der 1990er Jahre, Miramax Films, wurde von Disney das Jahr vor der Ausgabe der flüchtigen Erfolg-Fruchtfleisch-Fiktion von Tarantino 1994 gekauft. Dasselbe Jahr hat den Anfang des Films und Videovertriebs online gekennzeichnet. Belebte Filme, die auf Familienzuschauer auch gerichtet sind, haben ihre Beliebtheit, mit der Schönheit von Disney und dem Biest (1991), Aladdin (1992), und Der Löwe-König (1994) wiedergewonnen. Während 1995 die erste Eigenschaft-Länge wurde computerbelebte Eigenschaft, Spielzeuggeschichte, vom Pixar Zeichentrickfilm-Studio erzeugt und von Disney veröffentlicht. Nach dem Erfolg der Spielzeuggeschichte würde Computerzeichentrickfilm wachsen, um die dominierende Technik für den Eigenschaft-Länge-Zeichentrickfilm zu werden, der erlauben würde, sich Filmgesellschaften wie Dreamworks-Zeichentrickfilm und 20th Century Fox zu bewerben, um sich mit Disney mit erfolgreichen Filmen ihres eigenen effektiv zu bewerben. Während des Endes der 1990er Jahre hat ein anderer filmischer Übergang vom physischen Rohfilm bis Digitalkino-Technologie begonnen. Inzwischen sind DVDs der neue Standard für das Verbrauchervideo geworden, VHS-Bänder ersetzend.

Die 2000er Jahre

Der Dokumentarfilm hat sich auch als ein kommerzielles Genre für vielleicht das erste Mal, mit dem Erfolg von Filmen wie März der Pinguine und des Bowlings von Michael Moore für Columbine und Fahrenheit 9/11 erhoben. Ein neues Genre wurde mit Martin Kunert und den Stimmen von Eric Manes des Iraks geschaffen, als 150 billige DV Kameras über den Irak verteilt wurden, gewöhnliche Leute in zusammenarbeitende Filmemacher umgestaltend. Der Erfolg des Gladiators führt zu einem Wiederaufleben von Interesse im epischen Kino und der Moulin Rouge! erneuertes Interesse am Musikkino. Haustheater-Systeme sind immer hoch entwickelter geworden, wie einige der Extrablatt-DVDs getan hat, die entworfen sind, um auf ihnen gezeigt zu werden. Der Herr der Ringtrilogie wurde auf der DVD sowohl in der Theaterversion als auch in einer speziellen verlängerten Version beabsichtigt nur für Hauskino-Zuschauer befreit.

Es gibt ein wachsendes Problem des Digitalvertriebs, der hinsichtlich des Ablaufs von Copyrights, zufriedener Sicherheit und Erzwingen-Copyright zu überwinden ist. Es gibt höhere Kompression für Filme, und das Gesetz von Moore berücksichtigt zunehmend preiswertere Technologie.

Mehr Filme wurden auch gleichzeitig zum IMAX Kino veröffentlicht, das erste war im Zeichentrickfilm-Schatz-Planeten von Disney von 2002; und die erste lebende Handlung war den 2003 Die Matrixrevolutionen und eine Wiederausgabe Der Umgeladenen Matrix. Später im Jahrzehnt war Der Dunkle Ritter der erste in der IMAX Technologie mindestens teilweise zu schießende Haupthauptfilm.

Es hat eine zunehmende Globalisierung des Kinos während dieses Jahrzehnts mit Filmen in der Fremdsprache gegeben, die Beliebtheit auf englisch sprechenden Märkten gewinnen. Beispiele solcher Filme schließen Hockenden Tiger, Verborgenen Drachen (Mandarine), Amelie (Französisch), Lagaan (Hindi), Temperamentvoll Weg (Japanisch), Stadt des Gottes (Portugiesisch), Die Leidenschaft des Christus (Aramäisch), Apocalypto (Maya), Slumdog Millionär (ein Drittel auf Hindi), und Inglourious Basterds (vielfache Sprachen) ein.

Kürzlich hat es ein Wiederaufleben in der 3D-Filmbeliebtheit das erste gegeben, das die Geister von James Cameron des Abgrunds ist, der als die erste lebensgroße 3. mit dem Wirklichkeitskamerasystem gefilmte IMAX-Eigenschaft veröffentlicht wurde. Dieses Kamerasystem hat die letzten HD Videokameras, nicht den Film verwendet, und wurde für Cameron von Emmy berufen Direktor von Photography Vince Pace zu seinen Spezifizierungen gebaut. Dasselbe Kamerasystem war an den Film (2003), die Ausländer des Tiefen IMAX (2005), und Die Abenteuer von Sharkboy und Lavagirl im 3. (2005) gewöhnt.

Die 2010er Jahre

Nach dem 3D-Film von James Cameron ist Avatar der im höchsten Maße brutto verdienende Film geworden 3D Filme aller Zeiten haben zunehmende Beliebtheit mit vielen anderen Filmen gewonnen, die im 3D mit den besten kritischen und finanziellen Erfolgen veröffentlichen werden, die im Feld des Hauptfilm-Zeichentrickfilms wie Zeichentrickfilm von DreamWorks sind, Wie man Ihren Drachen und die Spielzeuggeschichte von Pictures/Pixar des Walt Disneys 3 Erzieht.

Bezüglich 2010 sind die größten Filmindustrien durch die Zahl von erzeugten Hauptfilmen diejenigen Indiens, der Vereinigten Staaten und Chinas.

Der lange Schwanz

Eine neue Hauptentwicklung am Anfang des 21. Jahrhunderts ist die Entwicklung von Systemen, die es viel leichter für regelmäßige Leute machen, ihre eigenen Filme ohne den großen Apparat der Filmindustrie zu schreiben, zu schießen, zu editieren und zu verteilen. Dieses Phänomen und seine Rückschläge werden in der Theorie von Chris Anderson, Dem Langen Schwanz entworfen.

Die Untergrundbahn

Neben der Tradition von Hollywood hat es auch einen "unterirdischen Film" Tradition des kleinen Budgets gegeben, häufig hat Arbeiten geschaffen außerhalb des Studio-Systems und ohne die Beteiligung von Gewerkschaften selbsterzeugt.

Siehe auch

• B Film
• Kino der Welt
• Kulturgeschichte
• Experimenteller Film
• Erfundener Film
• Film & Geschichte
• Film noir
• Geschichte von Sciencefictionsfilmen
• Kammerspielfilm
• Die Liste des Films formatiert
• Liste von Jahren im Film
• Listen von Filmthemen
• Wochenschau
• Flüchtige Produktion
• Stiller Film
• Gesunder Film
• Frauenkino

Weiterführende Literatur

• Abel, Richard. Der Cine Geht zur Stadt: Französisches Kino, das der Presse von Kalifornien, 1998 1896-1914University ist.
• Acker, Verbündeter. Haspel-Frauen: Pioniere des Kinos, 1896 zur Gegenwart. London: B.T. Batsford, 1991.
• Barnes, John. Das Kino in England: 1894-1901 (5 Volumina) Universität der Exeter-Presse, 1997.
• Basten, Fred E. Glorious Technicolor: Der Magische Regenbogen des Kinos. AS Barnes & Company, 1980.
• Bowser, Eileen. Die Transformation des Kinos 1907-1915 (Geschichte des amerikanischen Kinos, Vol. 2) die Söhne von Charles Scribner, 1990.
• Koch, David A. Eine Geschichte des Bericht-Films, 2. Ausgabe. New York:W. W. Norton, 1990.
• Vetter, Mark. Die Geschichte des Films: Eine Weltgeschichte, New York: Die Mund-Presse des Donners, 2006.
• König, Geoff. Neues Kino von Hollywood: Eine Einführung. New York: Universität von Columbia Presse, 2002.
• Merritt, Greg. Zelluloid-Außenseiter: Eine Geschichte des amerikanischen Unabhängigen Films. Die Mund-Presse des Donners, 2001.
• Nowell-Smith, Geoffrey, Hrsg. Die Geschichte von Oxford des Weltkinos. Presse der Universität Oxford, 1999.
• Parkinson, David. Geschichte des Films. New York: Die Themse & die Hudson, 1995. Internationale Standardbuchnummer 0 500 20277 X
• Rocchio, Vincent F. Reel Racism. Das Konfrontieren Hollywoods Aufbau der afroamerikanischen Kultur. Westview Presse, 2000.
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• Robin van Gils hat zijn baardje Schule 2009 entsprochen.
• Schrader, Paul. "Zeichen auf dem Film Noir." Filmanmerkung, 1984.
• Tsivian, Yuri. Stille Zeugen: Russian Films 1908-1919 britisches Filminstitut, 1989.
• Unterburger, Amy L. Die Frau-Filmemacher-Enzyklopädie von St. James: Frauen auf der anderen Seite der Kamera. Sichtbare Tintenpresse, 1999.
• Usai, P.C. & Codelli, L. (Redakteure) Vor Caligari: Deutsches Kino, 1895-1920 Edizioni Biblioteca dell'Immagine, 1990.

Links

• Ansicht innerhalb einer alten Filmkamera *popup Warnung, mögliche Hochmut-Seite *
• Museum von Motion Picture History, Inc.
• Geschichtsausstellungsstück der Filmherstellung in Florida, das von den Staatsarchiven Floridas präsentiert ist
• Amerikanischer Kameramann - Januar 1930, DIE FRÜHE GESCHICHTE VON WIDE FILMS
• Die Geschichte des Films formatiert
• Farbfilm-Geschichte
• Was ist eine Kamera Obscura?
• Filmton-Geschichte an FilmSound.org
• Eine Einführung ins Frühe Kino
• Liste von Early Sound Films 1894-1929 an der Stillen Zeitalter-Website
• Offizielle Website des Filmhistoriker-Historikers / Mündlichen Historikers Scott Feinberg
• Wirklichkeitsfilm
• Filmgeschichte vor dem Jahrzehnt *popup Warnung *
• Westfälische "Projektgeschichte im Film"
• Kino: Von 1890 Zu Jetzt
• Eine kurze, frühe Geschichte der Computergrafik im Film
• Filmgeschichte Video-Film.info
• Der Tex (t)-Mex Gallerblog Meditationen auf Latina/os im Kino
• Geschichte des Filmposters
• Brandwunden, Paul die Geschichte der Entdeckung der Kinematographie eine illustrierte Chronologie
• Die Filmerfahrung: Ein Studentenkurs, der von Prof. David Thorburn im Fall 2007 an MIT unterrichtet ist
• Filmgeschichte von Hollywood